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Film LO STRANIERO: François Ozon meglio di Luchino Visconti

Tue, 05 May 2026 09:28:57 GMT

Lo Straniero, capolavoro assoluto di Albert Camus reinterpretato dai registi Luchino Visconti e François Ozon in due film memorabili.

L’ultimo film del regista francese François Ozon, in queste giorni nelle sale italiane, mi ha riportato alla mente il ricordo, ancora vivo, della lettura del capolavoro di Albert Camus che ho fatto negli anni Settanta con l’edizione tascabile della Garzanti.

Una mostra con un marcato accento sull’aspetto spirituale della pittura.

Thu, 30 Apr 2026 13:37:00 GMT

Opere in cui il colore e la luce invitano alla meditazione e all’introspezione, in una tensione costante tra

astrazione e spiritualità.

Fino al 23 agosto 2026, Palazzo Strozzi presenta un’imperdibile mostra dedicata al grande maestro dell’arte americana Mark Rothko attraverso una selezione straordinaria di opere , tra cui grandi dipinti mai esposti in Italia, provenienti da prestigiose collezioni private e musei internazionali come il MoMA e il Metropolitan Museum di New York, la Tate di Londra, il Centre Pompidou di Parigi e la National Gallery of Art di Washington.

Mark Rothko definisce i suoi dipinti non come astratti, ma come "esperienze" vive di emozioni fondamentali come tragedia, estasi e fatalità. L'artista cerca di creare una connessione intima con lo spettatore, usando il colore per evocare luce e profondità, descrivendo l'arte come un'avventura nel mistero.

La sua arte attraversa varie fasi, dalla figurazione al Surrealismo, fino alle grandi campiture di colore in cui si dissolve il legame diretto con la rappresentazione della realtà. Per Rothko, fare arte significava interrogare in modo profondo l’incontro tra opera d’arte e pubblico .

Dal figurativo all’informale, dai colori più solari ai più umbratili e poi i neri e grigi e infine i lavori su carta realizzati quando era ammalato: presenti in mostra le opere significative dei 67 anni di vita di Mark Rothko, nato lettone ebreo, divenuto a 7 anni americano — per la fuga dei suoi dall’Impero russo — e morto suicida nel febbraio del 1970.

Dopo la mostra best-seller dedicata al Beato Angelico, Marc Rothko sembra raccogliere metaforicamente il testimone, sia per le influenze del suo percorso artistico, sia per la continuità della Fondazione Palazzo Strozzi di voler diffondere il corpus espositivo in altre sedi istituzionali fiorentine : il Museo di San Marco, che riapre l’intero percorso museale e la Sala del Beato Angelico riallestita, con cinque opere esposte in altrettante celle affrescate dall’Angelico, e il Vestibolo della Biblioteca Medicea Laurenziana, con due opere in dialogo con lo spazio progettato da Michelangelo.

La mostra di Palazzo Strozzi inizia con i lavori neosurrealisti degli anni Quaranta realizzati con una sensibilità più fluida e metamorfica, preludio alla dissoluzione della forma in quelli successivi che verranno detti Multiforms , campiture di colore sospesi sulla tela che segnano il passaggio verso una totale astrazione.

Negli anni seguenti la tavolozza si fa più raccolta , dai verdi e blu fino ai toni bruni e rossi degli anni Sessanta. La relazione con l’architettura riemerge negli studi per i Seagram e gli Harvard Murals , con portali cromatici e soglie chiuse ispirate anche al Vestibolo della Biblioteca Medicea Laurenziana.

Il primo incontro dell’artista con Firenze risale al 1950 , durante un viaggio insieme alla moglie Mell. L’artista rimane particolarmente affascinato dalla pittura di Beato Angelico al Museo di San Marco e dall’architettura del Vestibolo della Biblioteca Medicea Laurenziana. Quest’ambiente unico – che l’artista visiterà nuovamente nel 1966 – sarà fonte di ispirazione per la serie dei Seagram Murals , realizzata alla fine degli anni Cinquanta.

La mostra ripercorre le strategie di titolazione in Mark Rothko, con il radicale utilizzo del "Senza Titolo", analizzandone le diverse fasi come il superamento della numerazione “anti-espressiva” e l’adozione descrittiva dei colori. Emerge così il ritratto di un pioniere dedito a eliminare ogni ostacolo tra il pittore e l’idea , e tra l’idea e l’osservatore, restituendo un rapporto diretto con l’opera d’arte.

Mark Rothko ha sempre considerato fondamentale il rapporto tra la sua opera e lo spazio circostante , in particolar modo quando ha lavorato a cicli di dipinti per progetti ambientali di grande respiro, come la decorazione del Four Seasons Restaurant (poi ritirata) e la straordinaria realizzazione della Rothko Chapel a Houston.

Più che un’installazione artistica, la Rothko Chapel di Houston è un’esperienza. Parzialmente ricostruita in Palazzo Strozzi, non è una chiesa né un museo; non è un luogo determinato da un significato assegnato a priori; non è un’istituzione ma un atto che si rinnova per ogni visitatore che vi entra. Lasciarsi avvolgere dalla sua luce e dal suo spazio può essere descritto come un vero e proprio esercizio spirituale.

L’architettura di Palazzo Strozzi e la città di Firenze sono lo scenario ideale per esplorare come Marc Rothko traduca in pittura la t ensione tra misura classica e libertà espressiva , dando vita attraverso il colore a una nuova percezione dello spazio che oltrepassa la bidimensionalità della tela.

Il gruppo degli "Irascibili" era un collettivo di pittori espressionisti astratti, che aveva formalmente protestato contro il MET (Metropolitan Museum of Art) di New York. Esclusi da una mostra nazionale sul contemporaneo, firmarono una lettera aperta denunciando la chiusura dell'istituzione verso l'arte astratta e figurativa moderna. Il gruppo criticava il museo per la promozione di uno stile accademico o figurativo conservatore, ignorando la vitalità della nuova scuola di New York.

Non sono mai stato un pittore che attende in silenzio e con stupore ciò che accade

Mon, 27 Apr 2026 08:57:52 GMT

Un'ampia retrospettiva che attraversa oltre sessant'anni

di attività dell'artista tedesco Georg Baselitz

La mostra monografica al Museo Novecento di Firenze evidenzia l'importanza del segno e della grafica nel percorso artistico di Georg Baselitz, con una vasta selezione di circa 170 opere , tra linoleografie, xilografie e incisioni su rame, esplorando la figura umana con uno stile del tutto personale.

Per la prima volta in Italia, distribuita sui tre piani del Museo Novecento, la mostra presenta opere selezionate secondo una varietà di temi che esplorano l’idea dell’artista tedesco di arte come processo, trasformazione e gesto sovversivo , lontano da ogni forma di armonia rassicurante.

Figura pionieristica e anticonformista del secondo dopoguerra, l’artista ha promosso un rinnovamento radicale del linguaggio artistico, mettendo in crisi l’ordine accademico e rifiutando ogni modello precostituito. Celebre il suo rovesciamento delle immagini, atto simbolico e concettuale che destabilizza la visione e costringe lo spettatore a riconsiderare ciò che sta osservando.

Nato nel 1938 a Deutschbaselitz in Sassonia, trascorre l’infanzia in una Germania segnata dalle rovine della guerra e da profonde lacerazioni politiche e morali. Questo scenario storico lascia un’impronta profonda sulla sua arte , alimentando una prospettiva inquieta e critica verso la storia, l’identità e le immagini della tradizione.

Rifiuta l’adesione a movimenti, gruppi o correnti, preferendo una posizione autonoma rispetto alle tendenze dominanti dell’arte contemporanea. In un momento dove la pittura astratta sembrava prevalere su quella figurativa, Baselitz sviluppa un linguaggio figurativo marcatamente destabilizzante.

La grafica non rappresenta un ambito secondario rispetto alla pittura o alla scultura, ma un luogo autonomo di sperimentazione per ridefinire le proprie immagini e i propri temi. Le prime sperimentazioni incisorie risalgono al 1964, quando Baselitz lavorò nel laboratorio di stampa del castello di Wolfsburg in Bassa Sassonia, esperienza che segnò l’inizio di un interesse destinato a diventare una componente permanente della sua pratica .

Il capovolgimento delle figure a partire dal 1969 diventa un principio strutturale del suo lavoro. Presentando la figura “sottosopra”, l’artista tedesco elimina dalla connotazione del soggetto la funzione descrittiva immediatamente leggibile, obbligando lo spettatore a porsi di fronte all’opera in modo diverso e più consapevole.

Il gesto pittorico, la relazione tra colore e superficie, la struttura compositiva e la tensione tra figura e spazio emergono con maggiore evidenza grazie al rovesciamento, che non è un semplice espediente provocatorio, ma un dispositivo concettuale attraverso il quale mette in discussione le convenzioni percettive e culturali della rappresentazione.

Per la prima volta, il Museo Novecento dedica quasi tutti gli ambienti delle ex-Leopoldine a un’ unica grande mostra monografica : il percorso espositivo si sviluppa sui tre piani del museo, attraversando diverse fasi della produzione dell’artista e restituendo una visione ampia della sua ricerca, oltre alla pluralità delle tecniche che la caratterizzano.

La mostra mette inoltre in luce il legame profondo tra l’artista e Firenze , città che ha avuto un ruolo decisivo nella sua formazione. Baselitz soggiorna a Firenze per circa sei mesi nel 1965, entrando in contatto con l’arte anticlassica ed espressionista del Cinquecento italiano, in particolare con Rosso Fiorentino, Domenico Beccafumi e Jacopo da Pontormo.

Nella parte iniziale della mostra si entra in contatto con il mondo figurativo di Baselitz grazie a una serie di grandi linoleografie in cui compaiono alcuni dei motivi più ricorrenti della sua iconografia: il corpo umano isolato o in coppia, figure frammentate e soggetti legati alla dimensione dell’eros, con un marcato uso del nero.

Durante gli anni Ottanta, Georg Baselitz affianca la scultura alla pittura e alla grafica, esplorando un ulteriore campo di sperimentazione all’interno della sua pratica artistica, scoprendo un mezzo particolarmente diretto, meno mediato dall’ “artificio” della pittura e quindi più vicino alla dimensione fisica e concreta della materia.

A partire dagli inizi degli anni Duemila, Baselitz trasforma le sculture lignee in bronzo , per avere modo di rappresentare fedelmente sia le venature che le tracce della lavorazione. Alla policromia iniziale subentra una patinatura nera uniforme che accentua la compattezza e la forza plastica delle figure.

Le sale del primo piano del museo ospitano una selezione di xilografie e linoleografie di diversi formati, affiancate da alcuni dipinti che permettono di cogliere le relazioni tra i diversi linguaggi utilizzati dall’artista.

Un intero ambiente è dedicato alla serie dei cosiddetti Remix , avviata a partire dal 2005, in cui l’artista torna a confrontarsi con alcune delle proprie opere storiche, reinterpretandole con uno stile spesso più libero, sintetico e immediato.

Questo processo di revisione e rielaborazione testimonia il rapporto complesso che l’artista intrattiene con la propria storia visiva, concepita non come un archivio statico ma come un repertorio di immagini continuamente aperto a nuove trasformazioni.

La galleria al secondo piano del museo presenta infine una selezione di opere legate alla produzione grafica più recente, tra cui alcuni lavori realizzati nel 2025 e esposti per la prima volta in questa esposizione.

Altri motivi ricorrenti presenti nelle opere esposte includono il frammento di gambe tratto dal ciclo Spaziergang ohne Stock (2004), che nelle opere più recenti assume un valore autobiografico e si trasforma in una sorta di autoritratto simbolico, e l’immagine dell’ aquila , animale araldico della tradizione tedesca, rappresentato da Baselitz come in caduta anziché trionfante, è al tempo stesso l’animale nella sua forza naturale.

Questa scelta riflette la posizione critica dell’artista nei confronti della storia e dell’identità nazionale tedesca, affrontata spesso attraverso immagini volutamente ambigue o destabilizzanti. In alcune serie emergono inoltre elementi autobiografici più intimi, come i numerosi ritratti della moglie Elke , figura centrale nella vita e nell’opera dell’artista, indagata nel corso degli anni attraverso profili, nudi e figure che ne seguono il passare del tempo.

La mostra offre dunque l a più ampia panoramica della ricerca di Georg Baselitz e della sua straordinaria capacità di reinventare continuamente il linguaggio della figurazione, non limitandosi a ripercorrere le tappe principali della sua carriera, ma mettendo in evidenza il carattere profondamente sperimentale del suo lavoro, come pittura, grafica e scultura costituiscano tre dimensioni strettamente intrecciate di una stessa indagine sulla natura dell’immagine e sui suoi limiti.

In questo senso il progetto espositivo del Museo Novecento restituisce al pubblico una visione complessa e articolata di uno degli artisti più influenti del nostro tempo , il cui lavoro continua ancora oggi a interrogare in modo radicale il rapporto tra arte, storia e memoria.

La Firenze più vera nell’ultimo romanzo di Nicoletta Manetti

Fri, 24 Apr 2026 17:34:51 GMT

Una brillante protagonista femminile

che vive la sua storia nella Firenze più genuina

In questi anni abbiamo apprezzato Nicoletta Manetti come scrittrice di romanzi storici , dove mescolava sapientemente, con stile fluido e attraente, l’abilità narrativa propria della fiction con il rigore e la competenza della documentazione storica, in particolare per collana Stranieri e Firenze della Pontecorboli Editore di Firenze, con puntate anche a Roma per raccontare la triste storia di Beatrice Cenci o l’epopea della famiglia di Mamma Ada.

Leggiamo dalla post-fazione di Giovanna Checchi: “Con questo romanzo Nata mancina siamo di nuovo a Firenze e la voce narrante è ancora quella di una protagonista femminile. Anche stavolta la scena è vincente. La freschezza del linguaggio, i modi di dire di chi è nato all’ombra del cupolone, le atmosfere dei diversi quartieri, del Liceo classico Galilei a pochi metri dal Battistero, i timori, le paure, le amicizie e le delusioni ci appaiono familiari ma mai banali”.

Ursula, la protagonista di Nata mancina nasce a Firenze proprio nella poco tranquilla notte dell’alluvione del 1966, accolta dai genitori come “un ramo torto portato dalla piena”: perché non è il maschio sperato ed è pure bruttina e oltretutto si rivelerà mancina. Con queste premesse, crescere nella casa, per metà salone di parrucchiera della madre, è una sfida continua.

A scuola dalle suore le cose non migliorano: cercano di correggerle il mancinismo e poi le cambiano anche il nome: Orsola, come la Santa patrona fiorentina . Inevitabile che la bambina, contornata da una singolare corte di parenti, si rifugi in un suo mondo solitario, fatto di letture di libri e di identificazioni in personaggi letterari, in particolare la poetessa inglese Emily Dickinson. Le scrive lettere immaginarie, le confida ogni vicenda della sua vita, anche quelle tragiche come un incidente che renderà il padre invalido.

Dopo gli studi, l’incontro e il matrimonio con Antonio sembrano segnare una svolta felice nella vita della ragazza. A seguito di un’oscura lite familiare si riapriranno ferite non rimarginate dell’infanzia. Sarà una misteriosa Signora , che pare conoscere tutto di lei, ad accompagnarla verso un percorso di riscatto e rinascita.

Nata mancina di Nicoletta Manetti è un romanzo che affronta, con sensibilità e profondità, il tema dell' identità personale , esplorando le sfumature interiori del sentirsi diversi in una società che troppo spesso predilige l'omologazione e la convenzione.

Attraverso la voce della protagonista , l’autrice accompagna il lettore in un percorso di autoaccettazione e scoperta, dove la mano sinistra diventa simbolo di unicità e riscatto. L'autrice sa intrecciare ricordi, aneddoti e riflessioni con delicatezza, rendendo la storia universale e capace di parlare a chiunque si sia a volte sentito "fuori posto".

La forza del libro di Nicoletta Manetti sta nella capacità di trasformare la diversità in valore , offrendo un messaggio positivo e incoraggiante. Nata mancina è una lettura consigliata a chi cerca una narrazione sincera, che invita a guardare oltre le apparenze e a valorizzare ciò che ci rende unici. In definitiva, l’autrice ci ricorda che, come dice il proverbio, "ogni testa è un piccolo mondo" è proprio nella pluralità delle prospettive che risiede la ricchezza umana.

Le immagini sono relative alla presentazione del romanzo Nata Mancina di Nicoletta Manetti pubblicato da Pontecorboli Editore avvenuta il 15 aprile 2026 alla Libreria San Paolo di Piazza Duomo a Firenze con l'intervento della scrittrice Giovanna Checchi

Il Diario Fiorentino del poeta tedesco Rainer Maria Rilke

Thu, 23 Apr 2026 18:05:20 GMT

Il Diario Fiorentino è stato scritto durante il soggiorno in Italia

e dedicato a Louise Andreas-Salomé.

Si può dire, con Roberto Mosi, che Rainer Mairia Rilke abbia avuto una nuova intuizione della natura dell’arte, una personale consapevolezza dell’essere artista , grazie a questo Diario fiorentino , consapevolezza che cresce di pagina in pagina, da un iniziale tono calmo e razionale, fino a quello solenne ed euforico delle pagine finali, al punto che assumono una musicalità lirica di inno elegiaco.

Questo brano del Diario fiorentino rappresenta in modo significativo il momento di maturazione spirituale e artistica del poeta: Rilke riflette sul rapporto tra sé e il proprio “angelo”, la splendida Lou Salomé, di cui si era perdutamente innamorato. Qui diviene simbolo della sua ispirazione e crescita interiore, di una nuova consapevolezza della vita e dell’arte.

Il personaggio principale di questo Diario è la città di Firenze , sia nel periodo più celebre della sua storia e della sua arte, il Rinascimento, sia nell’Ottocento come meta ambita di visita e soggiorno di importanti personaggi della cultura europea, come appunto Rainer Maria Rilke, uno dei più grandi poeti in lingua tedesca, e la sua amante, Louise von Salomé, perfetta interprete dei fermenti più innovativi dell’epoca, legata alle vicende culturali di Friedrich Wilhelm Nietzsche e di Sigmund Freud.

Scritto durante il soggiorno a Firenze del ventiduenne Rilke nel mese di aprile del 1898, rappresenta un documento fondamentale per comprendere la sua visione estetica e le tematiche delle sue poesie. È una raccolta di annotazioni sulla città, riflessioni sui monumenti e sulla scrittura, sul contrasto tra l’eternità dell’arte e la transitorietà della vita.

Il Diario fiorentino si caratterizza per il suo stile lirico contemplativo, dove l’osservazione del reale si trasforma in meditazione poetica. La città di Firenze, con i suoi capolavori rinascimentali, diventa per Rilke una metafora della capacità umana di creare bellezza immortale . Questo tema tornerà in seguito nelle sue poesie, in particolare in quello che è considerato il suo capolavoro, Le elegie duinesi , dove arte e la bellezza diventano veicoli per avvicinarsi al mistero dell’esistenza. Firenze, capace di suscitare emozioni incomparabili e introspezione psicologica, resterà impressa nell’animo del poeta per molto tempo.

Rilke soggiornò alla Pensione Benoit che si trovava al terzo piano del Lungarno Serristori 13, in una splendida posizione panoramica sulla riva sinistra dell'Arno, non lontano dal Ponte alle Grazie. Dalla terrazza poteva ammirare un panorama suggestivo che spaziava da Fiesole a Bellosguardo, dalla Certosa al Piazzale Michelangelo.

Ogni sera, come un rito, saliva a San Miniato per vedere il sole tramontare alle Cascine , rito che ancora oggi si ripete con i turisti da Piazzale Michelangelo: “Sopra le Cascine e l’ultimo morente bagliore e il Ponte Vecchio su cui le vecchie case sembrano nidi s’infila come un nastro nero in una seta giallo sole”

Il Diario fiorentino è dedicato a Lou Salomé che Rilke ha incontrato per la prima volta a Monaco il 12 maggio 1897 a un tè in casa di amici, e subito ne resta affascinato : “Una florida biondina di trentasei anni che ha alle spalle una giovinezza avventurosa e viene già considerata una delle figure più affascinanti del tempo” . E' sposata da una decina di anni in uno strano ménage in cui lei non si concede, ma il matrimonio in qualche modo va avanti. Figlia di un generale russo, ha vissuto in un grande quartiere davanti al Palazzo d’Inverno e soprattutto ha studiato in Svizzera al politecnico di Zurigo dove eccezionalmente erano ammesse anche le donne. Studia filosofia, teologia, scienza comparata delle religioni e storia dell'arte.

Nel 1883 siccome è di salute un po' cagionevole, viene affidata a un'amica, Malwida von Meysenbug , femminista ante litteram, sostenitrice di una Germania democratica, che la porta con sé a Roma, in un clima più caldo, dove frequenta le amicizie di Malwida – Wagner, List, Mazzini, Garibaldi, ma soprattutto Nietzsche che resterà folgorato da Lou, al punto che le farà una proposta di matrimonio.

Lou invece sposa nel 1887 Friedrich Karl Andreas , che era lettore al seminario di orientalistica all'Università di Berlino. E fin dal primo incontro, Rilke viene travolto dalla passione per questa bellissima donna. E soprattutto trova riscontro ai suoi gusti poetici e ai suoi interessi artistici . Lou, moglie infelice, diventa la sua amante. Più anziana di 14 anni, di forte personalità, Rilke troverà in lei non solo l'amante appassionata, ma anche una madre che lo culla, lo comprende, lo guida (addirittura gli cambierà il nome, da René a Rainer).

E grazie all'influenza di Lou , diventa uomo diverso, abbandona la vita bohemienne dei caffè, le redazioni dei giornali o gli eventi letterari, e scopre le passeggiate nella natura; d’estate ama camminare scalzo sui prati, per le rive dei laghi, assaporerà una felicità unica nel corso di tutta la sua vita.

Nell’ ottobre del 1897 si stabilisce a Berlino vicino all’abitazione dei coniugi Adreas e frequenta ogni giorno la loro casa per stare insieme a Lou che gli organizza la vita, compreso il viaggio a Firenze che effettuerà nella primavera dell’anno successivo.

I primi quindici giorni fiorentini di Rilke sono di totale spaesamento , non riuscirà a scrivere un solo rigo: è sopraffatto dalla bellezza della città, dalla sua luce, dai monumenti, dalle opere d’arte, dalle gite in collina, alla Certosa del Galluzzo, a Fiesole, a Settignano, a Rovezzano e a Maiano.

Il 6 maggio del 1898, dopo tante emozioni, ha bisogno di maggiore introspezione e trova in Viareggio un luogo dove può respirare l'odore del mare, delle pinete, della natura. In quel momento, fra Ottocento e Novecento, Viareggio è all’apice del suo splendore, meta ambita, oltre che della Famiglia Reale, anche da famiglie ricche, nobili e borghesi, da molti artisti dell'epoca, come Gabriele D'Annunzio, Eleonora Duse, Giacomo Puccini, Pirandello, Galileo Chini. Si ferma a Viareggio tre settimane all'hotel Firenze nella Villa Rigutti di proprietà di Pietro Malfatti, dove scriverà il dramma lirico La principessa bianca .

Il pittore Lorenzo Viani, dopo averlo incontrato, così lo ricorda con un amico in una lettera: Ricordi quando noi ragazzotti andavamo dietro a quel tedesco all'albergo Firenze di Pietrino Malfatti, che faceva il bagno nudo al di là del Funai? L'ho visto a Parigi, è Rilke, il famoso poeta che è stato segretario di Rodenne. Ti farò leggere le poesie che scrisse a Viareggio.

Voi fanciulle siete come le barche sempre ormeggiate lungo le sponde delle ore. Per questo restate così pallide . Un tema a lui caro nel periodo viareggino è quello delle fanciulle che attendono al tramonto il rientro dei marinai dal molo del Porto di Viareggio. C'è tanta gente a seguire il ritorno delle navi dei pescatori. E c'è una sorta di sospensione perché qualche nave a volte non rientra. Questa incredulità è evocata nelle poesie de I canti delle fanciulle .

Regine siete voi e ricche e di canti ancora più ricche che alberi in fiore. Il poeta s’ispira alle raffigurazioni delle fanciulle con le corone di fiori tipiche delle decorazioni degli artisti dello jugendstil, a conferma del profondo legame fra il nuovo movimento artistico e la sua arte poetica.

Alcune pagine del diario scritte a Viareggio sono riflessioni sul lavoro del poeta, altre sono rielaborazioni dei ricordi del soggiorno fiorentino, ma tutte hanno un’unica destinataria del pensiero di Rilke: la sua musa ispiratrice e amante, Lou Salomé. Forse, senza di lei, questo diario non sarebbe nemmeno stato scritto.

A questo punto, come in un vero film d’azione, altro colpo di scena: Rilke si sposta nel Mare del Nord, a Sopot, vicino Danzica; appena ha saputo che Lou sarebbe andata in questa stazione climatica, lui non induce un momento, parte da Viareggio e attraversa mezza Europa per raggiungerla. Il viaggio per Rilke è una è costante, portatore di frutti esteriori e interiori, di cose che gli entrano profondamente dentro e parlano con il suo io.

Nel mese di luglio del 1898, sulle acque più fresche del Mare del Nord finisce il suo libro , un diario che aveva scritto per tre volte e tre volte aveva rinnegato, per la delusione della fredda accoglienza di Lou Salomé. Lui che aveva attraversato l’Europa per raggiungerla perché non sopportava la separazione da lei, è costretto a scrivere quelle amare parole.

La delusione è cocente . Il poeta la sopporta soltanto perché si avvicina a lei con lo sguardo rivolto al futuro: la sua arte ha imparato molto dall’amore e dalla sofferenza. Le dedica il Diario, ma nota che non c’è gratitudine nello sguardo di Lou. Lei lo tratta con una gentilezza fredda e irritante. Lui ha per lei un nuovo sentimento, fin ora sconosciuto: l’odio. Non vuole parole di conforto, e sente che deve sfuggire a questo tormento.

La conclusione di questa grande passione d’amore non è, comunque, una scofitta per Rainer Maria Rilke, anzi è una vittoria, quella che con questo diario lui si riconosce una natura di artista, un’arte che ancora non è poesia, ma lo sarà. Questa maturità, questa coscienza di essere un artista, questa consapevolezza che ha conquistato attraverso l’arte, non è ancora poesia però in lui è felicità, quella che il poeta conosce quando sente che gli sono cresciute le ali o almeno gli stanno nascendo le ali come ad un angelo.

Quindi, per concludere, in q uale rapporto sarà tutto ciò che è scritto nel Diario fiorentino con la Firenze del Rinascimento e con il mare di Viareggio? Lo stesso Rilke, il poeta che vent’anni dopo comporrà poesie universali come I sonetti a Orfeo e Le elegie duinesi , ci dà la risposta: Io stesso vedo sempre più chiaro che io non parlo delle cose ma di ciò che attraverso di esse io sono diventato.

Alcune foto sono relative alla presentazione del libro di Roberto Mosi "Il diario fiorentino di Rainer M. Rilke per Lou Salomé" edito da Pontecorboli avvenuta venerdì 27 marzo 2026 nella Sala storica Dino Campana della Biblioteca delle Oblate di Firenze.

Gli amici intellettuali e la Firenze di Ottone Rosai in mostra al Museo Novecento

Mon, 13 Apr 2026 17:37:42 GMT

La pittura di Ottone Rosai evoca una comunità inquieta,

che condivide un’umanità segnata dalla fatica di esistere

e dalla necessità di credere ancora nella poesia.

Ottone Rosai, attraverso le sue opere pittoriche, è capace di trasformare la città di Firenze in poesia universale e il percorso della mostra lo mette bene in evidenza attraverso i volti degli amici e le figure della quotidianità.

Firenze , ritratta attraverso gli occhi del suo grande maestro, diventa un paesaggio interiore e teatro di esperienze condivise. Infatti, i luoghi dipinti da Ottone Rosai appaiono allo spettatore non come semplici vedute: le strade, le colline, i monumenti e le case isolate di Firenze diventano s pazi interiori, organismi vivi con cui l’artista intreccia un rapporto fisico e morale.

Le tele su Via di San Leonardo, dipinta sia di giorno che di notte, le basiliche e le chiese, Palazzo Vecchio e i margini urbani più nascosti, mostrano una città lontana dall’idealizzazione , carica di pathos e di tensioni tra luce e ombra, stabilità e precarietà, appartenenza e solitudine.

L’amicizia con letterati, poeti, editori e artisti non è per Ottone Rosai un semplice sfondo biografico, ma un intenso spazio di confronto e formazione, che incide direttamente sulla sua visione del mondo e sulla concezione dell’arte come esercizio di sincerità .

Anche i luoghi sono inseparabili dalle persone che li hanno attraversati e dalle parole che li hanno raccontati: scrittori, poeti e amici condividono con lui una stessa vitalità , fatta di camminate notturne, incontri nei caffè, stanze di lavoro e periferie osservate senza filtri ideali.

Moltissimi i ritratti presenti nella mostra tra cui Eugenio Montale, Mario Luzi, Giorgio De Chirico, Elio Vittorini, Carlo Bo, Piero Bigongiari, Enrico Vallecchi e Giuseppe Ungaretti, tavole tutte dello stesso piccolo formato a dimostrazione di un atteggiamento del pittore neutrale e rispettoso.

Le persone care emergono dai dipinti come presenze silenziose, ma cariche di affetti, di spessori morali, portatrici di verità profonde, quasi sempre però velate di malinconia. Anche le lettere dell’artista rivelano legami vissuti come necessari, talvolta salvifici, talvolta dolorosi.

Rosai ha già potuto dimostrare che soltanto ispirandosi a la vita che si vive giorno per giorno, vi può essere una forma d’arte seria ed espressiva, viva e vitale. Ardengo Soffici

Il Lascito Rosai del Museo Novecento e la Collezione Alberto Della Ragione, riuniti per la prima volta in un’unica esposizione , testimoniano la centralità di Firenze nel contesto artistico del Novecento, valorizzando la relazione tra passato e presente, tra memoria e innovazione artistica, confermando il ruolo di crocevia tra cultura e laboratorio creativo.

Completa l’esposizione una selezione di documenti provenienti dall’ Archivio Bonsanti del Gabinetto Vieusseux. Inoltre, la mostra costituisce un importante raccordo tra le collezioni civiche fiorentine e la figura dell’ artista tedesco Georg Baselitz , protagonista di una grande mostra nelle altre sale del Museo Novecento e grande estimatore di Ottone Rosai, le cui opere ammirò durante il suo primo soggiorno a Firenze nel 1965.

Sorgerà un artista come una brutta giornata. Di dolore avrà fatta la vita, continuo, infinito, per non poter giungere a dare con la sua opera la pace né a sé né agli altri. Non conoscerà compromessi: tra i suoi atti e la sua arte tutto sarà coerenza.

Unico tormento: l’arte. Sola preoccupazione: donare. Ottone Rosai.

Dice Sergio Risaliti, direttore del Museo Novecento: “Fin dal 2018, quando sono arrivato a dirigere questo museo, ho avuto sempre in mente di valorizzare le opere di Ottone Rosai appartenenti alle collezioni civiche.

In prima battuta era per me importante rispettare l’accordo fra gli eredi e l’amministrazione comunale di Firenze, che si basava sulla necessità di esporre in modo permanente le opere donate, oggi parte delle collezioni civiche. Così è stato fatto, attraverso l’allestimento, al terzo piano, di una sala riservata esclusivamente a questa Raccolta.

Un altro punto fondamentale del mio lavoro è consistito nel valorizzare alcune delle bellissime opere di questo importante artista appartenute ad Alberto Della Ragione, esponendole al secondo piano nell’ambito di un rinnovato progetto museologico.

Terzo punto: attendevo l’occasione giusta per riunire in una sola mostra i due corpi, quello della Collezione Della Ragione e quello delle opere conservate nello studio dell’artista al momento della sua morte e generosamente donate alla città di Firenze dagli eredi, al fin di esaltare questo cospicuo patrimonio.

E l’occasione è giunta con la mostra di Georg Baselitz , artista tedesco di grande importanza che da sempre ha manifestato un grande interesse per le poesie visuali e pittoriche di Rosai. Fu in un ristorante che il maestro Baselitz scoprì Ottone Rosai, come ha ricordato in una recente intervista: " Se in quel locale avevo in mano una foto o un catalogo di Rosai, il cameriere veniva e diceva: “Oh, Ottone Rosai”. Tutti conoscevano Ottone Rosai; fuori dalla città, invece, nessuno."

Dall’analisi delle circa 70 opere esposte in mostra emergono con chiarezza i due filoni principali della pittura di Ottone Rosai: d a una parte i luoghi fiorentini (architetture, chiese, paesaggi senza tempo come vigne e uliveti), dall’altra la comunità di amici e intellettuali che hanno mantenuto viva la tradizione rinascimentale fiorentina.

Quindi l’opera di Ottone Rosai rimane ancora oggi profondamente legata sia ai volti delle persone a lui care, sia ai luoghi di Firenze, dove essi vivono. L’amicizia con artisti e intellettuali rappresenta lo stimolo fondamentale che influenza marcatamente la sua visione artistica .

Firenze, e le persone che la abitano, diventa così una geografia affettiva molto partecipata , carica di tensione morale, di complessità esistenziale, di umanità sofferta. Questo rapporto viscerale con uomini e spazi viene dipinto da Ottone Rosai con le pennellate della sua inconfondibile cifra stilistica fatta di autentica poesia pittorica.

Rosai è volentieri nottambulo. La notte, per un teppista come lui,

 è il tempo più propizio all’attacco e allo sfruttamento della Poesia. Ardengo Soffici.

Una storia che dal passato ci racconta il presente per affrontare il futuro.

Sun, 05 Apr 2026 16:20:39 GMT

Un romanzo che ci insegna a mantenere la speranza per il futuro

anche durante le tragedie più dolorose.

Come ci informa Nicoletta Verna nelle note in appendice al libro, la storia della ragazzina Sirio è del tutto inventata, ma prende spunto da un fatto vero e reali sono alcuni personaggi che lei incontra nel corso delle sue avventure.

Il romanzo è una carrellata di storie di ragazzi, dal loro punto di vista ingenuo ma schietto e spontaneo, per questo ci apre il cuore e ci fa sognare, anche se tratta delle terribili vicende della Seconda Guerra Mondiale ambientate tra Fiesole e Firenze in un tempo della storia di pochi mesi.

Nicoletta Verna ci fa sapere che si è sentita in dovere di fare un omaggio alla città di Firenze, lei che è nata a Forlì ma che da 25 anni vive e lavora a Firenze come editor della Casa Editrice Giunti.

La protagonista Sirio nasce e cresce a Fiesole, ma il suo sogno è quello di vedere Firenze , che all’epoca per una ragazzina era un vero proprio viaggio avventuroso. Infatti, per pura combinazione, realizzerà il suo sogno in una data simbolica: quella del bombardamento del 25 settembre 1943 della Stazione Campo di Marte di Firenze da parte di 36 aerei britannici, che fecero 215 vittime.

Lo sguardo di Sirio sulla guerra non è edulcorato - non è nello stile della scrittrice - semmai mette in risalto il concetto che la guerra è schifosa e la fanno soltanto gli adulti; ma il romanzo non è pessimistico : Sirio, anche nei momenti per lei più brutti, non perde mai la speranza, la certezza che la guerra finirà e lascerà il posto alla rinascita e al bene dell’umanità.

Nel romanzo di Nicoletta Verna Firenze è un personaggio , non è una città da cartolina, ad uso e consumo dei turisti, ma è un corpo vitale anche se ferito, è una comunità che respira, che soffre e gioisce delle piccole cose che la guerra non contamina di morte; una città dove si ritrova, in alcune zone, il sentimento antifascista forte e sentito, ma in altre anche l’odioso collaborazionismo con i nazifascisti.

Per alleggerire e sdrammatizzare la narrazione, basta l’atteggiamento dei bambini e degli adolescenti che non si schierano da una parte o dall’altra, ma, soprattutto di Sirio, che si posiziona sempre e comunque verso la pietà, la neutralità, vera alfiere della pace e di un sentimento umanitario sincero e compassionevole.

Le scelte di Sirio sono animate dal buon senso, è un'adolescente priva di stereotipi e di pregiudizi e lo dimostra quando la banda di ragazzini di cui lei è il capo (di solito i capi sono maschi, ma anche qui i componenti della banda non sono condizionati e accettano una femmina come capo) scopre che nel Castello di Vincigliata, vicino Fiesole, c’è un mostro. In realtà è un soldato tedesco ferito che lì si nasconde. Sirio decide, anche se è “il nemico” di aiutarlo lo stesso, perché è “un essere umano”.

Sirio non è un’eroina santa, anzi è una bugiarda cronica, è contradditoria, ma è personaggio vivo, schietto, mente “perché la verità fa schifo”. L’autrice ha esplorato questo rapporto tra verità e menzogna in modo significativo: Sirio è bugiarda, ma usa la menzogna per crearsi un mondo più rassicurante di quello in cui sta vivendo.

Ogni suo gesto acquista un grande spessore perché lei capisce, a volte senza rendersene conto, quale sia la cosa giusta da fare. Anche se è una tredicenne, questo personaggio attira con una forza vitale molto potente, proprio perché incarna la spensieratezza e la genuinità del fanciullo che noi adulti abbiamo perduto.

Altro interessante rapporto che l’autrice esplora a fondo è quello tra Sirio e Margherita, che assume un ruolo fondamentale nel percorso di crescita della protagonista. Margherita rappresenta per Sirio una figura di riferimento e, in alcuni momenti, quasi materna; è colei che le offre un rifugio emotivo e uno spazio dove poter esprimere la sua immaginazione e le sue insicurezze. La loro relazione è fatta di complicità, ma anche di tensioni: Sirio cerca in Margherita una guida , qualcuno che la aiuti a decifrare una realtà spesso ostile e segnata dalla menzogna.

Margherita, a sua volta, accoglie le fragilità di Sirio senza giudizio, comprendendo che la menzogna e la fantasia sono strumenti di sopravvivenza per la bambina. Insieme, costruiscono un universo alternativo , più luminoso e sopportabile rispetto a quello reale, segnato dalla guerra e dalla perdita. Il loro legame si rafforza proprio nell’affrontare le difficoltà, e permette a Sirio di maturare, passando dall’infanzia alla consapevolezza adulta, grazie anche al supporto e all’affetto di Margherita.

Nicoletta Verna ha scritto una storia capace di toccare le corde più profonde dell’animo umano . Il romanzo offre un ritratto autentico della crescita, della complessità dei sentimenti e della ricerca della verità, attraverso personaggi vividi ma imperfetti come Sirio, che ci ricorda quanto sia importante preservare la spontaneità e la genuinità tipica dell’infanzia, quanto sia importante il valore dell’empatia e della fantasia come strumenti per affrontare le difficoltà della vita.

L’inverno delle stelle di Nicoletta Verna è un romanzo consigliato a chi cerca una lettura che non si limiti a raccontare una storia, ma che sappia anche offrire una prospettiva nuova sul mondo, sul coraggio di essere sé stessi e sull’importanza di aiutare gli altri senza pregiudizi.

Le foto sono relative alla presentazione del romanzo L’inverno delle stelle di Nicoletta Verna avvenuta sabato 21 marzo 2026 nella sala storica Dino Campana della Biblioteca delle Oblate di Firenze, a cura di Stefania Costa con l’intervento della professoressa Micaela Frulli dell’Università di Firenze, letture e brani musicali di Letizia Fuochi

Gli ultimi romanzi di NICOLETTA MANETTI e di CATERINA PERRONE

Sat, 21 Mar 2026 13:48:12 GMT

Un comune viaggio a Firenze

alla scoperta dell’identità e della diversità

Entrambi pubblicati da Angelo Pontecorboli , i nuovi romanzi di Nicoletta Manetti – Nata Mancina – e di Caterina Perrone – Alexandre Dumas a Firenze – hanno in comune, oltre all’editore, appassionato di storie che hanno il capoluogo toscano come ambientazione principale, anche lo stile narrativo limpido e coinvolgente: le pagine scorrono veloci, grazie a una prosa ricca di dettagli e di emozioni autentiche.

Ursula, la protagonista di Nata mancina di Nicoletta Manetti, nasce a Firenze proprio nella poco tranquilla notte dell’alluvione del 1966, accolta dai genitori come “un ramo torto portato dalla piena” : perché non è il maschio sperato ed è pure bruttina e oltretutto si rivelerà mancina. Con queste premesse, crescere nella casa adibita anche a salone di parrucchiera della madre, è una sfida continua. A scuola dalle suore le cose non migliorano: cercano di correggerle il mancinismo e poi le cambiano pure il nome: Orsola, come la Santa patrona fiorentina. Inevitabile che la piccola, contornata da una singolare corte di parenti, si rifugi in un suo mondo solitario, fatto di letture di libri e di identificazioni in personaggi letterari, in particolare Emily Dickinson. Le scrive lettere immaginarie, le confida ogni vicenda della sua vita, anche quelle tragiche come un incidente che renderà il padre invalido. Dopo gli studi, l’incontro e il matrimonio con Antonio sembrano segnare una svolta felice. A seguito di un’oscura lite familiare si riaprono le ferite dell’infanzia. Sarà una misteriosa Signora, che pare conoscere tutto di lei, ad accompagnarla verso un percorso di riscatto e rinascita .

Caterina Perrone ha avuto l’arduo compito di raccontare un personaggio pieno di vitalità, brio, energia e spirito arguto come Alexandre Dumas; un personaggio, sempre in movimento, sempre attratto dai luoghi, dai personaggi, dalle storie. L’autrice di Alexandre Dumas a Firenze è riuscita a immortalare il grande scrittore francese tra le piazze, le strade, i vicoli, le chiese, i palazzi di Firenze e facendolo rivivere come se davvero fosse insieme a lui nelle sue continue scorribande. E chissà se proprio in queste scorribande non sia nata l’ispirazione per i suoi libri più letti, come Il conte di Montecristo; o anche, il romanzo che ha contribuito a rinforzare la leggenda di Caterina de' Medici e la reputazione scandalosa di sua figlia Margherita di Valois, che proprio grazie a questo romanzo verrà ricordata con il soprannome di "regina Margot”.

Nata Mancina di Nicoletta Manetti è un romanzo che affronta con sensibilità e profondità il tema dell' identità personale , esplorando le sfumature del sentirsi diversi in una società che spesso predilige l'omologazione. Attraverso la voce della protagonista, l’autrice accompagna il lettore in un percorso di autoaccettazione e scoperta, dove la mano sinistra diventa simbolo di unicità e riscatto. L'autrice sa intrecciare ricordi, aneddoti e riflessioni con delicatezza, rendendo la storia universale e capace di parlare a chiunque si sia mai sentito "fuori posto".

Alexandre Dumas a Firenze di Caterina Perrone è un a ffascinante viaggio tra le pagine della storia , dove l’autrice ci conduce sulle tracce dello scrittore francese nella città toscana. Il libro intreccia sapientemente la biografia di Dumas (il padre) con la scoperta di una Firenze ottocentesca, viva di cultura, incontri e suggestioni letterarie. L'autrice dipinge con colori vividi il rapporto tra Dumas e Firenze, svelando curiosità, aneddoti e riflessioni che rendono la narrazione coinvolgente e ricca di spunti evocativi. Lo stile elegante e preciso accompagna il lettore in un percorso che celebra il valore e la bellezza della contaminazione culturale . "

La forza del libro di Nicoletta Manetti sta nella capacità di trasformare la diversità in valore , offrendo un messaggio positivo e incoraggiante. Nata Mancina è una lettura consigliata a chi cerca una narrazione sincera, che invita a guardare oltre le apparenze e a valorizzare ciò che ci rende unici. In definitiva, l’autrice ci ricorda che, come dice il proverbio, "ogni testa è un piccolo mondo" è proprio nella pluralità delle prospettive che risiede la ricchezza umana.

L’ULTIMO RAIS DI FAVIGNANA romanzo di Massimiliano Scudeletti

Wed, 18 Mar 2026 14:53:24 GMT

Un romanzo liberamente ispirato alla figura di

Gioacchino Cataldo rais della tonnara di Favignana

Nelle tonnare siciliane, ràis è colui che dirige l’organizzazione tecnica e comanda gli uomini addetti alle operazioni di pesca. In siciliano, ràisi, significa più genericamente “capobarca” ed è un incarico che generalmente è trasmesso di padre in figlio.

Leggiamo, a inizio libro, un Memoir di Giacchino Cataldo di Carlo Ottaviano : “Troppo facile giocare di rimando, col vecchio Santiago e Capitan Ahab - Hemingway e Melville - o altrimenti opporre questa storia alle vicissitudini della famiglia Toscano di Acitrezza, Malavoglia di Verga, Facile, eppure ingiusto, perché le vicende dei rais di Favignana - l'ultimo e/o il primo, non importa - testimoniano l'origine dei miti - e tale è ormai Gioacchino Cataldo - ma sono anche ricche di sovrapposizioni e stratificazioni storiche che hanno modificato e codificato cambiamenti sociali. Cataldo, il primo a non avere ereditato il raissato, fu capo non per discendenza, ma per merito e agì al lavoro incrociando i poteri di un re assoluto in regime di monarchia democratica. Queste pagine sono quindi – sì, il romanzo della vita di un uomo non comune - ma anche storia di una intera comunità nell'evolversi di più stagioni. Irripetibili e quindi prezioso documento”.

“L’ULTIMO RAIS DI FAVIGNANA” di Massimiliano Scudeletti è un romanzo che affonda le radici nella cultura siciliana, e in particolare nell’ antica tradizione della tonnara di Favignana . L'autore, con una prosa ricca e suggestiva, ci accompagna alla scoperta di un mondo che si stava lentamente dissolvendo, quello guidato dal “rais”, il capo indiscusso della pesca del tonno, figura carismatica e custode di segreti tramandati di generazione in generazione.

La narrazione si snoda tra i ricordi e i racconti degli anziani dell’isola , abbracciando temi universali come il passare del tempo, il legame con la terra (o meglio, con il mare), e la nostalgia per le tradizioni che rischiano di andare perdute. Il romanzo è permeato da una profonda malinconia, ma anche da una grande dignità e rispetto per la semplicità di chi ha vissuto una vita scandita dai ritmi della natura e dai cicli stagionali.

La narrazione oscilla tra mito e realtà : si parte dalla nascita di Gioacchino, lo ritrovi ragazzino che sfugge al destino di cavatore di tufo ed entra, a 14 anni, allo stabilimento Florio per pestare le viscere dei tonni. Dopo il militare fatto al Nord, torna a Favignana per fuggirne ben presto ed emigrare in Germania. Ma il destino è quello scritto nel sangue: torna in Sicilia per essere quello che ha sempre desiderato, un tonnaroto.

Il sogno si avvera ma proprio nel periodo in cui in tutta Italia le tonnare sono destinate a scomparire. E allora si trasforma in un ambasciatore mediatico di quella tradizione e ottiene un grande successo: nel 2006 viene iscritto nel Registro delle Eredità immateriali (REI) della Regione Sicilia come “tesoro umano vivente”. Purtroppo, l'anno successivo la Tonnara di Favignana chiuderà e allora questa non è una biografia, ma l’epopea di un moderno Aiace.

Massimiliano Scudeletti riesce a dare voce ai personaggi con autenticità, utilizzando espressioni e idiomi locali che rendono il racconto vivo e vibrante. La descrizione delle scene di pesca, delle feste popolari e dei silenzi del mare trasmette al lettore tutta la poesia e l’asprezza di Favignana , creando un affresco emozionante e coinvolgente.

“L’ULTIMO RAIS DI FAVIGNANA” è un libro che si legge tutto d’un fiato, ma che lascia il tempo per riflettere sul valore della memoria e sull’importanza di mantenere vivi i racconti del passato. Consigliato a chi ama la letteratura che sa coniugare storia, tradizione e sentimento, e a chi desidera immergersi in una Sicilia autentica e senza tempo.

Un libro che davvero si legge come se ci si trovasse lì, su quell'isoletta, ad ascoltare il vecchio rais che l'autore ha voluto ribattezzare col nome di Aiace, il più alto di statura dei guerrieri achei.

(Matteo Collura, Il Messaggero)

Amore e inganni nel romanzo NESSUNO È SOLO SE STESSO di Caterina Perrone

Sun, 15 Mar 2026 11:54:31 GMT

Una storia avvi ncente tra i palazzi e le strade della Firenze rinascimentale.

Nessuno è solo se stesso di Caterina Perrone della piccola casa editrice Grafichè è un romanzo che colpisce per la sua profonda introspezione e la capacità di mettere a nudo le fragilità umane. L'autrice ci conduce in un viaggio emotivo attraverso le vite dei protagonist i, esplorando il tema dell'identità e della solitudine con una rara delicatezza. La narrazione, ricca di dettagli e sfumature, offre al lettore uno sguardo autentico sulle difficoltà e sulle speranze che accompagnano il percorso di ciascuno verso la scoperta di sé.

La prima cosa che ci piace segnalare è il prestigioso riconoscimento letterario che questo romanzo ha ottenuto. Dal comunicato stampa del Premio: La sesta edizione del prestigioso Premio Dario Galli ha incoronato Caterina Perrone, scrittrice fiorentina di grande talento, con il suo romanzo “Nessuno è solo se stesso”. Un riconoscimento che celebra non solo l’eccellenza letteraria, ma anche la capacità di raccontare storie complesse e coinvolgenti, capaci di intrecciare la dimensione personale con quella storica e culturale. Il Premio Dario Galli, ormai un appuntamento consolidato nel panorama letterario italiano, si distingue per la sua attenzione alle opere che uniscono qualità narrativa e profondità tematica, valorizzando autori emergenti e consolidati. La vittoria di Perrone conferma la sua posizione di rilievo tra le voci più interessanti della narrativa contemporanea.

Il romanzo di Caterina Perrone si sviluppa attorno a un intrigo ambientato nella Firenze rinascimentale , con protagoniste due gemelle, Vanna e Beatrice, profondamente diverse nel carattere e nelle passioni. La trama prende avvio quando il padre, dedito alla scienza più che ai sentimenti, decide di dare in sposa una delle figlie a Vieri, collaboratore di Lorenzo de’ Medici, allievo di Marsilio Ficino.

Il romanzo mescola storia, filosofia, amore e mistero , intrecciando le vite di personaggi che vivono conflitti esistenziali, rivelando come nessuno possa davvero essere solo sé stesso, ma sempre anche qualcun altro, attraverso l’incontro con gli altri. Un viaggio nella psiche umana, tra libertà e destino, tra passione e dovere, in un contesto storico ricco di richiami all’arte, alla poesia e al pensiero umanista del tempo.

La scrittura di Caterina Perrone è fluida e coinvolgente, capace di catturare l'attenzione fin dalle prime pagine. Per mezzo di dialoghi intensi, il romanzo invita a riflettere sul significato dell'essere "se stessi" in una società che spesso impone maschere e ruoli. Un'opera consigliata a chi cerca una lettura profonda e significativa, ricca di spunti per guardarsi dentro e trovare nuove prospettive.

La vicenda si sviluppa in un intreccio di scene di vita quotidiana , in cui ogni personaggio deve decidere se accettare la propria vulnerabilità o continuare a indossare le maschere imposte dalla società. Il romanzo si snoda tra riflessioni intime, scelte difficili e incontri che cambiano il corso delle vite, mantenendo sempre viva la tensione tra solitudine e desiderio di appartenenza.

Alla fine, il messaggio che emerge è che nessuno può davvero essere solo se stesso: siamo il frutto delle relazioni con gli altri , delle emozioni e dei legami che ci definiscono e ci accompagnano.

Il romanzo non si limita a raccontare una storia d’amore, ma esplora la complessità psicologica della personalità delle due gemelle, soprattutto quella di Vanna, che sfida i ruoli imposti dalla società patriarcale. Attraverso dialoghi incalzanti e momenti di confronto più riflessivi, Vanna afferma con forza la propria indipendenza , dichiarando di non voler essere una semplice moglie, ma una donna libera.

La narrazione si intreccia con la storia politica della Firenze rinascimentale , evidenziando le difficoltà e le contraddizioni vissute da Lorenzo de Medici, impegnato a governare una città ricca e tumultuosa. Le vicende storiche, come la congiura dei Pazzi, fanno da sfondo alle scelte personali dei personaggi, rendendo il romanzo ancora più sfaccettato e attraente.

Le foto sono relative alla presentazione del romanzo Nessuno è solo a se stesso di Caterina Perrone avvenuta il 27 novembre 2025 nel Salone delle Adunanze dell’Accademia delle Arti del Disegno di Firenze, presente l’autrice e il relatore Carlo Menzingher di Preussenthal.

Una grande mostra a Pisa nel sessantesimo anniversario della morte di ANTONIO LIGABUE

Thu, 12 Mar 2026 15:29:37 GMT

La mostra è un viaggio nella psiche e nell’immaginario di un artista che ha trasformato la marginalità e il dolore in una forza espressiva dirompente.

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Nel sessantesimo anniversario della scomparsa di Antonio Ligabue , Pisa rende omaggio a uno degli artisti più intensi, tormentati e autentici del Novecento con la mostra “LIGABUE. Il ruggito dell’anima” , in programma fino al 10 maggio 2026 negli spazi suggestivi degli Arsenali Repubblicani .

Un’esposizione con molte opere di pittura e scultura che non si limita a celebrare un maestro amatissimo dal pubblico, ma invita a rileggere in profondità la sua figura, collocandola finalmente nel cuore della grande storia dell’arte europea.

Antonio Ligabue nacque – per la prima volta – nell’ultimo anno dell’Ottocento, il 18 dicembre del 1899. Nacque con il cognome della giovane madre, Elisabetta Costa, rimasta incinta per errore e costretta a emigrare in Svizzera , tanto per la miseria quanto per la vergogna. È a Zurigo che sua madre si unirà con un certo Bonfiglio Laccabue, un povero emigrato dall’Emilia Romagna.

Segnato fin dall’infanzia da abbandoni, malattia, povertà e isolamento, Ligabue ha vissuto gran parte della sua esistenza ai margini della società, tra la Svizzera e la bassa padana, etichettato come “el matt”, il matto. Eppure, proprio da quella condizione di esclusione è scaturita una delle voci più sincere e potenti dell’arte del Novecento. Per lui l’arte non è mai stata esercizio estetico o ricerca intellettuale: piuttosto, una necessità primaria, istintiva, vitale.

Ligabue soffrì anche di epilessia , ma ogni volta che qualcuno lo trovava nel bel mezzo di una crisi mentre si dimenava a terra – come un pesce fuor d’acqua - ecco che finiva per essere sbattuto dentro a qualche manicomio. Il 6 dicembre 1948, dimesso da uno dei tanti ricoveri di salute mentale. Nacque una seconda vota, decise di chiamarsi Ligabue e di essere un artista .

Fece ritorno in Emilia ad affermare la sua carriera e a cercare una sposa. E così, in cambio di un quadro, trovò l’amata: una Moto Guzzi rossa, usata . Il suo cavallo. La sua tigre rubino. La sua libertà. Sulla moto Antonio ci percorse tutta la Pianura Padana, con le tele da vendere e le gabbie dei conigli che trasportava per la pittura dal vivo.

Il primo ricovero in un ospedale psichiatrico risale al 1917, in una località turistica della Svizzera tedesca, a solo 17 anni. Il primo riconoscimento del suo talento disegnativo avviene paradossalmente proprio nell'ambito dell'Istituzione: chi lo analizza si stupisce per le sue capacità espressive non convenzionali e per il sorprendente senso intellettuale. In questo contesto, il ragazzo prende consapevolezza che il suo talento potrà essere utilizzato come strumento di riscatto sociale.

Schernito e spesso allontanato dalla civiltà, come fosse una delle belve che appaiono nelle opere da lui dipinte, Ligabue trova pace nei luoghi e nelle cose incontaminate. L’artista si allontana dalla crudele realtà per trovare rifugio in una visione magica e primitiva.

La sua storia, così come viene raccontata nelle opere, è un susseguirsi di battaglie feroci alternate a momenti di calma illusoria. I paesaggi che Ligabue dipingere ripercorrono i luoghi derivanti dalle memorie d'infanzia e dal suo nomadismo, le brutali lotte tra animali feroci e la precisione anatomica con cui riusciva a riprodurli ci parlano di un uomo che ha saputo ammirare la natura in tutta la sua purezza.

Le evidenti ferite al volto, riscontrabili in molti dei suoi autoritratti, portano alla luce i tormenti interiori e la volontà di fuggire da quelli che definisce gli “umori maligni” che lo angustiano. A tal proposito risulterebbe arduo comprendere o intercettare una chiave di lettura altra delle sue opere, se non quella psicoanalitica, che aiuta lo spettatore a decodificare i temi e le simbologie più o meno celate nelle sue opere d'arte.

Ligabue è stato un uomo infelice, dall'animo sensibile e al tempo stesso un'artista cosciente, con un'immensa capacità espressiva che non aveva nulla delle formalità, nulla delle falsità del mondo che lo circondava.

La pittura è per lui uno strumento di sopravvivenza emotiva: un modo per affrontare le proprie paure, dare forma ai tormenti interiori, affermare la propria identità. Tele cariche di colore, di tensione, di energia primitiva, che ancora oggi colpiscono per la loro capacità di parlare direttamente all’animo dello spettatore, senza filtri né mediazioni.

Il percorso espositivo mette in luce la sorprendente vicinanza di Ligabue ai grandi protagonisti dell’ Espressionismo europeo . Come sottolinea il curatore Mario Alessandro Fiori, Ligabue è stato a pieno titolo “il nostro espressionista”: un artista che, pur lontano dai centri culturali e dalle avanguardie ufficiali, ha saputo interpretare con assoluta autenticità lo spirito di quel linguaggio fondato sull’inquietudine, sulla deformazione, sulla verità interiore.

I suoi volti segnati dal dolore, gli autoritratti intensi e quasi ossessivi, gli animali colti in momenti di lotta, di caccia o di tensione vitale parlano la stessa lingua di Edvard Munch, Egon Schiele, Oskar Kokoschka . E come Van Gogh , Ligabue dipinge scavando nella materia pittorica, affidando al colore – violento e insieme sorprendentemente armonico – il compito di restituire emozioni viscerali. La sua modernità nasce proprio da questa adesione totale al sentimento, da una pittura che non descrive, ma urla, ruggisce, vibra.

Cuore pulsante della mostra sono le opere più iconiche: i celebri autoritratti , in cui Ligabue si osserva e si espone senza pietà, e soprattutto le potenti raffigurazioni di animali . Tigri, leoni, leopardi, rapaci, cavalli, volpi, animali da cortile impegnati in combattimenti accesi: una vera e propria giungla pittorica, aspra e magnetica, che riflette il mondo interiore dell’artista. In questi soggetti non c’è mai semplice naturalismo. Gli animali diventano alter ego, simboli di forza, paura, aggressività, desiderio di riscatto. Sono creature cariche di tensione, colte nell’attimo decisivo, immerse in una natura selvaggia e visionaria che sembra rispondere agli stessi impulsi emotivi dell’uomo.

Nel corso della sua vita Antonio Ligabue realizza un totale di 1050 opere. Fra queste vi è una ripetizione costante di alcuni soggetti da lui prediletti: non soltanto gli autoritratti, ma anche scene campestri, lotte tra Galli, felini feroci e animali da fattoria i suoi famosi autoritratti, ma anche docili cagnolini. Nonostante ciò, l'artista ha la capacità di non realizzare mai due opere uguali.

A causa dei limiti linguistici e dell'isolamento obbligato che si ritrova a vivere, passa molto tempo lungo gli argini del fiume Po, dove consolida il suo rapporto con la natura. Numerosi sono i dipinti in cui, attraverso soluzioni sapientemente studiate, sono presenti animali esotici che l'artista ripesca dal suo bagaglio di ricordi degli anni passati a Zurigo, luogo d'infanzia in cui ha vissuto per i primi 19 anni della sua vita, dove visitava spesso lo zoo, il circo e il Museo di Storia naturale di San Gallo.

"Ligabue in una sola giornata, dipendeva dalla stagione, dal tempo, dall'umore, dall'amore, poteva essere coniglio e lupo, gallo e farfalla, giaguaro e tigre". Questa citazione del poeta e critico d’arte Raffaele Carrieri sottolinea la natura istintiva, mutevole e passionale di Ligabue capace di passare da momenti di estrema fragilità e timidezza (coniglio) a momenti di ferocia creativa e intensità espressiva (tigre).

Il legame tra Ligabue e gli animali precede la sua fama di artista: una connessione profonda, tanto delicata quanto brutale, che ha a che fare con i demoni interiori a cui le scienze psicologiche iniziavano a dar voce nel primo Novecento.

Una prima peculiarità dell’arte di Ligabue risiede nella simbologia: gli animali raffigurati da Ligabue si trasformano in allegorie dei suoi tormenti psichici, che si tratta di animali domestici o di predatori feroci. L'artista utilizza tali figure per trasmettere all’osservatore il proprio conflitto interiore, la derisione e l'emarginazione che quotidianamente viveva.

Una seconda peculiarità della sua pittura risiede nell'azione che l’artista sceglie di far intraprendere alle sue bestie: il momento dell'assalto. Nei suoi dipinti non vi sono né vinti né vincitori, non ci sono animali agonizzanti o morenti, ma dignità, spirito di lotta e sopravvivenza.

Quest'opera condensa tutta la forza istintiva e drammatica del suo universo animale. Il volto della tigre ritratto in primo piano esplode in un vortice di colori accesi e pennellate feroci. L'Arancio, il nero, il bianco diventano materia viva, carne e furia. Lo sguardo dell'animale, insieme minaccioso e sofferente, riflette il tormento dell'artista.

Ligabue non rappresenta una tigre reale, ma un simbolo, la proiezione del proprio spirito selvaggio in lotta con il mondo e con se stesso. In quest’opera, la tensione tra potenza e fragilità trasforma la bestia che si fa grido e identità, ritratto dell'anima dell’artista.

Ligabue cattura l'essenza della natura selvaggia come specchio del proprio mondo interiore, la forza istintiva, la solitudine, il bisogno di affermarsi contro tutto. Le pennellate drammatiche, colori intensi, trasformano la scena in un dramma primordiale dove la vita e la morte convivono in un equilibrio fragile, potente. L'artista non descrive un episodio naturale, ma una visione simbolica, il Leone è l'emblema dell'energia vitale che divora e salva, un alterego che incarna il tormento e la grandezza dell'esistenza in questo scontro.

Tra le diverse peculiarità di toni si denota la volontà di realizzare le opere attingendo al suo bagaglio di conoscenze visive, riproponendo fedelmente ciò che lui stesso ha saputo o potuto osservare, facendo costantemente ricorso alla sua memoria fotografica. Ligabue, inoltre, è un'artista autodidatta che sceglie di non subire alcun tipo di influenza proveniente da colleghi a lui contemporanei.ensioni, il formato e altro ancora.

Non avendo alcun tipo di preparazione accademica, e una possibilità limitata di poter correggere ciò che realizza, Ligabue non fa uso del disegno preparatorio, dipingendo direttamente i suoi soggetti su diversi supporti che ha a disposizione. La sua precarietà finanziaria non gli permette di poter acquistare materiali pregiati per le sue opere. Molte sue opere sono realizzate su faesite, materiale composto da fibre di legno che molte aziende utilizzavano nelle zone di Gualtieri e Guastalla e che spesso Ligabue riusciva a reperire gratuitamente.

La scena esplode di movimento, i cavalli imbizzarriti trascinano l'aratro in una corsa senza controllo, mentre il contadino tenta invano di dominarli. In questo episodio di vita rurale Ligabue trasforma la fatica quotidiana in un dramma epico, il paesaggio vibrante e agitato partecipa alla tensione dei corpi e degli animi. Le pennellate nervose e i contrasti violenti di colore e luce restituiscono la forza indomabile della natura e dell'uomo che vi si misura. La semina diventa così metafora della lotta per la sopravvivenza, ma anche dell'atto creativo, un gesto di energia e disperazione in cui la terra e l'anima vengono scosse dallo stesso impeto vitale.

L’arrivo dei postiglioni diventa per Ligabue un evento epico: il fragore degli zoccoli, il vento, la tensione dei corpi animano un paesaggio che vibra di energia nella concitazione del movimento. In un racconto di potenza e libertà, le pennellate corpose e i colori accesi trasmettono il senso di urgenza e di vita che attraversa tutta la sua opera, è un omaggio al mondo rurale, ma anche la forza primordiale dell'uomo e degli animali, uniti nello stesso respiro selvaggio della natura.

Una coppia di fenicotteri si raccoglie in riva all'acqua. Ligabue trasforma la scena naturale in un sogno cromatico, dove il rosa intenso delle piume si fonde con i toni verdi e turchesi del paesaggio. Eleganti e inquieti, sembrano sul punto di spiccare il volo, di dissolversi. Con pennellate dense, l'artista esprime un senso di meraviglia e di inquietudine. Il desiderio di un mondo libero e chiaro come quello che immagina sulla tela. Nei fenicotteri, sospesi tra grazia e malinconia, si riflette la sua ricerca di bellezza, di riscatto, di libertà.

Un gruppo di cervi si muove tra i boschi, immerso in una luce che filtra tra i rami, come un respiro della natura. Ligabue osserva gli animali con una partecipazione emotiva profonda, trasformando la scena in un ritratto collettivo di grazia e di inquietudine. Le corna si intrecciano come arabeschi, i corpi sembrano vibrare di energia, pronti a fuggire o a sfidarsi. Attraverso pennellate dense e colori terrosi, l'artista restituisce il ritmo vitale del mondo selvaggio, ma anche la sua fragilità. Nei cervi eleganti e vulnerabili si riflette la sua stessa tensione interiore, la paura dell'isolamento, la bellezza di una natura che accoglie e minaccia al tempo stesso. È un canto della vita, dove la forza si misura con la paura, e la solitudine si fa poesia.

In una girandola di colori accesi e di figure in movimento, Ligabue trasforma il circo in una metafora della vita stessa. Animali acrobati e clown popolano uno spazio sospeso tra realtà e sogno, dove ogni gesto è insieme, spettacolo e destino. L'artista guarda al mondo del circo con fascinazione e inquietudine. Dietro la luce dei riflettori si nasconde la solitudine dei protagonisti, il confine fragile tra gioia e dolore. Il circo è un teatro dell'anima, un luogo dove l'immaginazione diventa rifugio e la pittura ancora una volta strumento di libertà.

In Ligabue convivono tre talenti, che l’hanno reso Ligabue l'artista che oggi conosciamo e amiamo: una sviluppata a memoria fotografica, spiccata capacità di saper osservare il circostante, e l’attenta precisione che riserva ai dettagli e ai simboli presenti nelle sue opere.

"Napoleone a cavallo" è un olio su tela, appartenente alla fase finale della produzione di Ligabue. Quest'opera, rimasta incompiuta, rappresenta un’inconsueta incursione dell’artista nel ritratto storico. Raffigura il generale francese con il volto dell'artista stesso, riflettendo un desiderio di auto-celebrazione e immedesimazione in una figura storica di potere.

Per Antonio Ligabue, l’arte ha rappresentato da sempre un’esigenza profonda e istintiva, un modo per affrontare le difficoltà e i tormenti della vita. Questa urgenza espressiva si riflette nella potenza visiva delle sue opere, capaci ancora oggi di emozionare e toccare l’animo dello spettatore.

La mostra celebra il percorso di questo genio visionario in continua evoluzione, mettendo in luce la sua incessante ricerca artistica, caratterizzata da un uso audace del colore – violento ma armonico – e da una forza emotiva intensa. Il suo linguaggio iconografico, al tempo stesso popolare e sofisticato, prende forma in dipinti di grande impatto.

Palazzo Blu di Pisa ospita una bella mostra sulla BELLE EPOQUE

Mon, 09 Mar 2026 17:31:19 GMT

La mostra è uno sguardo sulla Belle Époque parigina, fatta di dialoghi, confronti, rapporti tra i pittori e tendenze artistiche

Fino al 7 aprile 2026 , Palazzo Blu di Pisa ospita la mostra presenta “Belle Époque. Pittori italiani a Parigi nell’età dell’Impressionismo”, un viaggio che conduce lo spettatore sulla scena parigina tra Ottocento e Novecento.

Un centinaio di opere provenienti da prestigiosi musei internazionali e italiani — tra cui il Musée d'Orsay, il Louvre, il Philadelphia Museum of Art, il Meadows Museum di Dallas, il Detroit Institute of Arts, il Musée Malraux di Le Havre, le Gallerie degli Uffizi, il Museo di Capodimonte, Palazzo Te di Mantova, la Pinacoteca De Nittis di Barletta, il Museo Boldini di Ferrara — oltre che da importanti collezioni private francesi e italiane.

La grande mostra esplora la nascita della modernità europea attraverso i capolavori di molti autori, ma in particolare di tre artisti italiani come Giovanni Boldini, Giuseppe De Nittis e Federico Zandomeneghi, protagonisti assoluti della Belle Époque.

Di solito, i pittori italiani a Parigi erano marginalizzati a una funzione puramente decorativa, mentre in realtà avevano un ruolo centrale nella modernità visiva europea. Questa mostra ha il compito di storicizzare questo loro importante ruolo artistico.

In quel tempo, la capitale francese era il crocevia d’Europa , e i tre artisti italiani vi giunsero tra il 1867 e il 1874, attratti dal fermento culturale e dalle opportunità di una metropoli sospesa tra la fine del Secondo Impero e l’inizio della Terza Repubblica.

A Parigi Boldini, De Nittis e Zandomeneghi collaborarono con i mercanti riuniti nell' Atelier Goupil , frequentarono i caffè e i salotti intellettuali, incontrando artisti come Degas, Manet e Renoir . Tuttavia, mantennero un legame profondo con le proprie radici italiane , interpretando la modernità parigina con la memoria culturale toscana, napoletana e veneziana.

L’ambiente dei pittori macchiaioli guardava con sospetto al loro successo internazionale, percepito come frivolo e soprattutto commerciale, fino a quando, nel 1878, il critico d’arte Diego Martelli , riconobbe a De Nittis un talento incontestabile: “ non solo il migliore tra gli italiani all’estero, ma superiore come fine dell’arte”.

Nonostante siano accomunati dallo stesso ambiente artistico parigino, i tre artisti s’impongono con interpretazioni diverse e originali : Giovanni Boldini come raffinato ritrattista mondano, Giuseppe De Nittis come cronista sensibile della vita urbana, Federico Zandomeneghi come pittore della quotidianità borghese, vicino agli impressionisti.

Considerati tra i maggiori Italiens de Paris, costruiscono una visione personale, che li distingue dai colleghi francesi. Tra gli anni Settanta dell’Ottocento e il primo decennio del Novecento elessero la capitale francese a luogo ideale per portare il proprio modo di dipingere la nuova modernità.

A Parigi in quegli anni si cominciava a respirare un’aria nuova, fatta di elegante mondanità , dato che la borghesia, che si stava sempre più urbanizzando, migliorava costantemente il proprio tenore di vita.

Il percorso della mostra si articola in nove sezioni tematiche , tra la tragedia per il dopo Sedan – la grande sconfitta della Francia imperiale di Napoleone III ad opera dell’esercito prussiano - e l’esplosione della modernità parigina, plasmata dalle contraddizioni tra progresso tecnico e disuguaglianze sociali, tra l’euforia borghese e le ferite storiche irrisolte.

La nuova borghesia ricca frequentava assiduamente i salotti, i caffé, i teatri, passeggiava lungo i boulevard, nei parchi e nei giardini; partecipava attivamente alla straordinaria ondata culturale, che permise a Parigi di diventare il centro nevralgico d’Europa .

La piacevole e frivola vita della classe borghese divenne soggetto tra i più raffigurati da questi artisti italiani a Parigi, che riuscirono bene a mettere nelle loro tele lo spirito dell’epoca, ma furono anche accusati di tradire le loro origini culturali per andare incontro ai favori del mercato parigino.

L’ obiettivo dell’esposizione pertanto vuole, come dice la storica dell’arte Francesca Dini, curatrice della mostra, nell’introduzione del catalogo, “valutare le mutazioni stilistiche di Boldini, De Nittis e Zandomeneghi e le sinergie scaturite dagli incontri con altri eminenti artisti europei dimoranti nella capitale francese”.

Probabilmente non ci sarebbe stata la Belle Époque senza quella rovinosa sconfitta francese nella guerra franco-prussiana del 1870. E allora il percorso espositivo, prima di addentrarsi nella piacevolezza e nell’eleganza di quel tempo felice (anche se privilegio solo borghese), ci fa respirare l’aria pesante e tragica del post-Sedan con alcune tele tra cui spicca quella di Carlo Ademollo.

Forte è il contrasto tra la tragicità della prima sezione e l’era felice della seconda, simboleggiata dalla graziosa Berthe ritratta da Giovanni Boldini su una panchina di un parco della metropoli francese, vestita all’ultima moda, con le gambe accavallate, lo sguardo rivolto di lato e la piccola mano sul mento, il cui mignolo scivola sulla bocca socchiusa con un gesto tra l’innocenza e la sensualità.

Il salto d’atmosfera prosegue con le opere di Giuseppe De Nittis, ambientate in giornate di sole al Bois de Boulogne, alle corse dei cavalli, nei giardini e che dà modo anche a lui di ritrarre gentildonne, gentiluomini e bambini tutti ben abbigliati e lieti.

Francesca Dini sottolinea il fatto che Les Italiens de Paris hanno perfettamente intercettato il desiderio di leggerezza della società parigina animata dalla joie de vivre e desiderosa di dimenticare gli anni difficili della guerra appena trascorsi.

Hanno ricoperto il ruolo di pittori della vita moderna , o come direbbe Baudelaire, dell’ artista flâneur , di colui che vaga liberamente tra le vie e i parchi cittadini, contemplando i paesaggi e le persone che vede nel suo vagare e ritraendoli in modo realistico.

Sorprende trovarsi di fronte ad alcuni piccoli quadri di Giovanni Boldini diversi da quelli che il pittore ci ha abituato – grandi quadri di ritratti femminili a figura intera – come alcune scene nel Parco di Versailles, incontri galanti e di svago, con minuscole ma dettagliate figurine, ma soprattutto una insolita veduta paesaggistica della Strada maestra a Combes-la-Ville .

I l quadro di Boldini venne acquistato dal collezionista americano William Hood Stewart, tra i più importanti punti di riferimento a Parigi per l’arte contemporanea, insieme alla Maison Goupil vera talent scout di artisti, tra cui Alceste Campriani e Antonio Mancini.

Protagonisti delle successive due sezioni sono ancora Boldini e De Nittis: entrambi trovano ispirazione nella realtà che li circonda, concentrandosi su dettagli della quotidianità , come le lavandaie lungo la Senna, le passeggiate nella campagna, le gite in barca, le soste tra i fiori dei campi.

Ciascuno dei due con il proprio stile e le proprie inclinazioni: Boldini verso la dinamicità del segno e la predilezione per il ritratto (significativo in questo senso è Lo strillone) ; De Nittis orientato più agli studi di luce che lo avvicineranno sempre più all’ Impressionismo (partecipò alla prima mostra impressionista nel 1874 a Parigi, tenuta nello studio del fotografo Nadar, che vide la partecipazione di artisti come Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Sisley e Cézanne).

Casa De Nittis diventò il luogo di ritrovo di molti amici, artisti, intellettuali, grazie anche al carattere bonario del pittore originario di Barletta e alla straordinaria accoglienza e ospitalità della moglie Léontine; era piena di opere d’arte dei suoi amici impressionisti e di giapponeserie, che l’artista amava collezionare.

Il percorso espositivo presenta ora un'ampia e variegata selezione di dipinti proveniente dalla Pinacoteca De Nittis di Barletta che permette d'introdursi nell’ universo domestico e familiare del pittore , dove lui si sentiva amato e circondato dall’affetto dei suoi cari, la cara moglie Léontine e il loro figlio Jacques, purtroppo morto a soli trentotto anni.

Tra questi dipinti spiccano un Autoritratto dell’artista , in piedi, nel salone della sua casa, molte altre tele con paesaggi innevati, i familiari ritratti nel giardino di casa e il significativo Salotto della Principessa Mathilde , ovvero Mathilde Bonaparte, cugina di Napoleone III e nipote del Bonaparte, il cui salone dell’Hotel in rue de Berri, dove la principessa viveva e riceveva gli ospiti circondata dalla sua collezione di opere d’arte, era uno dei salotti più ambiti di Parigi .

Il dialogo dei pittori italiani con l’Impressionismo , già citato nel sottotitolo dell’esposizione di Palazzo Blu, si fa ancora più evidente nella sezione dedicata a Federico Zandomeneghi. Il pittore veneto arriva a Parigi nei primi giorni di giugno del 1874, pochi giorni dopo il termine della prima mostra impressionista che si era tenuta da aprile a maggio.

Zandomeneghi si era lasciato sedurre dal grande scalpore che aveva suscitato l’evento, ma tra esitazioni e un’altalenante attrazione verso questa nuova pittura, è solo a partire dal 1878 -1879 che si afferma e si consolida il suo rapporto con gli impressionisti , soprattutto per merito di Diego Martelli , il più noto mecenate dei Macchiaioli, presente in quegli anni a Parigi.

Il critico ebbe modo di comprendere direttamente nella capitale francese le affinità tra l’Impressionismo e la pittura dei Macchiaioli e, dopo aver aiutato Zandomeneghi dal punto di vista caratteriale, perchè alquanto scorbutico e brontolone, riuscì a far esporre due opere del pittore alla mostra impressionista del 1879, facendolo entrare di fatto nel movimento.

Su tutti gli impressionisti Zandò (come lo chiamavano gli amici francesi) si sentiva maggiormente vicino a Degas (soprattutto ai suoi pastelli) e preferiva raffigurare in particolare giovani fanciulle della media borghesia, ma con un proprio stile personale che riguardava soprattutto scelte coloristiche vicine alle sue origini venete (si noti la mescolanza dei colori nei fondi delle opere esposte). Spiccano in questa sezione, due altri artisti: Renoir con la Jeune fille au ruban bleu e Mary Cassat con Nel giardino.

Nella successiva sezione, al piano superiore, si vuole mettere in evidenza la nascita di un vero cliché europeo di eleganza, un’evidente omologazione dei soggetti ispirati alla vita della metropoli francese da parte dei pittori italiani e spagnoli attivi a Parigi tra la fine degli anni Settanta e gli anni Ottanta dell’Ottocento: si nota infatti una spiccata predilezione per la rappresentazione a mezzo busto su fondi uniti di figure femminili, simbolo di bellezza e di charme, caratterizzate da sorrisi maliziosi e atteggiamenti leziosi, che sfociano nel disinibito (sottovesti che scivolano, seni che si scoprono, corpi che si piegano e trasparenze).

Di tutt'altro genere di fascino e di mistero (evocato dalla presenza di pipistrelli e di un gatto nero) è avvolta invece la donna di profilo in primo piano con i lunghi e vaporosi capelli rossi sciolti ritratta da Alfred Stevens ne L’Électricité, che fa pensare alle seducenti donne preraffaellite e che invece vuole richiamare l’idea del progresso .

La mostra è inoltre occasione per restituire a Vicente Palmaroli la paternità della signora ritratta nel suo salotto parigino esposto alla Biennale di Venezia del 1934 con l’apocrifa firma di Giovanni Boldini, sintomo di disordini attributivi a favore del maestro ferrarese e a discapito di pittori spagnoli suoi contemporanei.

Anche il livornese Vittorio Matteo Corcos , un altro italiano affascinato da Parigi, accoglie questo cliché europeo di elegante modernità della moda di fine Ottocento, qui testimoniato da uno dei capolavori del pittore: le Istitutrici ai Campi Elisi , per lui espressione dell’idea universale di eleganza e di spensieratezza.

La penultima sezione della mostra, presenta un’eleganza non impostata, bensì dinamica : ritratti più vivi, più moderni, in posa ma non immobili e ambientati nella dimensione quotidiana. Una nuova idea di ritratto di cui si fanno portavoce in primis Boldini, ma anche i suoi amici, come Paul Helleu e Jacques-Émile Blanche e lo stesso John Singer Sargent. Particolare la tela di Boldini che ritrae il piccolo Subercaseaux, uno dei figli dell’imprenditore e diplomatico cileno Ramon: vestito di un elegante completo da marinaretto, seduto su un divanetto a righe chiare e scure, con una gamba giù e una su, sembra scivolare un po’ in avanti e un po’ di lato, e forse non starà lì seduto ancora per molto...

L’esposizione si conclude invece in Toscana , con opere di Luigi e Francesco Gioli, Michele Gordigiani, Angiolo Tommasi, Giorgio Kienerk, e ancora Vittorio Matteo Corcos. Il viaggio espositivo tra strade, boulevard, corse dei cavalli, interni domestici, parchi e giardini parigini termina proprio in Toscana perchè, a causa delle frequenti visite fatte a Parigi, gli artisti toscani molto si lasciarono influenzare dagli aspetti figurativi in voga in Francia; oltre al già citato ruolo di Diego Martelli, anche i periodici ritorni di Boldini in Toscana contribuirono a tenere aggiornato l’ambiente artistico toscano. Predomina la ritrattistica: si resta incantati dall'evanescente Ritratto di Eleonora Duse di Gordigiani; ipnotizzati dallo sguardo diretto della giovane donna de In lettura sul mare di Corcos; affascinati e sedotti dalle linee sinuose delle schiene delle tre ragazze ritratte da Kienerk in Giovinezza

Sogni è il celeberrimo olio su tela di Vittorio Matteo Corcos, che chiude il percorso espositivo . Il quadro ritrae Elena Vecchi, figlia dello scrittore Augusto Vecchi, seduta su una panchina in un'atmosfera autunnale, ritratta con un realismo quasi fotografico, colta in una posa anticonvenzionale, fiera e riflessiva, simbolo della donna moderna ed emancipata della Belle Époque, suscitando scalpore per la sua intensità e indipendenza. La protagonista ha i capelli leggermente spettinati, le gambe accavallate e guarda lo spettatore con audacia, rappresentando un'emancipazione intellettuale. Il titolo "Sogni" richiama il mistero dello sguardo, rivolto verso l'osservatore ma immerso nei pensieri personali., opera considerata manifesto della Belle Époque, che evidenzia una femminilità magnetica e sicura di sé.

La mostra di Palazzo Blu, attraverso le sue, accompagna il visitatore da uno dei momenti più bui per la Francia alla sua epoca più felice e più attiva dal punto di vista artistico e culturale. Fa comprendere come dalla sconfitta nasca una prorompente voglia di rinascita , di serenità, di modernità, di progresso, di eleganza che investe tutta la borghesia della capitale francese e che detta le principali tendenze nella moda e nell’arte dentro e fuori dal Paese.

La frivolezza e la mondanità rappresentata dai pittori italiani della Belle Époque non è dunque superficialità o un tradimento nei confronti della propria patria d’origine, ma l’effetto dello spirito di quell’epoca frutto di un desiderio di riscatto internazionale.

La mostra di Palazzo Blu è quindi un’immersione totale nella Belle Époque parigina , fatta di dialoghi, di confronti, di rapporti umani tra i pittori, attraverso i quali si racconta un’epoca ben inquadrata storicamente, facendo emergere un affresco vibrante, ricco ma mai dispersivo, che non si limita a esporre opere, ma che invita a comprendere come a Parigi prese forma una nuova idea di arte.

CIME TEMPESTOSE, il capolavoro di Emily Brontë: meglio il libro o il film?

Fri, 20 Feb 2026 16:56:02 GMT

Confrontiamo la nuova versione cinematografica

con il capolavoro ottocentesco di Emily Brontë

Emily Brontë ha scritto un capolavoro della letteratura inglese ottocentesca, noto per la sua intensità emotiva e la profondità dei suoi personaggi. Cime tempestose, ambientato nella brughiera dello Yorkshire, intreccia le storie di amore e vendetta tra Heathcliff e Catherine, due anime tormentate la cui passione supera i confini del tempo e della morale. Emily Brontë crea un’atmosfera cupa e selvaggia, dove la natura riflette lo stato d’animo dei protagonisti e la drammaticità degli eventi.

Il linguaggio è ricco e suggestivo, capace di coinvolgere il lettore in un vortice di sentimenti contrastanti . La struttura narrativa, che alterna voci e prospettive , aggiunge profondità e mistero alla vicenda. Nonostante la durezza delle tematiche trattate – la solitudine, il rancore, la disperazione – il romanzo offre spunti di riflessione sulla potenza dell’amore e sulla capacità dell’uomo di autodistruggersi.

Il romanzo non racconta una vera e propria storia d’amore tra i due protagonisti, piuttosto dipinge a tinte forti l'atmosfera dell'ambiente circostante, e si distingue nettamente dal film , in cui invece il tema dell'amore è centrale. Il libro, scritto in epoca vittoriana, mantiene spiccati collegamenti con quel periodo, evitando romanticismi e abbellimenti, mostrando la realtà in modo diretto. Emergono elementi gotici moderni come ambientazioni cupe ed episodi paranormali, anticipando tematiche care a Edgar Allan Poe. Anche il finale conserva un forte senso di inquietudine e mistero.

La storia ruota attorno a Catherine e Heathcliff, che si nutrono delle vite altrui per poi distruggerle, mossi da vendetta ed egoismo. La lettura suscita forti emozioni, contrastanti, che si sedimentano col tempo, portando la lettura verso una riflessione più profonda. Giudicare superficialmente un’opera non permette di comprenderla davvero; occorre immedesimarsi nei personaggi e nelle loro storie . In Heathcliff e Catherine si ritrova il fuoco passionale di Emily, soffocato dalla morale rigorosa dell’epoca e dall’ambiente familiare severo.

Il romanzo non offre un vero lieto fine, ma lascia spazio a una flebile speranza di redenzione, difficile da riconoscere subito. La condanna che colpisce Heathcliff e Catherine nasce dall’incapacità di seguire i propri sentimenti e dalla passione distruttiva che li lega. La morale e le convenzioni sociali diventano il motore della tragedia che travolge tutti. Emily Brontë sceglie una narrazione estrema, senza compromessi. La follia amorosa, soffocata dalla società, porta inevitabilmente alla rovina.

Emily Brontë, ha scritto molto ma il solo romanzo Cime tempestose, pubblicato nel 1848, è sopravvissuto ed anche molte poesie sono andate perdute. Dopo aver letto il libro, non è facile gestire le emozioni suscitate dalla sua prosa intensa, fatta di rabbia e dolore. Emily non ha celebrato l’amore convenzionale, ma ha raccontato passioni distruttive e vendetta. La sua opera è un grido di ribellione contro i dettami sociali imposti alle donne, una vittoria personale segnata però dalla sua precoce scomparsa.

Il protagonista del romanzo è Heathcliff , un uomo segnato da un'infanzia difficile, adottato e poi maltrattato dal fratello Hindley Earnshaw, che lo riduce al ruolo di servo. La sua vita si articola in quattro fasi: infanzia tormentata, giovinezza segnata dalla fuga dopo il rifiuto di Catherine, maturità caratterizzata dalla vendetta contro chi lo ha umiliato e la conclusione, in cui si consuma nell'odio e nella perdita, fino alla morte accanto al fantasma dell'amata Cathy.

Heathcliff incarna una personalità eccezionale e tenebrosa, dominata da passione, odio e vendetta assoluti , che lo rendono immune a qualsiasi riscatto o redenzione. La sua attrattiva sulle donne viene spiegata dal fascino del "bel tenebroso" e dalla sua sofferenza profonda, che suscita empatia e il desiderio di salvarlo. Anche la figura di Catherine, ambigua e moderna, contribuisce ad alimentare la sua ossessione, mentre la devozione della moglie Isabella e la relazione con Hareton e Linton mettono in luce ulteriori sfaccettature della sua ferocia e complessità.

Il romanzo, attraverso atmosfere gotiche e una narrazione innovativa , offre un ritratto di Heathcliff come un uomo che vive l'amore in modo divorante e autodistruttivo, affascinando generazioni di lettrici con la sua incapacità di trovare pace o possibilità di riscatto. Alla fine, Heathcliff rimane un "psicopatico di carta", che attira l'immaginazione e il desiderio di salvezza, ma da cui ci si può difendere in un solo modo, semplicemente chiudendo il libro.

Sappiamo tutto del libro, ma quanto sappiamo della giovane donna che lo ha scritto nell’Ottocento? Il Segnalibro dell’Orso segnala il film Emily, che approfondisce la biografia dell'autrice di Cime tempestose , facendoci entrare nella vita ribelle che ha ispirato una delle storie d’amore più travagliate di sempre. L’opera prima dietro la macchina da presa di Frances O’ Connor è un racconto in parte romanzato di quella breve parentesi vitale – durata poco più di un trentennio – irrequieta e sediziosa della scrittrice inglese Emily Brontë.

La regista Emerald Fennell ha realizzato un adattamento molto personale del celebre romanzo di Emily Brontë, privilegiando uno stile pop, glamour e barocco, con forti tinte estetiche e una narrazione enfatizzata dalla fisicità e dalla passione tra i protagonisti, interpretati da Margot Robbie e Jacob Elordi. La regista elimina elementi chiave come il contesto sociale ottocentesco e la dimensione gotica, sostituendoli con una messa in scena volutamente kitsch e moderna, resa ancora più evidente da una colonna sonora pop e costumi anacronistici.

Questa versione, che farà inorridire i puristi, sacrifica la complessità morale e i temi originali del romanzo, riducendo la storia a un rapporto ossessivo tra Catherine e Heathcliff, e trascurando sia il dramma delle differenze di classe sia le pressioni sociali che animavano la vicenda di Brontë. Ne risulta uno spettacolo patinato e superficiale, più vicino a un fotoromanzo che a una vera rilettura della tragedia romantica, dove la commozione e la profondità lasciano spazio a un intrattenimento visivo volutamente esasperato e artificiale.

L'attuale versione cinematografica ha eliminato molte trame secondarie e diversi personaggi minori, concentrandosi esclusivamente sulla relazione ossessiva e passionale tra Catherine e Heathcliff, magistralmente interpretati da Margot Robbie e Jacob Elordi. Lo sfondo storico e la complessità morale del testo originale vengono sacrificati in favore di un’estetica barocca e volutamente anacronistica , con costumi stravaganti e scenografie allucinate, che trasformano la brughiera nello scenario di un sogno dai colori sgargianti.

La narrazione filmica si allontana dai temi principali del romanzo, come la vendetta e la questione sociale, per lasciare spazio a una storia d’amore esasperata e artificiale , in cui la chimica tra i due protagonisti si impone sulla fedeltà letteraria. Le scelte di casting, la colonna sonora moderna e le numerose licenze creative non fanno certo del film una rilettura filologica della tragedia romantica; ma forse è proprio questo il suo pregio maggiore se ci si lascia conquistare dal suo stile eccessivo e dalla visione personale della regista Emerald Fennell, che lo ha detto e ripetuto: "il mio Cime Tempestose non è un adattamento cinematografico del romanzo di Emily Brontë, ma una storia d'amore dark, che mi sono immaginata leggendo il libro". Insomma: è la sua fan fiction. Sospiri, struggimenti e slanci di passione inclusi.

Si possono anche trovare spunti originali e attraenti nel film di Emerald Fennell. Un elemento centrale che coinvolge sin da subito è la colonna sonora , in particolare la canzone "House" di Charli XCX, capace di creare un'atmosfera intensa e ossessiva già dalla prima inquadratura. Inoltre, i dettagli estetici del film , soprattutto i costumi iconici di Margot Robbie e l'oggettistica surreale quasi sempre presente, sono caratterizzanti delle varie ambientazioni. La regista, consapevole dell'impossibilità di un adattamento fedele, semplifica la trama del libro concentrandosi sulla relazione tossica e passionale tra Catherine e Heathcliff, esagerando volutamente sul piano visivo e sensoriale . I dialoghi mantengono la forza dell'originale, pur adattandosi a uno stile meno ricercato e più contemporaneo. Il film alterna scene leggere a momenti più cupi, con particolare attenzione ai personaggi secondari come Isabella e Nelly, che acquistano una nuova profondità e spazio narrativo. Alcune scelte di casting e di sceneggiatura risultano controverse, ma la recitazione di Margot Robbie e Jacob Elordi riesce a superare i dubbi iniziali, regalando momenti di grande intensità emotiva .

Gli scrittori si raccontano al Caffè GIUBBE ROSSE di Firenze

Wed, 11 Feb 2026 11:58:31 GMT

Al Caffè Giubbe Rosse di Firenze si rinnova

la tradizione letteraria degli incontri con gli scrittori.

Il pomeriggio del 10 febbraio 2026 ha visto il Caffè delle Giubbe Rosse animarsi con un evento organizzato da Jacopo Chiostri che ha invitato alcuni scrittori a parlare di sé e a leggere alcuni brevi brani delle loro opere.

Ci scusiamo se in questa sede non possiamo occuparci di tutti gli scrittori che hanno partecipato all’evento del caffè letterario Giubbe Rosse . Mi sono dedicato soltanto a quelli che hanno avuto spazio nel mio blog Il segnalibro dell’Orso , in particolare Nicoletta Manetti, Massimiliano Scudeletti e Mario Pini. Per gli altri non c’è che da aspettare una prossima occasione, durante una presentazione a cui I l Segnalibro dell’Orso non fara mancare la propria partecipazione.

Di Nicoletta Manetti Il segnalibro dell’Orso si è occupato più volte, in particolare (si può andare al link del blog con la presentazione del libro): GRIFONI D’EUROPA – Una saga Familiare, il ritratto corale di un’epoca – edito da Angelo Pontecorboli , scritto a quattro mani con Alessandra Oddi Baglioni.

MAMMA ADA , la biografia di Ada Cullino Marcori : un libro ricchissimo di aneddoti, ricordi e insegnamenti, che racconta una storia che non è solo ricchezza di una famiglia, ma si è trasformata in patrimonio collettivo.

IO, BEATRICE CENCI – la biografia della sfortunata ragazza romana vissuta nel Cinquecento che affronta tematiche purtroppo ancora universali, come la giustizia, la violenza domestica, la ribellione contro l’oppressione e il ruolo delle donne in una società patriarcale.

Altre scritture appassionanti sono quelle dedicate, sempre edite da Angelo Pontecorboli , agli scrittori che hanno soggiornato a Firenze e che nell’occasione hanno avuto gli spunti necessari per scrivere alcune delle loro opere più riuscite.

Una è la storia raccontata in D.H. LAWRENCE E FRIEDA A FIRENZE e l’altra è quella che vede protagonisti ANJA E DOSTOEVSKIJ A FIRENZE , biografie romanzate ma ricche di documentazione storica che ne fanno opere di piacevole lettura e di notevole approfondimento letterario.

Con i suoi due romanzi, Massimiliano Scudeletti ci conduce in un viaggio di introspezione e malinconia tra le acque misteriose e affascinanti di una Venezia fuori dagli stereotipi. L’autore intreccia sapientemente il vissuto dei protagonisti con il paesaggio lagunare, trasformando la città in uno specchio delle inquietudini interiori e dei sogni infranti dei personaggi. Il romanzo si distingue per uno stile elegante e misurato, capace di restituire atmosfere ovattate e riflessioni profonde sul tema del disincanto, senza mai cadere nella retorica.

Lo scrittore vede la laguna di Venezia come simbolo di un’umanità sospesa tra desiderio e realtà, tra illusioni perdute e la ricerca di un nuovo senso. Le descrizioni evocative e il ritmo narrativo lento invitano il lettore a soffermarsi su dettagli spesso trascurati, immergendolo in un mondo dove il tempo sembra dilatarsi e ogni emozione si fa più intensa. Sia La Laguna dei sogni sbagliati che il successivo La laguna del disincanto sono romanzi che lasciano il segno, capaci di parlare al cuore e alla mente con la delicatezza di chi conosce bene il valore silenzioso della nostalgia.

La persistenza del drago di Mario Pini è un romanzo che si distingue per la sua capacità di intrecciare storia, mito e introspezione personale. L’autore racconta, con uno stile limpido e vivace, la metafora del drago come simbolo delle paure, dei desideri e delle lotte interiori che persistono nell’animo umano. Attraverso le vicende del protagonista, lo scrittore esplora il confine sottile tra realtà e leggenda, invitando il lettore a riflettere sul senso della resistenza e della trasformazione.

Il libro si caratterizza per una narrazione coinvolgente , ricca di immagini suggestive e riferimenti culturali che risuonano con leggerezza, rendendo la lettura un viaggio affascinante e spesso evocativo. La prosa di Mario Pini è puntuale e mai scontata, capace di affrontare temi universali con delicatezza e profondità.

Le foto sono relative all’evento di martedì 10 febbraio 2026

 al Caffè Giubbe Rosse in piazza della Repubblica a Firenze

La galleria delle celebrità del Novecento di NICKOLAS MURAY

Thu, 05 Feb 2026 16:59:18 GMT

Uno dei fotografi più importanti del Novecento, quello che meglio ha saputo narrare il glamour del sogno americano

Nickolas Muray – Celebrity Portraits , allestita a Palazzo Ducale di Genova dal 16 ottobre 2014 al 6 febbraio 2015, è stata la prima monografica dedicata in Italia al fotografo statunitense di origini ungheresi, famoso per aver fotografato celebrità hollywoodiane, come Marilin Monroe, Greta Garbo, Liz Taylor, Marlene Dietrich, Vivien Leigh, Gloria Swanson. Ma anche dive del cinema muto come Norma Shaerer, Florence Reed, o grandi danzatrici dei primi anni del Novecento come Anna Duncan, Marta Graham, Doris Humphrey, molti famosi attori, registi, campioni dello sport.

Come dice Solomon Grimberg , curatore della mostra di Genova e di questo bel catalogo della Skira : “ Per tutta la vita Muray fu un tipo ribelle e testardo che ebbe sempre ben chiaro in mente come voleva che fosse la sua vita e che lavorò instancabilmente per realizzare quella visione. E non ci fu ostacolo che non riuscì a superare. Affascinato dalle arti visive, a poco a poco affinò il suo obiettivo sviluppando una competenza ai massimi livelli. Le esperienze che lo plasmarono durante l'infanzia, non tutte positive, si ritrovano nelle sue opere più significative. Egli seppe infatti metterle a frutto non solo per produrre opere d'arte che, nell'allora nascente società dei consumi, ebbero la seduzione del canto di una sirena, per quanto ingenuo, ma anche per affrontare i suoi demoni personali" .

Fortunatamente per me la fotografia non è stata soltanto una professione, ma anche un contatto fra le persone, uno strumento per capire la natura umana e fissare, se possibile, il meglio di ciascun individuo (Nicklos Muray).

I l suo primo incarico fu per la prestigiosa rivista americana “Harper’s Bazaar” e dopo qualche anno passò al gruppo Condé Nast e fu uno dei più celebri ritrattisti della rivista "Vanity Fair". Si è impegnato per molto tempo nella fotografia pubblicitaria , realizzando campagne che colpirono l’immaginario di tutto il mondo (significative le campagne per le sigarette, in particolare Lucky Strike e Chesterfield con attrici del calibro di Marlene Dietrich).

Come fotografo fu sempre scrupoloso, attento alle novità tecnologiche, pronto a qualsiasi sperimentazione. Aveva un rapporto maniacale con la tecnica fotografica , orientato costantemente alla perfezione. Curava fino alla pignoleria pedante la realizzazione della scenografia o il rapporto con il soggetto umano, che doveva essere sempre messo a proprio agio (spesso fotografava senza farsene accorgere da chi ritraesse, usando una pompetta che teneva dietro la schiena per azionare lo scatto della macchina fotografia).

“ Il mio cosiddetto metodo – dice lo stesso Muray - p er riprendere i singoli fotogrammi della danza o una singola posa cominciava mentre eseguivo l'intera procedura seguendo il grammofono. Selezionavo alcune pose che ritenevo rappresentative dell'atmosfera, della linea e della bellezza di ogni numero. In questo modo avevamo i momenti alti, era come montare una bobina di un film selezionando le inquadrature giuste. In tutti i danzatori riscontravo una caratteristica comune che era l'autocritica. Quelli bravi non erano soddisfatti di una buona esecuzione, ma solo del massimo o del meglio che potevano dare. Oltre all'autocritica avevano un'altra cosa in comune, la vitalità ”.

“ La macchina fotografica può diventare un mezzo di espressione artistica non inferiore al pennello del pittore, ma solo quando la mettiamo al nostro servizio – continua Muray. - In altre parole, se vogliamo ottenere un prodotto unico, dobbiamo far sì che la macchina fotografica e tutti i suoi processi siano soggetti al nostro controllo e ai nostri personali desideri, altrimenti non è nient'altro che uno strumento meccanico per produrre immagini convenzionali e non artistiche ”.

Un episodio particolarmente significativo nella carriera di Nickolas Muray fu l'incontro con Claude Monet. Muray fotografò il celebre pittore francese nel 1926 a Giverny, il piccolo villaggio in Normandia dove Monet visse e lavorò per molti anni. Approfittando della luce naturale e dell'atmosfera unica del giardino, Muray immortalò Monet nel suo ambiente più intimo, circondato dai suoi celebri fiori e dai ponti che spesso comparivano nei suoi quadri. Questo servizio fotografico, realizzato con grande discrezione e rispetto per il maestro impressionista, rappresenta una delle testimonianze visive più preziose pochi mesi prima della morte di Monet.

Non ci sono fonti storiche che attestino una relazione sentimentale tra Nickolas Muray e Marilyn Monroe. La connessione tra i due si limita al rapporto professionale, ma da alcuni documenti personali conservati si capisce che ebbero anche un rapporto di natura personale. L'amicizia particolare fra Nick e Marilyn fu scoperta solo dopo la morte di Muray, quando la moglie Peggy trovò nel suo portafogli una fotografia della Monroe nuda con la seguente dedica: “a Nick, è stato un vero piacere ‘lavorare’ con te, spero di rifarlo presto, Marilyn”.

Oltre alle sue celebri collaborazioni con le stelle di Hollywood, una delle storie personali più intriganti della vita di Nickolas Muray fu la sua relazione con Frida Kahlo , la famosa pittrice messicana. I due si conobbero nel 1931 a New York, quando Frida accompagnò il marito Diego Rivera in occasione di una mostra. Iniziò così una relazione intensa, fatta di passioni, lettere e incontri tra New York, Parigi e Città del Messico, che proseguì, tra alti e bassi, per circa un decennio nonostante i rispettivi legami sentimentali.

Nick non fu soltanto un amante, ma anche amico e confidente per Frida. Attraverso il suo obiettivo, immortalò la pittrice in alcuni dei ritratti fotografici più iconici che conosciamo, contribuendo in modo significativo a plasmare l’immagine pubblica di Frida Kahlo. Le fotografie realizzate da Muray mettono in risalto la forza e la vulnerabilità di Frida, la sua profonda identità messicana e la sua unicità artistica.

GRIFONI D'EURORA un appassionante intreccio tra letteratura e storia

Tue, 03 Feb 2026 11:51:52 GMT

Scrittura, memoria e identità si intrecciano

nel romanzo storico Grifoni d’Europa

Il libro scritto a due mani da Alessandra Oddi Baglioni e da Nicoletta Manetti attraversa oltre settant’anni di storia europea, un arco temporale segnato da profondi mutamenti politici, sociali e culturali, che il romanzo storico restituisce attraverso le vicende intrecciate di tre famiglie appartenenti a mondi diversi, tra l’Italia centrale e la Germania, tra aristocrazia, borghesia industriale e comunità ebraica.

Una saga familiare che prende le mosse dal 1865, in una Firenze capitale intenta nei processi di modernizzazione dell’Italia unita, per terminare ad Amburgo nel 1937 nel pieno delle leggi razziali.
Tre famiglie intrecciano destini e potere: una dell’alto Tevere, legata alle radici aristocratiche e alla politica locale; una di antica nobiltà perugina; la terza, la famiglia ebrea di Herr Lachmann, industriale minerario, nell’Amburgo di Bismarck dove la borghesia mercantile è la protagonista dell’economia. Il romantico incontro a Venezia tra la giovane Mallì Lachmann e Agostino Oddi Baglioni sarà il primo legame tra queste famiglie.

La scrittura di Alessandra Oddi Baglioni e di Nicoletta Manetti si colloca in una tradizione di romanzo storico attento ai dettagli , ma capace di parlare al presente. Le grandi vicende del Novecento europeo, dalle leggi segregazioniste all’ascesa del nazismo, entrano nella vita privata dei personaggi, mostrando come la storia collettiva si inscriva nelle biografie individuali e nei legami familiari.

La scrittura, elegante e curata , riesce a coinvolgere sia lo studioso che il lettore curioso, offrendo spunti di riflessione sull’identità culturale europea e sul valore dei simboli nella costruzione dell’immaginario collettivo.

Il libro edito da Angelo Pontecorboli diventa occasione per riflettere sul valore della memoria e sul ruolo della narrazione storica. Un percorso che attraversa luoghi ed epoche assegnando alla scrittura il compito di interrogare il passato per comprendere il presente.

Un punto di forza del volume è la ricchezza iconografica , che accompagna il testo e ne amplifica il fascino, rendendo la lettura un’esperienza immersiva. Grifoni d’Europa rappresenta dunque un prezioso contributo per chi ama la storia, l’arte e le narrazioni che sanno unire rigore accademico e passione divulgativa.

Le foto sono relative alla presentazione del libro avvenuta il 20 novembre 2025 nel Salone di lettura della Biblioteca Marucelliana di Firenze

la POZIONE della poetessa ELEONORA FALCHI e del pittore ENRICO GUERRINI

Mon, 02 Feb 2026 17:33:13 GMT

Un'opera che affascina per la sua capacità di mescolare

poesia e immagine, proprio come una pozione magica

"POZIONE" di Eleonora Falchi e Enrico Guerrini è un'opera che affascina per la sua capacità di mescolare poesia e immagine , proprio come una pozione magica capace di trasportare il lettore in un mondo magico ricco di suggestiva immaginazione.

La coraggiosa scelta editoriale della Casa editrice A.L.A. di Livorno ha premiato lo sforzo dei due autori con un prodotto editoriale di primissima qualità.

Le poesie di Eleonora Falchi corredate dalle immagini dei disegni e dei quadri di Enrico Guerrini danno al libro uno stile narrativo fresco e coinvolgente, che rendono la lettura un’esperienza immersiva del tutto particolare.

Eleonora Falchi , scrittrice e poetessa, grande viaggiatrice e forte lettrice, ama confrontarsi con le altre culture del mondo ed è molto impegnata non solo nella produzione di poesia e prosa, ma anche nella vita artistica: è infatti membro del gruppo scrittori Firenze, del gruppo Affluenti - Nuova poesia fiorentina - ha fondato con altri poeti il Gruppo Poeti Peripatetici e fa parte della Comunità Internazionale di Internations, dove ha creato e gestisce un gruppo di Book Lovers.

Enrico Guerrini nasce e vive a Firenze. Dopo un primo periodo in cui si dedica al fumetto e all'illustrazione, sviluppa un forte interesse per la musica e il teatro che lo porta a diplomarsi in scenografia all'accademia di Belle Arti e a frequentare i corsi della scuola internazionale di Comics. La sua prima esposizione è del 1997 a Firenze e da allora le sue opere sono state esposte in gallerie e personali in tutta Italia.

Pozione – Ingredienti per pennellate poetiche , con una prefazione di Mario Bencivenni e una postfazione di Anna Pagani, contiene cinquantasei poesie e altrettanti disegni suddivisi, dopo un prologo, in sei sezioni: Acqua, Ortofrutta, Carne, Carboidrati, Integratori, Zuccheri per concludersi con un lavoro finale congiunto. I due autori hanno insieme utilizzato parole e immagini per formare un unicum , una specie di ricettario di ingredienti che la poetessa Eleonora Falchi e il pittore Enrico Carrini suggeriscono per creare una “ pozione di pennellate poetiche ”.

Il titolo – come ci avverte Anna Pagani nella postfazione al volume – “ rivendica il valore espressivo, penetrante, soprannaturale della parola. magico ingrediente per sconfinare dal reale magma all'invisibile rigore dell'armonia".

"Eleonora Falchi esplora l'universo immenso della creazione poetica, traendo ispirazione dall' osservazione delle peculiari diversità umane , una pozione magica i cui ingredienti, miscelati accuratamente, daranno forma, volume, spessore alle inutilità, alle contraddizioni, alle domande e riflessioni, all'incedere delicato della vita come al brutale incenerimento dei sentimenti, al silenzio che avvolge il mistero".

"È della poetessa Eleonora una fragorosa esclamazione , una formula magica rafforzata dai dipinti del maestro Guerrini che dirige un coro di voci destrutturate che, come pennellate sincere, si posano sulla tela dell'anima nostra traviando la trasparenza evanescenza in concreto legame con le particelle dell'intelletto non più sottoposto al mangime al silicio" ( Anna Pagani )

C i piace concludere ancora con le parole di Anna Pagani: "Sorge nei versi imperativi, dalle assenze metafisiche, la ribellione di Eleonora Falchi, il linguaggio prende forza da una sorgente intima, inesauribile il cui effetto plana in un sistema dove è libertà immaginarsi rinnovati e cauti, ristabiliti, sorpresi, coraggiosi e invincibili, nell'antro oscuro del destino, o nell'alba di un deserto, o ancora tra le pagine di una sostanza che Poesia domina come Pozione - Balsamo, sorriso sulle ferite".

La mostra di TOULOUSE-LAUTREC è un viaggio nella Parigi della Belle Époque

Sat, 31 Jan 2026 15:38:08 GMT

Con questa mostra Firenze celebra non solo un artista straordinario,

ma un’epoca irripetibile che continua a influenzare

il nostro immaginario estetico.

Fino al 22 febbraio 2026, il Museo degli Innocenti di Firenze ospita la mostra “Toulouse-Lautrec. Un viaggio nella Parigi della Belle Époque”, un’esposizione straordinaria dedicata a u no degli artisti più iconici della fine dell’Ottocento.

Per i visitatori c’è la possibilità di un’immersione completa nel parigino mondo bohémien di Montmartre, tra café-concert, cabaret e locali notturni che hanno fatto la storia dell’arte e della cultura visiva.

Si potranno ammirare litografie a colori come Jane Avril (1893), manifesti pubblicitari iconici come Troupe de Mademoiselle Églantine (1896) e Aristide Bruant nel suo cabaret (1893), tra i pezzi più celebri provenienti dalla Collezione Wolfgang Krohn di Amburgo.

Non mancano anche numerosi disegni a matita e a penna, grafiche promozionali e illustrazioni per giornali come La Revue blanche (1895). Alcune opere provengono direttamente dal Museo Toulouse-Lautrec di Albi.

La mostra, oltre a offrire un’occasione unica per osservare da vicino il genio creativo dell’artista francese, presenta anche altri grandi protagonisti della Belle Époque e dell’Art Nouveau, per raccontare un’epoca di eleganza e innovazione.

Tra le illustri presenze , artisti che hanno contribuito a trasformare la grafica in forma d’arte, come Alphonse Mucha, con le sue figure femminili seducenti, Jules Chéret, pioniere della pubblicità moderna, e Georges de Feure, con le sue atmosfere suggestive. Completano il percorso artisti come Frédéric-Auguste Cazals e Paul Berthon.

Quando la mia matita si muove bisogna lasciarla andare, niente di più.

Henri de Toulouse-Lautrec

Henri de Toulouse-Lautrec ha trasformato la vita notturna parigina in autentica materia artistica : frequentatore del Moulin Rouge e di altri locali leggendari, ha immortalato ballerine, chansonnier, prostitute e spettatori con uno sguardo ironico, sensibile e innovativo.

I suoi manifesti litografici hanno rivoluzionato la grafica pubblicitaria , diventando icone visive della Belle Époque e simboli di un’epoca in cui arte e intrattenimento si mescolavano senza barriere.

Solo la figura esiste, il paesaggio non è, né deve essere che un accessorio: il pittore paesaggista non è che un bruto. Il paesaggio deve servire a far comprendere meglio il carattere della figura.

Henri de Toulouse-Lautrec

La mostra offre un allestimento immersivo con fotografie, video e arredi d’epoca, che trasportano il visitatore direttamente nella Parigi tra il 1880 e il 1900. È un viaggio multisensoriale che racconta un’epoca di progresso tecnologico, libertà espressiva e creatività senza confini.

L’appuntamento del Museo degli Innocenti di Firenze non è solo un omaggio a Toulouse-Lautrec, ma uno spaccato sulla Belle Époque : Parigi come capitale del piacere e dell’avanguardia, dove architettura, pittura, arredamento e musica dialogano con riferimenti alla natura e a una nuova visione della figura femminile.

Il Modern Style – Art Nouveau in Francia, Liberty in Italia – emerge come arte totale , rottura dell’eclettismo e risposta moderna alla società industrializzata.

Attraverso manifesti pubblicitari realizzati con un’innovativa tecnica litografica , l’artista non solo rivoluzionò il linguaggio della grafica promozionale, ma diede vita a immagini destinate a diventare vere e proprie icone visive della Belle Époque.

Architettura, pittura, arti decorative, scultura e musica furono attraversate da un rinnovato interesse per la natura, il mondo vegetale e da una nuova rappresentazione della figura femminile.

Questa mostra offre un'opportunità per indagare quest'epoca in tutta la sua complessità: un periodo segnato da contrasti, aspirazioni e profonde trasformazioni culturali. In un’Europa caratterizzata da una fase di relativa stabilità e progresso, Parigi si affermò come capitale del piacere e dell’avanguardia, divenendo il fulcro di una straordinaria fioritura artistica.

Scopriamo “Over the Horizon” il fotolibro di LUCA BRACALI

Fri, 30 Jan 2026 10:26:10 GMT

Il ventunesimo libro del fotografo Luca Bracali ci fa vedere

le meraviglie del pianeta terra da un insolito punto di vista

Il sogno di Icaro era la libertà assoluta e il desiderio di volare sempre più in alto, superando i limiti umani. Luca Bracali con i suoi amatissimi droni ha realizzato questo sogno : vedere le meraviglie del creato dall’alto potendo superare l’orizzonte. Una sfida che si è concretizzata con la pubblicazione, a cura dell’Istituto Geografico Militare di Firenze, del suo ventunesimo libro “ Over the horizon – Il mondo visto dal drone ”.

Così Luca Bracali ci fa volare sopra a tutti i cinque continenti, partendo dalle spettacolari dune di sabbia bianca del Parco Nazionale dei Lençóis Maranhenses in Brasile (immagine di copertina) attraverso 34 paesi, per concludere il fotoviaggio del libro con le incredibili risaie a terrazza di Mu Cang Chai in Vietnam, la cui bellezza si può ammirare soltanto dall’alto.

" Un lavoro di nove anni, perché neanche un angolo di mondo doveva mancare, dice sorridendo Bracali durante la presentazione del suo libro alla libreria Salvemini di Firenze . “Sono partito da una prima selezione di cinquecento foto dal mio archivio fotografico e poi da queste ne ho scelte centocinquantatré, tutte immagini che ho scattato dall’alto con il drone, uno strumento che per me è stato essenziale per immortalare orizzonti inesplorati ".

"Per me poter scattare foto e girare video con il drone è stato un sogno che si è realizzato : dopo aver sorvolato tantissimi paesi in elicottero o con il deltaplano per scovare e immortalare gli angoli più particolari e affascinanti del nostro pianeta con la fotocamera, quello è stato uno strumento che, a partire dal 2016, mi ha permesso di arrivare ad avere prospettive che non sarebbe stato possibile ottenere altrimenti" .

Questo non è soltanto un libro di semplice documentazione del pianeta Terra, è anche come dice nella prefazione il Comandante dell’Istituto Geografico Militare Gen. Luigi Postiglione: “ uno straordinario invito a riscoprire la bellezza del mondo , a contemplare la fragilità e la ricchezza dei nostri ambienti naturali e urbani. Dall'alto montagne, fiumi, città e deserti si rilevano come opere d'arte, trame complesse disegnate dalla natura, messe a confronto con importanti monumenti frutto dell'ingegno umano” .

Riprendere il mondo dall’alto è sempre stato il sogno di Luca Bracali sin da quando ha cominciato a fotografare : “Ricordo che nel 1992, in Groenlandia, al mio secondo viaggio alla scoperta dell'Europa salii su un elicottero e da lì scattai le mie prime immagini aeree al villaggio di Kulusuk intuendo subito che quella sarebbe divenuta, un giorno o l'altro, la mia vera dimensione espressiva ”.

I numeri di Luca Bracali sono impressionanti: ha viaggiato in più di 160 paesi, è autore di 21 libri, è vincitore di 15 concorsi fotografici internazionali, nel 2009 è stato l’unico giornalista a raggiungere il Polo Nord geografico sugli sci. Le sue fotografie sono state esposte in personali in tutto il mondo, ha firmato più di duecento servizi per la RAI, ha firmato 18 reportage per il National Geographic, le sue foto vengono pubblicate sui giornali e le riviste di tutto il mondo. Dal 2017 è ambasciatore a vita dell’associazione no-profit “Save the Planet”. Il Minor Planet Center di Cambridge ha intitolato a suo nome il 198.616esimo asteroide scoperto.

Ironia Ribelle di CLEMEN PARROCCHETTI a Palazzo Medici Riccardi

Thu, 29 Jan 2026 14:51:25 GMT

Creiamo con la lotta le condizioni per una creatività

che non sia più a misura della nostra produttività (Clemen Parrocchetti)

La mostra Ironia ribelle presenta oltre cento opere tra dipinti, disegni, sculture, arazzi e documenti, che aiutano a ripercorre la vita di Clemen Parrocchetti, sottolineando la natura radicale e anticonformista della sua produzione.

Nata a Milano in una famiglia dell’aristocrazia lombarda, Parrocchetti si diploma a Brera negli anni ’50, esordendo con una pittura verista caratterizzata da toni cupi ed esistenziali, che poi vira verso colori vividi e sgargianti, ma sempre con tonalità drammatiche.

Il Sessantotto rappresenta per lei una vera e propria svolta. Fortemente coinvolta dal clima politico e dalle istanze contestatarie, matura nelle sue opere un espressionismo nuovo, eccentrico, satirico e coloratissimo, teso a provocare e costruire una nuova iconografia della donna.

“Dobbiamo riscoprire una femminilità che giovi a noi stesse… non vogliamo più essere muse di ciò che è immobile, vogliamo rivoluzionare la storia.” (Clemen Parrocchetti, 1978)

Negli anni, Clemen Parrocchetti svilupperà un linguaggio ironico e ribelle che diverrà sempre più impegnato politicamente, indagando la complessità della sfera femminile, delle relazioni e della sessualità.

La contestazione fa parte della mia storia, è nata da un’educazione familiare troppo rigida alla quale mi sono ribellata ma che in parte ho subito.

Operando ai margini del sistema culturale ufficiale dominato da logiche maschili, Parrocchetti testimonia l'impegno di tante artiste della sua generazione nello sfidare convenzioni e modelli prestabiliti . L'esposizione restituisce l'importanza e l'attualità di queste ricerche, a lungo trascurate, nonché l’urgenza di ripensare in profondità il ruolo delle donne nell’arte e nella società.

Dopo la pittura degli esordi, Parrocchetti inizia a concepire l’arte come un’arma di attacco frontale al perbenismo borghese e alla cultura patriarcale che riduce la donna a merce. Sulle tele compare un immaginario perturbante, caleidoscopico e carnevalesco, in cui mascheroni grotteschi e corpi scomposti si divorano contornati, per contrapposizione, da un’atmosfera giocosa fatta di bocche, merletti, fiocchi, vagine, dolci e fiori. Un universo visivo irriverente si para davanti ai nostri occhi lasciando emergere desideri e istinti nascosti.

All’inizio degli anni ’70, Clemen Parrocchetti continua a dipingere ma, in un certo senso, alleggerisce i toni del suo espressionismo. Il suo linguaggio è più diretto e il vocabolario segnico è meno caotico e più definito.

A questo corpus di lavori appartengono anche sculture leggere, fatte di fili, cavi e materiali poveri che richiamano le costruzioni cinetiche di Alexander Calder, ma non sono sospese e leggere, non misurano l’aria e il tempo come quelle dell’artista statunitense, le opere di Clemen Parrocchetti sono concepite come anti-trofei della femminilità tradizionale .

Li chiamo oggetti di cultura femminile, sono costruiti con materiali poveri e soffici, uniti a fili spesso lasciati sollevati per esprimere il fermento, la ribellione, qualcosa che vuole uscire ed espandere, pur essendo ancora prigioniero.

A metà degli anni ’70 Parrocchetti abbandona il mezzo pittorico in favore di un linguaggio "espresso in cose" e inizia a realizzare opere tridimensionali che denunciano la repressione di una cultura cattolico-borghese e il ruolo subordinato della donna. In quegli anni si avvicina al Movimento di Liberazione della Donna e prende posizione in favore delle istanze su aborto, divorzio, salario domestico, libertà sessuale e violenza domestica.

Nascono i primi assemblaggi polimaterici creati con oggetti legati “tradizionalmente” al lavoro femminile “di cura e maternità” e all’idea di donna “devota e paziente”. Per la prima volta, a distanza di oltre cinquant’anni, la mostra di Palazzo Medici-Riccardi le raccoglie di nuovo tutte insieme.

“Sono convinta che non sia possibile una completa rivoluzione sociale se prima le donne non abbiano raggiunto una vera coscienza del proprio ruolo.”

Sul finire degli anni Settanta, le opere di Parrocchetti iniziano a occupare lo spazio in modo nuovo e fanno uso di materiali diversi, come gli arazzi e la juta. Il fulcro delle sue composizioni allusive rimane l’ anatomia del corpo femminile : da un lato mira a criticare lo sguardo oggettivante sulla donna, dall’altro a rappresentarla nel pieno delle sue potenzialità creative ed erotiche.

Nel corso degli anni, Parrocchetti continua a realizzare arazzi, spesso concepiti come grandi pagine di un diario, in cui confluiscono riflessioni di natura profondamente autobiografica. La sua pratica artistica rimane strettamente legata alle istanze del femminismo, inteso come spazio di autodeterminazione e autocoscienza, in cui indagare traumi personali o collettivi, e trovare una forma di esorcizzazione.

Non voglio più essere sfogliata, non voglio più che mi si strappino le ali. Le rivoglio tutte, vibranti di luci e suoni per volare

L’artista dello spirito CARLO SCHLATTER in mostra a Palazzo Medici Riccardi

Wed, 28 Jan 2026 16:07:36 GMT

Pur avendo partecipato alcune esposizioni, l’artista stentava a privarsi delle proprie opere, gelosamente conservate come unitario lascito testamentario spirituale.

La mostra, dedicata all'opera di Carlo Adolfo Schlatter e al suo mondo interiore, propone un viaggio attraverso pittura e grafica , dal genere paesaggistico a quello simbolista, fino alla ricostruzione parziale dell'apparato studio dell'artista che attualmente si trova nella casa in Viale dei Mille a Firenze.

Fu fortemente orientato alle pratiche teosofiche propugnate dalla società teosofica che nacque a New York nel 1875 grazie ad Elena Blavatskij, e alla quale aderirono personaggi carismatici come Jiddu Krishnamurti, e celebri artisti come Mondrian, Kandinsky e i futuristi.

Carlo Schlatter si riconosceva iniziato alla missione di diffondere attraverso l'arte la totalità dell'essere e di ritrovarvi la via di espressione e manifestazione della cosmologia teosofica . Tali pensieri sono espressi dalle opere selezionate per questa importante occasione espositiva e dai molti libri presenti.

Il percorso si apre con l'autoritratto e il ritratto della moglie Emma Moni, musa e presenza fondamentale anche dopo la prematura scomparsa. La loro unione profonda rappresenta la radice emotiva e spirituale dell'opera di Schlatter. Nella teosofia l'artista elabora il dolore in conoscenza, luce e rinascita artistica.

Il tema del paesaggio è stato uno dei territori creativi più amati da Carlo Schlatter fin dalla gioventù. La sua prima produzione affonda le radici nell'eredità romantica e macchiaiola, ma ben presto se ne distacca per approdare a una dimensione interiore dove il naturalismo lascia spazio alla visione spirituale.

L'artista propone con stile misurato e pacato il tema dell'educazione al lavoro, già caro ai macchiaioli e in particolare a Silvestro Lega. La natura e il luogo sono specchio dell'anima ; ogni luce, ogni atmosfera, ogni vibrazione cromatica allude ad armonie interiori, a una tensione verso la trascendenza.

Carlo Schlatter ha dipinto molti paesaggi marini , ora en plein air alla maniera macchiaiola, ora come specchio dell'interiorità e soglia verso l'ignoto. L'acqua si fa sostanza primordiale, materia dell'anima in perenne mutamento; le marine si configurano dunque come veri e propri paesaggi esoterici.

La linea dell'orizzonte segna il limite tra il visibile e l'invisibile, tra il mondo terreno e la dimensione spirituale. I r itmi cosmici delle onde riflettono la vibrazione universale e la tensione ascetica dell'artista, nel desiderio di fusione con l'infinito. Il mare diventa così metafora del viaggio dell'anima e della ricerca della conoscenza interiore.

Dal superamento del realismo all'abbraccio di un linguaggio idealista e visionario, ogni soggetto nelle opere di Schlatter è portatore di valori spirituali e dimensioni mistiche . Colori, forme e figure si trasformano in segni di energie cosmiche per un percorso di ascesi e di liberazione della coscienza.

Il contrasto della transizione fra forze opposte è messo in evidenza emblematica in molte sue opere. In questo dualismo tra calore e freddo, dove vince l’immobilità, si cela la rappresentazione del conflitto eterno tra materia e spirito, tra ombra e luce che attraversa tutta l’opera di Schlatter.

Possiamo considerare Carlo Schlatter un vero e proprio teosofo interessato alla scienza concernente il divino e lo spirito. Nei suoi volumi manoscritti e illustrati, dove parola e immagine condividono un equilibrio perfetto, indaga i temi principali della teosofia .

Per lui scrittura e pittura scaturiscono da un' unica necessità interiore : rendere visibile l'invisibile e guidare l'anima oltre la soglia del mondo sensibile. Ogni pagina è concepita come un luogo sacro dove il gesto artistico si fa preghiera, e il libro stesso assume il valore di oggetto spirituale, veicolo di rivelazione e strumento di elevazione dell’anima.

La città di Firenze ospita la Casa Museo che è situata nel villino costruito in Viale dei Mille alla fine dell’‘800 da Carlo Adolfo Schlatter, dove ha vissuto e lavorato. È stata la prima casa del viale e conserva tutto il fascino di quell'epoca.

Scopriamo i CAMPI LUNGHI del fotografo DUCCIO RICCIARDELLI

Tue, 27 Jan 2026 18:38:47 GMT

L’arte fotografica di Duccio Ricciardelli

punta lo sguardo sull’interazione tra natura e figura umana

Il 24 gennaio si è inaugurata alla Biblioteca delle Oblate la mostra del fotografo Duccio Ricciardelli “Campi Lunghi” che presenta una quarantina di scatti nell’occasione illustrati dal fotografo stesso e da Elisabetta Beneforti, poetessa e redattrice della rivista on line "Pioggia Obliqua". La mostra è visitabile fino al 14 febbraio 2026 nella Sala conferenze Sibilla Aleramo della Biblioteca delle Oblate.

“Campi Lunghi” è una terminologia tratta dal gergo cinematografico, il riferimento a un’inquadratura che riprende un'ampia porzione di ambiente, dove la figura umana è visibile e riconoscibile, ma nettamente subordinata al contesto spaziale. Indica la relazione tra il soggetto e l'ambiente circostante, comunicando spesso sensazioni di isolamento o di grandezza dello spazio. In molti scatti, infatti, Duccio Ricciardelli inscrive le figure umane all’interno di un paesaggio che, grazie alla potenza della natura, quasi sempre le ingloba.

Duccio Ricciardelli nasce a Firenze nel 1976. Dopo una laurea in Storia e Critica del Cinema, si dedica alla fotografia di reportage e di scena, approfondendo successivamente i suoi studi sul cinema documentario presso il Festival dei Popoli di Firenze, e cominciando a lavorare come operatore, assistente operatore e regista.

Lavora inoltre a Roma come assistente di produzione presso la Fandango. Partecipa a diversi festival nazionali e internazionali con uno stile sperimentale e di ricerca . Dal 2017 è giornalista pubblicista nel settore della critica cinematografica. Tra le sue collaborazioni ci sono Rai, Netflix, Arte, Disney Channel, Regione Toscana, Ente Cassa di Risparmio di Firenze, gallerie e musei di arte contemporanea in Italia e all'estero.

“Fotofinction” è la tecnica di narrazione fotografica che permette di lavorare con il personaggio all’interno del paesaggio, dove spesso il soggetto è ripreso sullo sfondo. Duccio Ricciardelli ama usare questa tecnica in controtendenza rispetto a quella che è attualmente usata per la ripresa sia fotografica che cinematografica, dove si lavora sul primo o addirittura primissimo piano, oppure sul dettaglio, sulla macro.

È una scelta concettuale quella di Duccio Ricciardelli che gli permette una sorta di rallentamento dello sguardo perché il suo è un lavoro di narrazione: molte foto che sono in mostra nascono da un testo scritto, non sono un reportage d’improvvisazione, come può essere la streetphotography, nascono da un soggetto sceneggiato, questa può essere la chiave di lettura delle sue fotografie, la fotografia come racconto, il fotografo è uno storyteller.

La prima serie in mostra s’intitola “ Fotonovelle ” e prende spunto dalla lettura delle “ Novelle della Nonna” di Emma Perodi, narratrice novellistica del Casentino. Duccio ha selezionato alcune novelle e poi si è messo in cammino, di notte, in zona Pomino. C’è qui un’improvvisazione maggiore rispetto alle altre foto della mostra. Ha lavorato sulla grana (grossa) e sul fuoco (sfocatura), sul punto di vista basso, sul movimento, senza cavalletto ma uso del mosso, che conferisce alle foto un carattere visionario , onirico. Il tema del bosco, del fuoco e del cammino tornano spesso nei lavori di Duccio, ma in questa prima serie ci sono in maniera casuale perché le foto sono state fatte tutte in una notte.

L’uso di questa tecnica che paradossalmente sembra quasi distruggere l’immagine, o per lo meno renderla meno leggibile o comprensibile, serve invece per portare lo spettatore nel realismo magico della fotografia di Duccio. I suoi non sono reportage umanistici, non sono immagini di documentazione della realtà, piuttosto momenti di evocazione (per esempio il silenzio del bosco, la suggestione della notte).

La serie successiva è il “Dittico della lettura”. Si tratta di un altro percorso dell’esperienza fotografica di Duccio, realizzato nel 2023 per la rivista “Erodoto” di Paolo Ciampi: l’idea di partenza era quella di staccare su una persona che stava leggendo un libro. In questa photoperformance Duccio ha reinterpretato il tema , lavorando sui campi lunghi, sulla messa in scena del personaggio all’interno di un ambiente (la Coop. di Gavinana) sul contrasto tra città e campagna (sull’interno/esterno). Le foto sono state decise prima a tavolino (disegnate in un vero e proprio storyboard) e poi realizzate.

Nella photoperformance e nella photofinction si lavora molto con le luci artificiali e varie attrezzature, mentre Duccio lavora esclusivamente con la luce ambiente , una sorta di ritorno alla sua formazione documentaristica. Nella prima serie c’era il movimento, in questa c’è la staticità con l’uso del cavalletto e il soggetto al centro dell’inquadratura. In passato Duccio odiava il cavalletto perché ingombrante e pesante da portare con sé; successivamente ha iniziato a usarlo perché gli permette di soffermarsi e di riflettere su molti più dettagli presenti nell’inquadratura.

La terza serie è “Il bosco dei segni” realizzata a Vallombrosa. Torniamo nel bosco, nella natura, nella narrazione perché l’incipit della serie è una frase scolpita nel legno in un sentiero: “ il bosco, l’inconscio e la fiaba”. L’affabulazione inconscia fa parte della ricerca e dello sguardo sul mondo esterno e interno di Duccio. L ’uso del bianconero è scelta stilistica a priori perché è ricerca di assolutezza, di semplicità, la possibilità di togliere tutto quello che c’è in sovrappiù.

L’uso del bianconero è anche metafora della vita : una sorta di surrealismo, immagini scattate in varie ambienti e in momenti diversi, unite poi da un sottotesto che crea la storia dove il bianconero funziona da collante concettuale.

Le suggestioni provengono anche dal neorealismo italiano (piano sequenza lungo), oppure da Rossellini, Pasolini, ma soprattutto da Andrej Tarkovskij che lavora sul b/n e sui campi lunghi ( Stalker , Nostalghia) . L’intento è di ispirarsi a quel cinema con la narrazione fotografica, come questo “ Braccio ” fotografato in un albergo di Vallombrosa, la cui messa in scena non è casuale ma è una performance.

Le ultime foto esposte in mostra sono miscellanea di photoperformance , una selezione di vari e disparati personaggi, ripresi in uno straniante gioco di luci e ombre, effetto disturbante ma proprio per questo di grande impatto. Anche queste non sono foto documentaristiche: Duccio propone la sua immagine e poi lascia libera l’interpretazione, come fosse il primo fotogramma di una storia che poi lo spettatore deve continua a raccontare a se stesso o agli altri.

Un esempio di streetphotography si ha con questa foto di una maglietta di un manifestante dell’azienda GKN. Oltre al lavoro sul dettaglio urbano, tipico di questo approccio fotografico, c’è anche un riferimento all’arte (il David) e uno alla società civile (la lotta della GKN per il posto di lavoro indicato con la metafora dello “strappo”)

Le ultime immagini sono un trittico realizzate alle Cascine , premiate a un concorso organizzato da Foto Alinari; in questo caso Duccio si è comportato come un flâneur che si aggira in un luogo senza avere un programma; la mostra ha così un percorso circolare perché è con la casualità che era iniziata (le foto di notte a Pomino) e con la casualità di questi scatti alle Cascine si conclude.

Una grande monografica su GIOVANNI FATTORI a Villa Mimbelli di Livorno

Fri, 23 Jan 2026 18:37:14 GMT

Una delle più grandi rivoluzioni artistiche dell’Ottocento

è partita da Livorno per merito del pittore livornese Giovanni Fattori

Una grande monografica su Giovanni Fattori, di sicuro la più completa mai allestita , si è aperta il 6 settembre 2025 giorno del duecentesimo compleanno dell’artista macchiaiolo con oltre 200 opere ripartite nelle 24 sale di Villa Mombelli a Livorno con l’intento di rilanciare criticamente uno dei più grandi pittori dell’Ottocento.

Curzio Malaparte , con l’ironia pungente che lo contraddistingueva, disse una volta che “ i livornesi sono come l’acqua: vogliono muoversi, camminare, correre, girare il mondo. E se stanno fermi, stagnano ”.

Giovanni Fattori non è certo un giramondo : faceva la spola tra Livorno e Firenze, qualche sporadica discesa a Roma e un solo viaggio a Parigi, quando aveva ormai compiuto cinquant’anni (era partito piuttosto prevenuto, e sarebbe tornato poco soddisfatto).

Quei pochi spostamenti sono però stati sufficienti per cambiare il volto della pittura italiana , come sostiene Vincenzo Farinella, curatore del catalogo: una rivoluzione artistica, rivendicata anzitutto da Fattori stesso, e poi riconosciuta già da alcuni suoi contemporanei.

Nei decenni successivi, questa innovazione nello stile della pittura toscana - rottura delle regole accademiche, in particolare ai rapporti proporzionali tra le figure nello spazio prospettico - è stata sottostimata, se non del tutto ignorata, da una larga parte della critica novecentesca.

La sua rivoluzione non va pensata come l’azione di un outsider che s’era fissato l’obiettivo di abbattere il sistema negandone le regole. Fattori non era un futurista: era sì spavaldo e polemico, per niente incline ai compromessi e perennemente insoddisfatto, ma non era certo un incendiario delle regole accademiche.

In qualche modo era consapevole di essere un contestatore che scuote le fondamenta del sistema dall’interno, come lui stesso dice: “ faccio parte di quel movimento, la macchia, è una rivoluzione dell’arte ”.

Fattori, per i motivi di cui s’è detto sopra, fu ancor più radicale di Signorini, di Banti, di Cabianca, di tutti gli artisti che avevano sperimentato la “macchia” prima di lui. Per questo, si tende a considerare Fattori uno dei pilastri non solo del nostro Ottocento , cosa ormai forse data per acquisita, ma anche un padre della cultura italiana al pari di Giuseppe Verdi.

La mostra di Villa Mombelli, oltre all’incontestabile completezza della ricostruzione filologica, ha anche il merito di dimostrare che Fattori non è soltanto uno degli artisti più amati dal pubblico italiano, ma è anche un pittore di caratura europea .

Le oltre duecento opere sistemate lungo ventiquattro sezioni che occupano i tre piani di Villa Mimbelli (il museo è stato svuotato temporaneamente della collezione permanente per lasciar spazio alla rassegna) secondo un itinerario di visita strutturato con un ordine cronologico che i mpegna il visitatore per almeno un paio d’ore.

Nella prima sezione sono radunate quasi tutte le opere giovanili note e sopravvissute, che dimostrano gli adolescenziali schematismi e poi ci rivelano un pittore che alla soglia dei trent’anni ancora s’arrabattava nel solco d’una pittura di storia destinata a uscire dalle orbite dell’arte più aggiornata, uno dei tanti epigoni degli ultimi pittori romantici che dipingevano nella Firenze dei Lorena.

Poi, a un certo punto, la svolta improvvisa . Era il 1859 e stava dipingendo una grande tela, di due metri per tre, con un episodio di storia fiorentina ( Clarice Strozzi intima a Ippolito e Alessandro de’ Medici di partire da Firenze ), peraltro scoperto di recente, perché a opera quasi conclusa Fattori decise di stenderci sopra una mano di pittura per coprire quell’immagine e dipingere sul retro un lavoro di tutt’altro respiro, la sua prima grande battaglia, l' Episodio della battaglia di Montebello.

Abbandonato il grande dipinto a tema storico, ci s'mbatte in una serie di tavolette di militari che sorprendono per la loro modernità: dipinti semplici, non più di storia ma di realtà, dove le pennellate abbozzano luminosi intarsi di luce, dove il soggetto appare quasi sublimato , dove la grammatica sfiora la notazione geometrica.

Dove Fattori avesse imparato a dipingere così, è difficile a dirsi. Certo è che lui stesso, nelle sue memorie e nei suoi pochi scritti autobiografici, individuava in quel 1859 un anno fondamentale del suo percorso, l’anno in cui “ vennero i macchiaiol i”, come avrebbe scritto lui stesso, anche se in realtà i suoi soldati del ‘59 dovevano esser probabilmente il frutto d’una qualche più elaborata meditazione.

Riflessioni fatte sulle opere di Telemaco Signorini, di Vincenzo Cabianca, di Cristiano Banti, di Serafino De Tivoli, di tutti quegli artisti che avevano cominciato almeno da due o tre anni i loro esperimenti su di una pittura nuova, una pittura di sintesi visiva che, per adoperare le parole dello stesso Fattori, " intendeva restituire al riguardante la realtà della vera impressione del vero ”.

All’osservazione della pittura dei colleghi va aggiunto l’incontro con Nino Costa (in mostra sono alcuni suoi dipinti), l ’inventore della moderna pittura di paesaggio italiana, sbalordito da quei primi esperimenti sui soldati, e di conseguenza intenzionato a suggerire a Fattori di cimentarsi anche col paesaggio.

Le prime vedute paesaggistiche di Fattori sono un altro snodo fondamentale della sua arte e rimontano ai primi anni Sessanta, altro periodo di feconda attività favorito dalla vicinanza alle campagne dell’entroterra livornese. E qui operò in gran parte anche con la sua produzione ritrattistica .

Ogni dettaglio affascina l’ormai quasi quarantenne Fattori: i campi arati, quelli coltivati, il cielo sopra le distese d’erba e di terra, il profilo delle colline, gli animali al pascolo o allo stato brado, la vita dei contadini che, per tutta la sua carriera, Fattori avrebbe riprodotto senz’alcuna idealizzazione .

E non poteva mancare il mare , elemento cui il pittore si sarebbe sempre sentito vicino: “ amo il mare perché nato in città di mare ”, avrebbe poi detto nei suoi scritti autobiografici. Gli esperimenti che Fattori conduce tra l’inizio degli anni Sessanta e la fine del decennio segnano anche il momento di massima sintesi formale di questo sperimentalismo.

La mostra cerca anche di dissipare il mito del Fattori pittore contadino , pittore rozzo, pittore che va sbandierando come un vessillo la sua presunta mancanza di cultura. Questo suo understatement aveva lo scopo preciso di corroborare quella sua aura del pittore semplice, dell’artista genuino, del continuo osservatore della natura che soltanto dalla natura si faceva ispirare.

Conoscitore della pittura antica e di quella moderna ; nelle sue opere si rinvengono riferimenti a Gustave Dorè, alle stampe giapponesi; ammiratore di Cervantes e del suo Don Chisciotte al punto d’aver dedicato alcuni dipinti al romanzo (uno di questi, in prestito dalla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, è in mostra).

Lettore che non di rado discuteva con gli amici delle sue letture, in particolare con il critico Diego Martelli, che contribuì in maniera determinante alla fortuna dei macchiaioli, e che Fattori considerava l’unico amico che avesse mai avuto.

Quanto alla grande pittura d’argomento bellico , la mostra di Livorno parte dall’indiscutibile realismo dei lavori di Fattori, per trasmettere l’immagine, ormai sedimentata a livello critico ma forse non ancora così nota al pubblico, del pittore profondamente antiretorico e, se non esplicitamente antirisorgimentale, quanto meno desideroso di smorzare ogni tono celebrativo.

Fattori non fu l’unico in Italia a raccontare una specie Risorgimento non epico , ma probabilmente fu tra i pochi, se non l’unico, a raccontarlo direttamente dai campi di battaglia: non più, dunque, una pittura d’epici scontri, di cariche, di combattimenti, quanto semmai una pittura di polvere, una pittura delle retrovie, una pittura di soldati più che una pittura di battaglie. Soldati impegnati a leggere e scrivere lettere, a curarsi dopo uno scontro. Soldati, spesso, morti e abbandonati sul campo.

La mostra di Villa Mimbelli enfatizza anche il rapporto di Fattori con la Maremma insieme a quello con gli altri macchiaioli, specie quelli della seconda generazione come Niccolò Cannici ed Egisto Ferroni, che a Fattori piacevano poco per via del loro sentimentalismo.

Quella dell’ultimo Fattori è, sostanzialmente, l’immagine di un pittore stanco, isolato, un misantropo circondato di pochissimi affetti, e che non smette però di contestare, e anche di sperimentare: i dipinti sugli animali, gli esseri viventi che più di tutti forse catturano la partecipazione emotiva del vecchio artista.

Il celeberrimo Muro bianco , opera degli anni Settanta, è posto a chiudere la mostra, assieme alle opere d’un gruppo vario d’artisti che avrebbero tratto più di qualche spunto dalla poetica di Fattori, a guisa d’epilogo solo in apparenza controintuitivo, in realtà funzionale a sottolineare ancora una volta, in uscita, quel carattere profondamente rivoluzionario della pittura fattoriana.

GIOVANNI BOLDINI il maestro del ritratto della Belle Époque

Tue, 20 Jan 2026 14:05:17 GMT

Il percorso espositivo ripercorre l’evoluzione della pittura di Boldini attraverso il tema della bellezza, in particolare quella femminile

" La seduzione della pittura " è la nuova grande mostra dedicata a Giovanni Boldini aperta al pubblico fino al 2 giugno 2026 negli spazi della Cavallerizza di Piazzale Verdi a Lucca. Curata da Tiziano Panconi, l’esposizione riunisce oltre cento opere provenienti da prestigiose collezioni pubbliche e private, tra cui le Gallerie degli Uffizi e il Museo Giovanni Boldini di Ferrara, con l’intento di celebrare il “maestro del ritratto della Belle Époque”.

Giovanni Boldini. La seduzione della pittura è la nuova grande mostra prodotta da Contemplazioni, aperta al pubblico dal 2 dicembre 2025 al 2 giugno 2026 negli spazi della Cavallerizza di Piazzale Verdi a Lucca che presenta più di cento opere provenienti da collezioni pubbliche e private, tra cui le Gallerie degli Uffizi e il Museo Giovanni Boldini di Ferrara, con l’intento di celebrare il “maestro del ritratto della Belle Époque”.

“Le donne di Boldini”, spiega il curatore Tiziano Panconi , “sono nature flessuose e disinibite che mostrano senza reticenza un modello di bellezza erudito e, spogliandosi, affermano la loro autodeterminazione di individui maturi ed emancipati, pienamente consapevoli della propria femminilità”.

Accanto ai dipinti di Boldini, la mostra riunisce opere di importanti artisti a lui contemporanei, tra cui Odoardo Borrani, Vittorio Matteo Corcos, Giuseppe De Nittis, Vincenzo Gemito, Paul César Helleu, Antonio Mancini, Telemaco Signorini e Federico Zandomeneghi.

Questo percorso espositivo, oltre a offrire una ricca contestualizzazione del panorama figurativo tra Ottocento e Novecento, permette di avere uno sguardo d’insieme sui sessant’anni di attività di Giovanni Boldini e sulla sua vicenda artistica e umana che incarna perfettamente lo spirito del suo tempo.

Il viaggio della mostra percorre l’intera carriera dell’artista: dalle “tavolette” d’interno del periodo fiorentino, quando Boldini lavorava con i Macchiaioli (1864–1870) alle raffinate e luminose scenette realizzate nei primi anni parigini durante il periodo Goupil (1871–1878), fino alle femmes fatales (1879–1891) da lui definite “divine”, ritratte spesso a grandezza naturale, motivo di per sé sufficiente per non perdere questa occasione di visitare la mostra di Lucca.

Articolata in sei sezioni, la mostra prende avvio dalle opere fiorentine, tra cui il Ritratto di Vittorio Emanuele II, presentato per la prima volta al pubblico, e il ritratto dell’amico Cristiano Banti ne Nello studio del pittore.

Il percorso prosegue al Café de la Nouvelle Athènes, luogo di ritrovo degli Impressionisti, che diventa lo scenario de In conversazione, opera raramente esposta nella quale Boldini raffigura la compagna Berthe accanto all’amante Gabrielle de Rasty, moglie del conte Costantin. La scena, carica di eleganza e sottile complicità, affascina per l’intensità narrativa e psicologica, evocando atmosfere da romanzo decadente.

Sfilano poi le donne desiderate e immortalate dal pittore: dall’attrice Alice Regnault alla contessa Berthier de Leusse, dalla principessa Eulalia di Spagna alla celebre Mademoiselle de Nemidoff, protagoniste di opere di altissimo livello qualitativo che testimoniano il respiro internazionale delle committenze

Nella ricca galleria dei ritratti trovano spazio anche opere di artisti italiani attivi a Parigi, è La fille de Théodora (1893), rarissima opera della pittrice Juana Romani, figura brillante sulla scena artistica fin de siècle, la cui carriera si affermò rapidamente a Parigi prima del suo drammatico epilogo.

La mostra evidenzia inoltre i legami con le coeve esperienze artistiche italiane, dimostrando come il clima della Belle Époque non fosse limitato a Parigi, ma si riflettesse anche nei raffinati salotti della provincia lucchese. Ne sono esempio le luminose figure femminili di Edoardo Gelli o la protagonista de L’incontro di Luigi De Servi (1906), colta in un sorprendente controluce.

Il percorso si completa con una raffinata sezione di opere su carta. “Nei preziosi fogli rappresentanti femmine emancipate, dalle personalità esuberanti, o altri grandi artisti come Whistler, Degas, Helleu o De Nittis, emergono vortici di segni graffianti, linee parallele o convergenti, traiettorie, schizzi e sviluppi incompiuti attraverso i quali Boldini coglieva al volo l’attimo fuggente, quell’istante in cui l’espressione dei volti era emblematica, la mimica e la gestualità risultavano spontanee e lo sguardo più profondo.

Il percorso si conclude con le atmosfere rarefatte e sofisticate del gusto fin de siècle (1892–1924), fase in cui Boldini si emancipa definitivamente dalla ritrattistica ufficiale, inventando nuove silhouette e pose serpentine, affidate a pennellate rapide e taglienti, vere “sciabolate” di colore.

Fondamentale fu il tanto viaggiare, che lo porta dalla Spagna al Marocco, dall’Olanda alla Normandia, dalla Svizzera all’Italia, spesso in compagnia di Degas o di amici e committenti: «Il viaggio dell’arte intrapreso nel 1864 lo condusse da Ferrara a Firenze, poi a Londra e infine a Parigi, dove risiedette fino alla morte. L’innata curiosità lo spinse a cercare sempre nuovi stimoli, e i luoghi visitati divennero occasioni di incontro e ispirazione.

Uno spettacolare BEATO ANGELICO e altri grandi pittori del Quattrocento in mostra a Palazzo Strozzi

Sat, 17 Jan 2026 18:40:04 GMT

Il mistero divino si fa forma e luce nella pittura

 del Beato Angelico,

padre nobile della pittura rinascimentale italiana

Fino al 25 gennaio 2026, in un percorso tra le due sedi di Palazzo Strozzi e del Museo di San Marco, una straordinaria e irripetibile mostra celebra un padre del Rinascimento, pittore simbolo dell’arte del Quattrocento e uno dei principali maestri dell’arte italiana di tutti i tempi.

Settant’anni dopo l’ultima grande mostra ai Musei Vaticani e al Museo di San Marco, il genio di Guido di Piero (Vicchio di Mugello, Firenze, 1395 circa – Roma, 1455), poi Fra Giovanni da Fiesole, ma universalmente noto come Beato Angelico (dal 1984 «patrono degli artisti»), torna protagonista assoluto di un percorso monografico, dove si affronta la produzione, lo sviluppo e l’influenza della sua arte e dei suoi rapporti con pittori come Lorenzo Monaco, Masaccio, Filippo Lippi, ma anche scultori quali Lorenzo Ghiberti, Michelozzo e Luca della Robbia.

Beato Angelico ha creato dipinti famosi per la maestria nella prospettiva, nell’uso della luce e nel rapporto tra figure e spazio. La mostra offre una occasione unica per esplorare la straordinaria visione artistica del frate pittore in relazione a un profondo senso religioso, fondato su una meditazione del sacro in connessione con l’umano.

L’esposizione riunisce tra le due sedi oltre 140 opere tra dipinti, disegni, sculture e miniature, provenienti da prestigiosi musei quali il Louvre di Parigi, la Gemäldegalerie di Berlino, il Metropolitan Museum of Art di New York, la National Gallery di Washington, i Musei Vaticani, la Alte Pinakothek di Monaco, il Rijksmuseum di Amsterdam, oltre a biblioteche e collezioni, private e pubbliche, italiane e internazionali.

Frutto di oltre quattro anni di preparazione, il progetto ha reso possibile un’operazione di eccezionale valore scientifico e importanza culturale, grazie anche a un’articolata campagna di restauri e alla possibilità di riunificare pale d’altare smembrate e disperse da più di duecento anni i varie parti del mondo.

Al centro della mostra, la prima ricostruzione «in presenza» della Pala di San Marco (1438-1442), rimossa dall’altar maggiore di San Marco (per il quale Cosimo de’ Medici l’aveva commissionata), poi smembrata e infine dispersa in più musei (la stessa passione per Beato Angelico che avrebbe conquistato Botticelli, Lippi, Chagall e persino Goethe alimentò anche un mercato di smembramenti e vendite più o meno leciti). La Pala ritrova qui 17 dei suoi 18 elementi: in origine tutti inseriti in un supporto ligneo che la mostra restituisce in forma di profilo disegnato.

La Pala ricomposta si conferma capolavoro di straordinaria intensità spirituale e innovazione stilistica , rivelando tutte le sfumature del suo linguaggio e del suo significato simbolico, offrendo al pubblico un’esperienza contemplativa di rara profondità.

L’origine della Pala si lega agli anni cruciali della Firenze del Quattrocento, un periodo caratterizzato da un forte rinnovamento culturale e spirituale , in cui la committenza medicea e il convento di San Marco si intrecciano in una strategia di affermazione identitaria. Commissionata da Cosimo de’ Medici (è lui il personaggio inginocchiato davanti alla Madonna che nella tavola centrale guarda lo spettatore), la Pala non doveva limitarsi a essere un elemento devozionale: evocava, più che altro, un messaggio politico-culturale, una sorta di manifesto della nuova identità medicea e un tributo alla spiritualità domenicana. Per questa ragione, la scelta del Beato Angelico risponde alla volontà di coniugare rigore iconografico e sensibilità religiosa.

La mostra ha avuto, tra gli altri, il merito d’offrire al pubblico, nella prima sala di Palazzo Strozzi, una sorta di ricostruzione ideale della chiesa di Santa Trinita del primo Quattrocento, quando chiunque vi fosse entrato avrebbe visto tre sbalorditivi capolavori del primo scorcio del XV secolo, ovvero l’Annunciazione di Lorenzo Monaco, l ’Adorazione dei Magi di Gentile da Fabriano e la Deposizione del Beato Angelico, tre opere oggi tutte conservate in luoghi diversi, per quanto tutti a Firenze (l’ Annunciazione è rimasta in Santa Trinita, l’ Adorazione è agli Uffizi e la Deposizione è custodita al Museo di San Marco).

Santa Trinita è un episodio fondamentale per comprendere gl’incroci dell’arte fiorentina del primo Quattrocento , sospesa tra permanenze trecentesche (il gusto tardogotico era ancora imperante, malgrado si fosse già compiuta la rivoluzione rinascimentale di Masaccio) e aperture radicali al nuovo. E nel giro di poco più di dieci anni la chiesa s’era riempita con questi tre capisaldi dell’arte fiorentina.

Chi visita la grande mostra non dovrebbe far l’errore di trascurare la sezione allestita al Museo di San Marco, benché il grosso dell’esposizione si concentri nelle otto sale di Palazzo Strozzi. Interessante rilevare come questo sdoppiamento rifletta, in certo modo, le due a nime della committenza che ha sempre sostenuto il lavoro del Beato Angelico: quella religiosa da una parte e quella laica dall’altra.

La sezione allestita nel Museo di San Marco, in realtà divisa in due parti (il primo capitolo, sugli esordî dell’artista, e poi la porzione sistemata in Biblioteca che sonda la produzione dell’Angelico miniatore), è un’eccellente introduzione che offre l’opportunità di comprendere le origini dell’universo pittorico dell’artista toscano.

Tra i lavori della prima fase considerati capisaldi figurano in mostra la Crocifissione Griggs del Metropolitan Museum, opera densa di rimandi a Masolino e a Ghiberti; la finissima Madonna col Bambino in trono e dodici angeli dello Städel Museum ch’è esposta di fianco a una sua copia eseguita da Andrea di Giusto (così chiunque può percepire la differenza tra un ottimo artista come Andrea e un fuoriclasse come il Beato Angelico); e infine la Crocifissione tavola tra le più squisite della sua produzione giovanile, esposta in Italia per la prima volta, la cui presenza costituisce uno dei momenti più alti della mostra fiorentina.

Al pari di quello cui s’assiste subito dopo: lo straordinario confronto tra il Trittico di san Pietro Martire del Beato Angelico, per la prima volta riunito alla sua predella, e il Trittico di san Giovenale di Masaccio, eccezionale prestito del Museo d’Arte Sacra di Reggello che consente di vedere appaiati due padri del Rinascimento fiorentino.

E se Masaccio è stato il rivoluzionario, il Beato Angelico è stato il primo artista a capire la portata di quella rivoluzione : il Trittico di san Pietro Martire è una delle prime opere a condividere alcune delle innovazioni masaccesche.

Sono state riunificate alle pale d’altare, grazie a numerosi prestiti internazionali che hanno impegnato i curatori della mostra in ricerche durate anni, numerose predelle che erano disseminate in vari musei e collezioni private del mondo e per alcune sono stati fatti importanti restauri.

Buona parte della produzione dello stesso periodo è stata radunata per accostamenti talora molto suggestivi: è il caso dei “ volti santi ”, straordinaria sequenza , uno degli apici della mostra, che mette in fila, accanto al Cristo come Re dei Re del Duomo di Livorno, una serie di opere omologhe, da Dieric Bouts a Benozzo Gozzoli e Benedetto Bonfigli, per dimostrare come, da un lato, l’iconografia angelichiana si rifacesse a modelli nordici, e dall’altro come avesse stabilito una sorta di paradigma, un’immagine immediata ch’era diventata strumento di preghiera capace d’una certa diffusione.

Le quattro tavole con la testa di Cristo sembrano dialogare direttamente con lo spettatore rendendolo partecipe direttamente del mistero divino. Da notare anche gli affascinanti minuziosi dettagli dell’acconciatura e della barba dei vari Cristo.

Una pala come quella dell’ Incoronazione in prestito dagli Uffizi, col suo tripudio di santi che paiono quasi galleggiare nella luce dorata, convive con il Giudizio universale che può esser considerato, fa notare Strehlke, uno dei curatori della mostra, “uno dei primi esperimenti di prospettiva del pittore”, con la successione delle tombe vuote che s’impone come “un’affermazione […] del risorgere dei morti alla fine dei giorni”, una “linea retta in cui tutte le curve cessano di esistere come espressione della natura infinita del divino”.

Alcuni importanti lavori degli anni Trenta, a cominciare dall’ Annunciazione di Montecarlo , altro eccezionale prestito, così come il Trittico di Cortona e la Pala di Perugia , sono stati invece radunati in una s ala interlocutoria dedicata alle “grandi committenze” .

Le ultime due sale seguono, secondo un iter cronologico più rigoroso, le ultime fasi dell’attività del Beato Angelico: ecco allora il periodo di Roma , dove il pittore era stato chiamato da papa Eugenio IV rimasto affascinato dagli affreschi di San Marco (spicca, in questa sezione, uno dei capolavori di quegli anni, il Trittico del Giudizio universale , che si può ammirare assieme a una delle composizioni più raffinate dell’ultimo Angelico, la Madonna col Bambino e santi del Museum of Fine Arts di Boston, un altro dei motivi per vedere la mostra.

Una mostra quindi che ha la volontà di sondare i tanti aspetti d’un pittore tra i più versatili del Rinascimento con tanti meriti, tra i quali andrebbero menzionati sicuramente gli allestimenti su fondali celesti, sia a Palazzo Strozzi che a San Marco, che esaltano la luce delle opere, l’ottima illuminazione, il catalogo dettagliato, minuzioso e aggiornato.

Si tratta, del resto, della più completa rassegna di sempre sul Beato Angelico , frutto d’un impegno pluriennale, che a settant’anni esatti dalla prima e sin qui ultima monografica su di lui, è stata in grado di radunare la più vasta mole di materiale autografo del grande pittore (e per di più con diversi capolavori di molti comprimari) nei luoghi che più gli sono vicini: il convento dove lavorò per diversi anni e il palazzo fatto costruire dai discendenti di uno dei suoi più illustri committenti. Difficile poter rivedere qualcosa di simile in un futuro immaginabile.

L’insegnamento di Lucrezio tra emarginazione e morte misteriosa: il coraggio di credere sempre nei nostri sogni.

Mon, 20 Oct 2025 19:31:20 GMT

Nella Roma del primo secolo avanti Cristo, si respirava un clima sorprendentemente simile a quello che si percepisce oggi tra instabilità e incertezza politica, guerre civili e profondi cambiamenti sociali.

Mentre Giulio Cesare conquistava la Gallia e scriveva il suo De Bello Gallico, e Cicerone perfezionava la sua arte oratoria nel cuore pulsante del Foro Romano, un uomo ancora poco noto, Tito Lucrezio Caro, presentava ai cittadini romani un’opera destinata a lasciare un segno profondo nella storia : il De rerum natura, un poema filosofico in esametri dedicato alla natura dell’universo. Ma attenzione, non stiamo parlando di un semplice trattato scientifico ante litteram sull’atomo. Il De rerum natura è una vera e propria rivoluzione culturale. Si tratta di un’opera che attraversa i grandi temi dell’esistenza: la morte, l’origine del cosmo, il ruolo degli dei che, secondo Lucrezio, abitano negli intermundia e non si curano affatto delle vicende umane.

Elena Giordano, autrice di questo articolo ci parla del poema di Lucrezio che non si limita a spiegare il mondo ma tenta di liberare l’uomo da una delle più grandi paure che troverà terreno fertile nella cultura cristiana: la paura della morte e dell’inferno . Ricordo, dice Elena Giordano, ancora quando la mia professoressa del liceo ci parlò di Lucrezio. Non nascondo che rimasi profondamente colpita dal coraggio di questo filosofo. Ci vuole, infatti, una certa audacia per scrivere un’opera in cui si afferma l’indifferenza degli dèi, in un’epoca in cui Roma era divisa tra chi venerava Giove e chi alzava un calice di vino in onore di Dioniso (alias Bacco, nella tradizione greca). Ma non stiamo parlando di un semplice scrittore in cerca di una storia da raccontare, magari per ottenere il favore di un console romano. Stiamo parlando di un pensatore illuminato , di un poeta consapevole della propria libertà intellettuale, profondamente influenzato dalla filosofia del suo maestro Epicuro.

Lucrezio era un uomo fuori dal comune, guidato da un ritmo interiore che non apparteneva alla maggioranza. Spesso, come accade ancora oggi, chi pensa in modo diverso, persegue obiettivi non convenzionali e difende idee non mediocri finisce per essere respinto, isolato, emarginato. È forse anche per questo che sappiamo così poco della vita di Lucrezio? Mi ha colpito scoprire come un poeta così innovativo, precursore della scienza moderna , trovi in realtà pochi e scarsi riferimenti negli scritti dei suoi contemporanei. Tra i pochi riferimenti diretti, spicca una lettera scritta da Cicerone al fratello Quinto nel febbraio del 54 avanti Cristo, in cui commenta l’opera di Lucrezio.

Il grande oratore romano la definisce «ricca di molte luci di genio» ( multis luminibus ingeni ), ma anche «di molta arte» ( multae tamen artis ). In questa frase, però, vi è una parola che spesso è stata fraintesa tanto da negare il valore della poesia di Lucrezio. Perché, ci si chiede, Cicerone sembra introdurre un’idea di contrasto nel descrivere l’arte di Lucrezio? Tuttavia - come osserva giustamente Giuseppe Solaro - la chiave sta proprio nel contesto epistolare . Il tamen di Cicerone nasce, con ogni probabilità, dalla necessità di prendere posizione rispetto a un giudizio precedente espresso dal fratello Quinto, che forse criticava l’eccessiva erudizione o la complessità dell’opera lucreziana. Quindi, il termine tamen non va a sminuire il valore della poesia che per Cicerone, seppur erudita, è ricca d’arte.

L’insegnamento che Lucrezio ci lascia è più attuale che mai: credere fermamente nelle proprie idee, inseguire i propri sogni e non lasciarsi fermare da chi critica o fraintende . Anche quando chi ci è vicino non ci comprende, non bisogna smettere di credere in ciò che si fa. Forse oggi ci si può sentire soli, incompresi. Ma un giorno, magari dopo molti anni, qualcuno sarà in grado di riconoscere il valore autentico di ciò che abbiamo pensato, scritto o realizzato. È probabile che Lucrezio fosse consapevole della difficoltà - se non dell’impossibilità - di spiegare concetti complessi come l’atomismo, l’assenza di un disegno divino o l’indifferenza degli dèi, in una Roma ancora profondamente legata alla religione tradizionale. Ed è proprio qui che emerge la forza del suo genio ribelle : invece di scegliere la via di un trattato tecnico o tracotante, Lucrezio dà voce al poeta che è in lui. Trasforma la filosofia in poesia, la scienza in versi. E racconta la natura delle cose ma con versi potenti che nascondono la storia di un universo senza lieto fine. O forse sì, perché secondo l’epicureismo non bisogna temere la morte dal momento che, quando ci sarà lei, non ci saremo noi.

Elena Giordano, a questo punto, cerca di fare chiarezza sul mistero della morte di Lucrezio , divenuta quasi più famosa della sua stessa opera. Sappiamo che nel mondo romano il suicidio era visto come gesto eroico, onorevole e virtuoso dagli stoici. Pensiamo al suicidio di Seneca, Petronio o Socrate. Ma come morì davvero Lucrezio? Fu suicidio o un filtro magico? Ed è proprio a partire da questa domanda che si apre un mondo. Esistono, infatti, due fonti storiche che offrono versioni profondamente divergenti. Elio Donato, grammatico del IV secolo dopo Cristo, nella sua opera Vita Vergilii ci racconta che Virgilio trascorse la giovinezza a Cremona fino al giorno in cui ricevette la toga virile nello stesso giorno in cui Lucrezio morì. Tuttavia, la fonte non specifica in alcun modo le circostanze della sua morte.

È curioso, però, che in alcune edizioni medievali della Vita Vergilii compaia un’aggiunta significativa: «Nasce il poeta Lucrezio; in seguito, caduto in una forma di follia, scrisse alcuni libri nei momenti di lucidità, e infine morì suicida.» Una versione ben più drammatica che ha attirato l’attenzione di filologi e studiosi. Secondo alcuni, infatti, si tratterebbe di un’interpretazione tardiva, condizionata dal contesto culturale medievale e da una forte opposizione alla diffusione della filosofia epicurea presente nell’opera del poeta. Non è dunque da escludere che la narrazione di una morte tragica, segnata dalla follia e dal suicidio, sia frutto di una precisa strategia culturale , volta a screditare la figura del poeta e, soprattutto, il messaggio radicale e antireligioso contenuto nella sua opera.

Ad aggiungere ulteriore mistero alla morte di Lucrezio è un’altra fonte di grande rilievo: San Girolamo, che nella sua opera Chronicon riferisce che il poeta sarebbe impazzito a causa di un filtro d’amore e che, in preda al delirio, avrebbe scritto il De rerum natura , per poi togliersi la vita all’età di soli 44 anni. ( Titus Lucretius poeta nascitur: qui postea amatorio poculo in furorem versus, cum aliquot libros per intervalla insaniae conscripsisset, quos postea Cicero emendavit, propria se manu interfecit anno aetatis XLIV ). Sebbene l’uso di amatorio poculo (pozione amorosa) possa sembrarci strano in realtà sembrerebbe che nell’antichità fosse del tutto normale. A confermarlo è Giovenale, celebre autore latino, che nella sua Satira VI denuncia apertamente il fenomeno , sottolineando come questi filtri - spesso provenienti dalla Tessaglia - fossero venduti alle donne romane, che li utilizzavano per sconvolgere le menti dei propri coniugi a tal punto di farli cedere in uno stato di totale oblio ( magna oblivio rerum , vv. 610-614).

Certamente difficile, agli occhi della sottoscritta, immaginare una persona scrivere un capolavoro in esametri mentre è in preda alla follia causata da questo strano filtro d’amore. (Ma forse un genio rimane tale anche sotto incantesimo!) Questa versione di San Girolamo, infatti, non trova conferme storiche certe. A questo punto sorge spontanea una domanda: perché uno storico come San Girolamo avrebbe introdotto l’elemento del amatorium poculum, il filtro d’amore, per spiegare il furor che avrebbe spinto Lucrezio al suicidio? Non è forse anche questa una forma di propaganda anti-epicurea? Una risposta affermativa potrebbe trovare fondamento nel contesto storico in cui San Girolamo scrive. Le fonti ci dicono chiaramente che il suo Chronicon risale al IV secolo dopo Cristo, un’epoca in cui il cristianesimo si è ormai affermato come religione dominante dell’Impero Romano. Proprio in questo clima di ostilità verso l’epicureismo il pensiero di Lucrezio rappresenta una minaccia. Sarà, dunque, questo un indizio a favore della tesi secondo cui Lucrezio non morì realmente a causa di un filtro d’amore?

Mi torna in mente una frase che mi disse, anni fa, la mia professoressa di Diritto processuale penale all’università: «L’attività del giudice, sotto alcuni aspetti, ricorda quella dello storico.» In effetti, entrambi - giudice e storico - dovranno servirsi dei documenti e delle testimonianze per compiere lo stesso lavoro di lettura e interpretazione col fine ultimo di scoprire le falsificazioni e arrivare alla verità. Eppure, sebbene entrambi si esprimano in termini di certezza, la verità storica - proprio come quella giudiziaria - resta un traguardo ideale ed illusorio. Il mistero sulla morte di Lucrezio, dunque, resterà custodito tra le pagine di storia, senza offrirci risposte definitive. Ma ciò che davvero conta è che di lui continueremo a coltivare il genio e il pensiero, grazie all’immensa eredità lasciata dal De rerum natura

NICOLETTA MANETTI ci racconta la bella storia di MAMMA ADA

Mon, 08 Sep 2025 10:31:48 GMT

Mamma Ada è un libro che tocca il cuore, capace di far riflettere

su ciò che ci lega, ci forma e ci spinge ad agire per gli altri.

Mercoledì 3 settembre si è tenuta, nello splendido angolo di Villa Vittoria Cultura , all’interno del Parco del Palazzo dei Congressi di Firenze, la presentazione del libro di Nicoletta Manetti Mamma Ada edito da Angelo Pontecorboli.

L'evento, introdotto dal Giovanni Fittante, coordinato da Cosimo Ceccuti e con i saluti di Giovanni Bettarini, Andrea Mucci e Alessandra Petrucci ha avuto uun grande successo di pubblico .

I vari interventi hanno messo in risalto gli elementi più significativi di questo viaggio nella memoria e negli affetti di Ada Cullino Marcori, una narrazione capace di toccare le corde più autentiche dell’animo, così come è riuscita a evocare in modo perfetto l'autrice del libro Nicoletta Manetti.

Ha concluso l’evento Roberto Marcori, figlio di Ada Cullino Marcori , che ha illustrato tutte le iniziative che si tengono annualmente al MAMMA ADA CENTRE (MAC) costruito nel distretto del Kanyakumari in India per iniziativa della Fondazione da lui creata per celebrare la forza, la generosità e la capacità della madre. Uno sforzo notevole ma che è fonte di ispirazione per un futuro migliore per tanti giovani che in India si trovano ai margini, trasmettendo loro un messaggio di speranza e di solidarietà universale.

Al centro del testo di Nicoletta Manetti emerge la figura di Ada , madre generosa, pilastro di valori e tradizioni che sa tenere unita la famiglia – e idealmente la comunità – attraverso il filo invisibile dell’amore incondizionato. Una madre che ha saputo tenere unite le varie generazioni.

Nicoletta Manetti racconta la storia della protagonista con una delicatezza che valorizza il senso delle radici e la forza dei legami, invitando il lettore a riscoprire il significato profondo di ciò che conta davvero, al di là del tempo che passa.

Il percorso di Ada Cullino Marcori si intreccia con quello dell’impegno sociale , in particolare verso i giovani emarginati. È una donna che lascia un’impronta tangibile grazie alla dedizione e all’attenzione per chi si trova ai margini, e questo si evince con chiarezza dalle pagine del libro.

Nicoletta Manetti scrive con passione e rigore , coniugando emozione e competenza storica. La narrazione si snoda fluida attraverso episodi, riflessioni e testimonianze, dando voce non solo a Ada, ma anche a chi ne ha raccolto l’eredità e la continua a custodire.

È un omaggio alla memoria, alle radici, e alla capacità trasformativa dell’amore materno . La lettura si rivela non solo arricchente, ma necessaria per chiunque voglia interrogarsi sul significato profondo della solidarietà e del senso di comunità.

Il libro si distingue per la capacità di invitare il lettore non solo a ricordare, ma a trasmettere alle nuove generazioni la forza dei propri valori e tradizioni . Ogni pagina è permeata da un senso di autenticità, dove il vissuto personale si fa racconto collettivo, e la memoria diventa ponte verso il futuro.

POESIE DA GAZA

Sat, 06 Sep 2025 06:05:49 GMT

Trentadue poesie di autori palestinesi

in gran parte scritte dopo il 7 ottobre 2023

Scritte a Gaza in una condizione di estrema precarietà, alcuni autori sono stati uccisi dai bombardamenti israeliani. Queste poesie divengono così come un’ultima preghiera o come un testamento poetico.

Testimonia lo storico israeliano Ilan Pappé nella prefazione: “scrivere poesie durante un genocidio dimostra ancora una volta il ruolo cruciale che la poesia svolge nella resistenza e nella resilienza palestinese. La consapevolezza con cui questi giovani poeti affrontano la possibilità di morire ogni ora eguaglia la loro umanità, che rimane intatta anche se circondati da una carneficina e da una distruzione di inimmaginabile portata”.

Questa raccolta, curata da Antonio Bocchinfuso, Mario Soldaini e Leonardo Tosti, propone una selezione di dieci autori palestinesi. Tra essi Heba Abu Nada è stata uccisa nell’ottobre del 2023 e Rafaat Alareer è stato ucciso nel dicembre del 2023.

Biochimica e poetessa cresciuta a Gaza, HEBA ABU NADA nel 2017 si classifica al secondo posto allo Sharif Award for Arab Creativity con il romanzo Oxygen is not for the dead. Nella raccolta sono state selezionate alcune memorie condivise in rete durante l’assedio di ottobre. Muore il 20 ottobre 2023 a Khan Yunis, uccisa da un bombardamento israeliano.

Osserva ancora Ilan Pappé: queste poesie sono a volte dirette, a volte metaforiche, estremamente concise o leggermente tortuose, ma è impossibile non cogliere il grido di protesta per la vita e la rassegnazione alla morte, inscritte in una cartografia disastrosa che Israele ha tracciato sul terreno”.

Nato a Gaza nel 1979, REFAAT ALAREER ha insegnato Letteratura inglese presso l’Università Islamica di Gaza, distrutta dai bombardamenti israeliani. La poesia If I must die è stata pubblicata in rete dall’autore pochi giorni prima di essere ucciso da un raid mirato dell’esercito israeliano, il 6 dicembre 2023.

Poetessa e Fotografa nata a Raineh, città araba in Israele, DAREEN TATOUR ha pubblicato diverse raccolte poetiche. Condannata più volte, è stata incarcerata per la poesia Resisti, o popolo mio, resisti loro, pubblicata in rete nel 2015.

Dice il traduttore Nabil Bey Salameh: “È un invito a vedere, a sentire, a vivere. Le poesie portano con sé il suono delle strade di Gaza, il fruscio delle foglie che resistono al vento, il pianto dei bambini e il canto degli ulivi. Sono una testimonianza di vita, un atto di amore verso una terra che non smette di sognare la libertà. In un mondo che spesso preferisce voltare lo sguardo altrove, queste pagine si ergono come fari, illuminando ciò che rimane nascosto”.

Nata nel campo profughi di al-Bureij di Gaza, HEND JOUDAH ha scritto poesie, canzoni, racconti e diverse sceneggiature per documentari. Ha collaborato con radio e televisioni di Gaza, ha fondato e diretto la rivista 28 Magazine di Gaza. La sua prima raccolta di poesie è intitolata Nessuno se ne va sempre.

Poeta di Gaza, Haidar al-GHAZALI finché gli è stato possibile ha studiato Letteratura inglese e Traduzione. Oggi la sua università è rasa al suolo. Dall’inizio dell’offensiva israeliana racconta l’assedio in versi, scrivendo ogni giorno, come lui stesso dice: “versi che sanguinano”.

Poetessa e scrittrice nata a Rafah (Gaza), NI’MA HASSAN è responsabile del gruppo teatrale Teatro Bokra Hola e del Foro Culturale e Artistico del Sud. È impegnata nell’uso delle arti per la cura dei bambini vittime di traumi di guerra.

Nato a Gaza, YAHYA ASHOUR è un poeta in esilio negli Stati Uniti da settembre 2023, Honorary Fellow all’Università della Yowa. La sua ultima raccolta A gaza of Siege and Genocide è stata pubblicata nel 2024 dall’editore Mizna. Le sue poesie sono tradotte in diversi paesi.

“Leggete queste poesie non solo con gli occhi ma con l’anima. Ascoltate la loro musica, il loro ritmo sottile. Che siano per voi un ponte alla comprensione, un inno alla dignità, e un ricordo che la bellezza, anche nelle situazioni più difficili, può ancora fiorire” Nabil Bey Salameh

L’ESTATE CHE UCCISO MIO NONNO l’ultimo romanzo di Giulia Lombezzi

Wed, 03 Sep 2025 10:54:16 GMT

La narrazione scorre con naturalezza, alternando

momenti divertenti a pagine di malinconica bellezza.

L’estate che ho ucciso mio nonno di Giulia Lombezzi tratta con elegante irriverenza le trame della memoria, della colpa e del passaggio all’età adulta. Con uno stile fresco, vivace e profondamente empatico, la storia racconta l'estate che ha trasformato per sempre la protagonista, portando il lettore a riflettere su ciò che resta nascosto dietro i gesti quotidiani e le verità non dette.

Il titolo è già una promessa di svelamento, di mistero e di introspezione . La protagonista è una giovane donna, alle prese con la fine dell’adolescenza e l’inizio di una nuova consapevolezza. L’estate che trascorre nella casa di famiglia diventa il palcoscenico su cui si svolge una sorta di indagine personale, in cui le vicende di parenti eccentrici, ricordi d’infanzia e piccoli grandi segreti si mescolano in una narrazione sospesa tra leggerezza e profondità.

Il nonno, figura centrale e misteriosa , occupa lo spazio emotivo e narrativo del racconto come un’ombra che non smette mai di essere interrogata. La protagonista, attraverso una scrittura diaristica e ironica, ripercorre quei mesi in cui tutto cambia: parole dette e non dette, gesti apparentemente casuali, il senso di colpa che si insinua tra le crepe dei rapporti familiari. Quella confessione iniziale si rivela pian piano come un gioco ambiguo tra realtà e finzione, tra la necessità di raccontare e il piacere di nascondere.

L’ironia è la chiave di volta : la protagonista guarda al mondo adulto con uno sguardo disilluso, ma mai cinico. La lingua del romanzo è fresca, senza artifici, capace di restituire la complessità delle emozioni con semplicità e precisione. L’autrice sa dare voce all’inquietudine della protagonista, al suo desiderio di comprensione, all’incapacità di arrendersi davanti ai misteri della famiglia. Leggendo si ha la sensazione di ascoltare una confidenza, di essere complici di un segreto che si svela pagina dopo pagina.

La figura del nonno si trasforma in un enigma che la protagonista cerca di decifrare , ma che rimane sempre avvolto in una nebbia di ricordi e suggestioni. L’atto “dell’omicidio” – reale o immaginato – è il pretesto per interrogare il passato , le dinamiche familiari, i segreti che ogni generazione si porta dietro. Il romanzo mette in scena una sorta di processo del cuore, dove la verità non è mai assoluta, ma sempre negoziata tra ciò che si ricorda e ciò che si inventa.

Oltre alla protagonista, il romanzo è popolato da una galleria di figure eccentriche e autentiche. Ogni personaggio, dal nonno enigmatico alla madre protettiva, dagli zii bizzarri ai vicini di casa, contribuisce a colorare il quadro di una famiglia mai del tutto normale, sempre pronta a sorprendere e a nascondere. Giulia Lombezzi eccelle nella caratterizzazione: nessun personaggio è scontato, tutti hanno una voce credibile e una storia che meriterebbe di essere raccontata a parte.

La protagonista è allo stesso tempo testimone e giudice, vittima e carnefice, in una narrazione che sfuma continuamente i confini tra bene e male, tra intenzione e destino. Il lettore si trova a parteggiare per lei, a comprenderne le contraddizioni, a sorridere delle sue paure e dei suoi slanci.

L’estate che ho ucciso mio nonno è un romanzo che colpisce per la sua capacità di parlare al cuore e alla mente del lettore. Attraverso la storia di una giovane donna che si confronta con il passato, la famiglia e la colpa, Giulia Lombezzi costruisce un racconto universale, divertente e doloroso, leggero e profondo. Bollati Boringhieri, nella collana Varianti conferma con questa pubblicazione la sua attenzione per le voci nuove e coraggiose della narrativa italiana.

Consigliato a chi cerca una lettura che sappia emozionare

 senza mai cadere

nel patetico, a chi ama i romanzi di formazione e le storie familiari,

a chi vuole lasciarsi sorprendere da una penna capace di raccontare

la vita con sincerità e intelligenza.

A voce nuda di MICHEL FABER edito da Einaudi

Sun, 31 Aug 2025 18:04:53 GMT

Un romanzo che si insinua nei meandri dell’animo umano

con la delicatezza di una melodia appena sussurrata

e la forza di un urlo trattenuto.

La storia si svolge in un mondo apparentemente ordinario, ma percorso da tensioni sotterranee che disorientano e attraggono il lettore. I protagonisti, tratteggiati con una capacità di introspezione rara, si muovono in scenari che oscillano tra il quotidiano e il surreale, tra il conforto della routine e il fremito dell’ignoto.

Faber adotta una scrittura limpida ma mai banale , intessuta di dialoghi taglienti, silenzi eloquenti e una lirica attenzione ai dettagli più minuti. Ogni parola sembra scelta con la cura di chi sa che anche il più piccolo suono può dare forma a un’emozione.

Il romanzo esplora il senso di appartenenza, il desiderio di essere ascoltati e l’urgenza di esprimersi senza filtri: la voce nuda, appunto. Si percepisce un costante interrogarsi sull’identità, sulla capacità di comunicare davvero con l’altro e sul coraggio necessario per mostrarsi autentici in una società che spesso impone maschere e reticenze.

Le relazioni tra i personaggi, ricche di non detti e di gesti minimi, rivelano la vulnerabilità o la forza che si celano dietro la superficie quotidiana. Faber ci invita a spogliarci di sovrastrutture, a lasciare che risuoni ciò che, spogliato da ogni artificio, ci rende davvero umani. La propria unica voce.

L’atmosfera del romanzo è densa, talvolta rarefatta, quasi sospesa. L’autore gioca con i contrasti : il calore di un abbraccio improvviso e il gelo di un segreto, la luce di una rivelazione improvvisa e le ombre che si stendono nei pensieri più cupi.

I simbolismi disseminati lungo la narrazione invitano il lettore a interrogarsi, a cercare un significato ulteriore dietro le azioni più semplici. La voce nuda diventa metafora del rischio e della bellezza dell’esposizione emotiva.

A voce nuda è un romanzo che non teme la complessità : la abbraccia, la attraversa, la restituisce in forma di racconto potente e coinvolgente. Michel Faber ci regala pagine che rimangono addosso, che invitano a riflettere e, forse, a trovare il coraggio di ascoltare – e donare – la propria voce autentica.

Consigliato a chi ama la letteratura che scava, che non si accontenta delle superfici e che cerca nell’intreccio narrativo uno specchio, a tratti impietoso, dell’animo umano.

La storia di BEATRICE CENCI raccontata da NICOLETTA MANETTI

Fri, 29 Aug 2025 11:48:48 GMT

Un appassionante viaggio nella storia e nella tragedia come soltanto Nicoletta Manetti riesce a fare con la sua abituale maestria

Il romanzo di Nicoletta Manetti “Io, Beatrice Cenci, una ragazza romana” edito da Pontecorboli, tocca tematiche profonde e universali, come la giustizia, la violenza domestica, la ribellione contro l’oppressione e il ruolo delle donne in una società patriarcale. Con le drammatiche vicende di Beatrice l’autrice spinge il lettore a riflettere sul prezzo della libertà e sul significato di resistere contro l’ingiustizia e la violenza, in particolare, quando perpetrate a danno delle donne in una società patriarcale e maschilista, tema che risuona ancora oggi con grande intensità.

Figlia di un nobile romano noto per la sua crudeltà, Beatrice Cenci è al centro di questo romanzo storico. La giovane vive una vita segnata da violenze e soprusi, fino a quando decide di ribellarsi contro il padre tirannico e organizzare un piano per liberarsi di lui, che purtroppo fallirà. Il processo che ne seguirà mostrerà ulteriori soprusi a danno della giovane e il dramma giudiziario culminerà in una condanna e l’esecuzione della pena capitale.

Nicoletta Manetti, come è sua cifra stilistica, si conferma anche in questo come nei precedenti romanzi storici, maestra di una narrazione affascinante e coinvolgente, capace di esplorare nel profondo le psicologie dei personaggi e tutti i loro drammi interiori.

Inoltre, l’autrice riesce a rendere palpabili le atmosfere cupe e oppressive di Roma del XVI secolo, grazie all’accuratezza con cui ricostruisce i luoghi, come palcoscenici su cui si gioca il destino di Beatrice e degli altri personaggi a lei collegati, tra la corruzione delle gerarchie ecclesiastiche e il silenzio complice della società. Infatti, Beatrice Cenci non è dipinta solo come una vittima, ma anche come una giovane donna piena di forza interiore, capace di affrontare l’ingiustizia con una determinazione sorprendente .

Manetti adotta uno stile fluido e poetico, alternando descrizioni evocative a dialoghi incisivi, che catturano il lettore fin dalle prime pagine. La sua prosa è ricca, ma mai pesante, e riesce a trasmettere emozioni profonde senza cadere nella retorica. Il ritmo del romanzo è ben calibrato, con momenti di tensione che si alternano a riflessioni più intime, creando un equilibrio perfetto tra dramma e introspezione.

L’anniversario di ANDREA BAJANI vincitore del premio Strega

Thu, 28 Aug 2025 14:24:43 GMT

Un libro capace di illuminare con delicatezza le zone d’ombra dell’animo umano e di offrire al lettore un momento di autentica introspezione.

Andrea Bajani ha tessuto una trama che ruota attorno a un gesto apparentemente semplice: il ritorno annuale in un luogo carico di assenza. Sono proprio le assenze, i silenzi, le parole non dette, a costruire l’architettura narrativa di questo libro, lasciando che sia il vuoto stesso a parlare. La voce dell’autore è volutamente fredda, distaccata, distanziata al punto che pare essere un osservatore che guarda senza subire emozioni. Lo straniamento del lettore è amplificato anche dal fatto che non conosce i nomi dei personaggi, ma soltanto i loro ruoli: padre, madre, sorella, donna, uomo ecc. Questo è sembrato per alcuni un limite o un difetto, è invece un’attraente peculiarità della cifra stilistica di Andrea Bajani. Molta parte della storia è strutturata con il narratore che racconta fatti o sentimenti a cui non ha partecipato direttamente, ma sono riportati dai vari personaggi che l’hanno vissuti.

Il tema centrale del romanzo è la perdita: non solo quella fisica, ma anche quella emotiva e spirituale. Bajani affronta il lutto con delicatezza, evitando ogni retorica ed ogni eccesso. Il dolore è un compagno silenzioso, che si insinua in ogni gesto e pensiero del protagonista. La scrittura cerca la verità nei dettagli minimi: una mano che sfiora una fotografia, il rumore di passi in una stanza vuota, la luce che filtra da una finestra.

La memoria diventa il filo conduttore dell’opera , un territorio ambiguo dove ciò che è stato si confonde con ciò che ancora persiste. Il protagonista si interroga sulla propria identità, sul ruolo che il ricordo della moglie continua a giocare nella sua vita. Bajani suggerisce che l’identità non è mai stabile, ma si ridefinisce continuamente nel dialogo fra assenza e presenza. I luoghi, le abitudini, persino i silenzi, sono parte di questa incessante ricerca.

Il viaggio non è soltanto uno spostamento fisico, ma un percorso interiore che conduce il protagonista alla consapevolezza del proprio dolore. L’anniversario diventa una soglia, un momento di sospensione in cui il protagonista si misura con il passato , accetta la ferita e prova a ricomporre se stesso. Bajani restituisce con grande finezza la fatica di questo viaggio: ogni passo è una negoziazione con la memoria, ogni angolo della città è carico di simboli e rimandi.

La prosa di Bajani si distingue per una sobrietà elegante , capace di restituire con poche parole la complessità delle emozioni. Il ritmo è lento, meditativo, fatto di frasi brevi e intense, che invitano il lettore alla riflessione. Non c’è mai ostentazione, ma nemmeno aridità: la scrittura diventa uno strumento per esplorare l’inesprimibile, per dare forma all’indicibile. L’autore predilige i dettagli, i gesti minimi, le pause, costruendo un tessuto narrativo che avvolge il lettore e lo accompagna nel viaggio del protagonista.

“ L’anniversario ” è un romanzo che rifiuta le soluzioni consolatorie . Bajani non offre risposte semplici, ma invita il lettore a interrogarsi sulle proprie ferite, sulle proprie assenze. È un libro che si legge lentamente, che richiede concentrazione. La forza della narrazione non sta nella trama, ma nell’atmosfera, nella capacità dell’autore di creare uno spazio di intimità, dove ciascuno può riconoscere il proprio dolore.

L’opera si inserisce in una tradizione letteraria che fa del lutto e della memoria i propri temi fondamentali, ma li affronta con uno sguardo originale, lontano dagli stereotipi . Bajani riesce a evitare il sentimentalismo, affidandosi a una scrittura asciutta e precisa, che lascia spazio al lettore e al suo vissuto.

Bajani utilizza l’ambientazione urbana per sottolineare il senso di straniamento del protagonista . La città non viene mai descritta nei suoi particolari realistici, ma rimane vaga, sfumata, quasi onirica. I luoghi acquisiscono un valore simbolico: la camera d’albergo, il caffè, la piazza, sono spazi di passaggio dove il protagonista si confronta con il proprio dolore. La pioggia, il cielo grigio, le luci soffuse accentuano il clima di malinconia che pervade il romanzo.

Il romanzo suggerisce che la memoria non è mai definitiva, che la perdita continua a riplasmare la nostra vita anche dopo molti anni. Il dolore non si supera, ma si impara a convivere con esso , a lasciarlo sedimentare dentro di noi. L’anniversario diventa così un’occasione per riflettere sulla natura effimera dell’esistenza, sulla fragilità dei legami, sulla necessità di ricordare.

Alla fine del viaggio, il protagonista non trova risposte, ma accetta la propria condizione, riconoscendo che il dolore è parte integrante dell’identità. Bajani ci invita a guardare dentro di noi, a non fuggire dal ricordo, ma a farne uno strumento di conoscenza e di crescita.

La collana STRANIERI A FIRENZE dell’Editore Pontecorboli

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 24 Jun 2025 14:07:18 GMT

Firenze non è stata soltanto tappa di grand tour, ma un luogo magico dove artisti, letterati e scienziati stranieri hanno, tra fine Ottocento

e primi Novecento, attinto molte delle loro ispirazioni

La collana è stata inaugurata da Gli anglo-fiorentini nell’Ottocento a Firenze: luoghi passioni e segreti di Paola Maresca. Un appassionante racconto che ci fa sedere nei salotti dei Browning, dei Trollope dove si parla di Miss Uragano, di spiritismo, dei fantasmi di Henry James e di tanto altro.

La stessa autrice in Edoardo Shuré e Margherita Albana Mignaty a Firenze ha raccontato l’appassionante storia d’amore tra Albana e Edoardo che è divampata come un colpo di fulmine tra i cenacoli delle menti più brillanti nella metà dell’Ottocento a Firenze.

Il noto libertino, il Marchese De sade, soggiornerà a Firenze fra l’agosto e l’ottobre del 1775, tre mesi molto intensi ricostruiti con maestria da Valerio Cantafio Casamaggi nel suo libro Il marchese de Sade a Firenze nel 1775

Tre principesse francesi a Firenze di Roberto Mosi ci parla delle sorelle Bonaparte: Carolina, Paolina ed Elisa attraverso lo sguardo della loro dama di compagnia Sylvia Boucot che ci tramanda, per mezzo delle confidenze raccolte, i loro amori, il rapporto con il potere, le angosce dopo la sconfitta dell’Imperatore Napoleone.

Di un’altra Bonaparte ci parla Caterina Perrone in Marie Laetitia Bonaparte Wise Rattazzi a Firenze esplorando, in modo raffinato, gli scandali e i contrasti dopo il suo arrivo, insieme al marito Urbano Rattazzi, nei salotti della Firenze Capitale, non proprio abituati al modo di vivere francese.

Dalla sapiente penna di Alba Avarello esce Anatole France e Firenze , il Premio Nobel per la letteratura del 1921 che nel periodo di soggiorno a Firenze ha scritto Il giglio rosso .

Per parlare del grande Albert Einstein durante il suo soggiorno a Firenze, Valeria Rondoni e Paolo Bulletti nel loro Albert Einstein e Firenze partono da un singolare episodio, quando il celeberrimo fisico si mise a suonare il violino sul sasso del Monastero di San Francesco a Fiesole.

Non mancano i tedeschi: il poeta R. M. Rilke, con Diario fiorentino - R. M. Rilke e Lou Salomè di Roberto Mosi, e Gisella Selden Goth e Trudy a Firenze , madre e figlia, musicologa e danzatrice, che tanto hanno contribuito alla cultura musicale fiorentina del Novecento, di Maria Dina Tozzi.

Nicoletta Manetti ha esplorato, con la sua consueta precisione storica e capacità di emozionare il lettore, la vita di tre coppie famose.

In Anja e Dostoevskij a Firenze , Nicoletta Manetti ci parla del travagliato periodo fiorentino della coppia, tra attacchi epilettici e miseria, sbalzi d'umore e stupore per la nuova gravidanza di lei;

In D.H. Lawrence e Frieda a Firenze , Nicoletta Manetti segue il celebre poeta britannico che, nel suo continuo e inquieto peregrinare, trova nell'ammirata Flowery Tuscany l’armonia vagheggiata e l’ispirazione per il suo più famoso romanzo: L’amante di Lady Chatterley.

In Gertrude Stein e Alice B. Toklas a Firenze , Nicoletta Manetti ci mostra due donne innamorate di Firenze e delle sue colline, dove si sono dichiarate il loro amore. Due donne molto diverse ma anche simili: entrambe americane di origine ebraica e tedesca, appassionate di arte e cultura, tanto da supplire alla scarsa avvenenza con ben altra bellezza che le riempie e le stupisce.

Le foto sono relative all’evento di giovedì 19 giugno 2025 al Giardino delle Rose di Firenze , lo spazio estivo a ingresso libero in via Giuseppe Poggi 2 che alle 18.00 ha ospitato l'incontro di presentazione della collana editoriale Stranieri a Firenze sulle sue colline tra Ottocento e Novecento , edita da Angelo Pontecorboli . Erano presenti l’editore e alcuni autori; ha moderato Paola Maresca.

IL MONDO POETICO DI PIETRO BROGI

Sat, 31 May 2025 13:10:28 GMT

I nterrogarsi sul senso cosmico dell’individuo e della collettività

Per scoprire le numerose tematiche che hanno attraversato la poetica di Pietro Brogi nella sua lunghissima carriera letteraria, iniziata con le prime liriche di pochi versi negli anni Settanta, la cosa migliore è dare voce al poeta stesso .

La frase "combattere l'effimero per abbracciare il reale" è attribuita al poeta e scrittore francese Eugène Ionesco, esponente del teatro dell'assurdo. L'espressione riflette il suo interesse per la condizione umana e la ricerca di autenticità in un mondo spesso caratterizzato dall'apparenza e dalla superficialità. Ti ci ritrovi in questa frase?

Per prima cosa aggiungerei “ma il reale è sempre effimero” introducendo il concetto di problematicità, che tenterò di spiegare ‘con leggerezza’, quella leggerezza che auspicava Calvino nelle sue ‘Lezioni americane’ prendendo un reale leggero meno di una piuma: ‘un petalo di rosa’ che potrebbe essere un ricordo reale e tangibile riposto da una ragazza tra le pagine di un libro per ricordare il momento in cui un ragazzo le donò un fiore, pregustando un futuro, di ore? Di anni? Di una vita? Lo stesso petalo potrebbe invece avere avuto una vita diversa, sparso insieme ad una moltitudine di altri su una strada percorsa da un tiranno che voleva manifestare così il suo potere; eppure anche in quel caso c’entrava una ragazza, lo aveva sparso, con il cuore ricolmo di amore per quello che per lei era un dio in terra, massima espressione della potenza. Ho risposto? Ho tentato di aggiungere qualche elemento di riflessione con parole che cercano di cogliere sempre quanto non si possa rispondere a qualche domanda.

Vorrei dirti qualcosa Maestro

Maestro che un giorno dicesti:

‘non sono tuoi questi versi’

Non l’ho più quella poesia,

parlava di bimbi e di prati

e quel maestro, io credo,

è divenuto direttore.

Un’altra volta colpisti

perché qualcuno non ascoltava

le tue parole.

Quel qualcuno guardava fuori

i prati verdi e le cose,

ascoltava il mondo,

perché delle tue parole

non sapeva che farsene.

Eppure una volta

ti vidi un sorriso

e fu quella volta

che avesti in regalo

una qualche bottiglia:

un prezzo non alto,

per un sorriso.

Pietro Brogi, inedito

I tuoi libri sono sempre dedicati a persone care di famiglia ma anche ai maestri. Chi sono quelli che hanno avuto più influenza nel tuo essere poeta?

L’armonia delle parole credo mi sia venuta dai tanti proverbi, modi di dire, pochi versi, spesso rimati; come si usava alle elementari negli anni cinquanta/sessanta, si mandavano a memoria lunghe poesie del Manzoni o di Leopardi, che è il poeta più completo e profondo che conosco, ma anche del Giusti che ha quella splendida ironia che ci fa vedere come anche cose terribili, come la ghigliottina, possono essere prese con ‘leggerezza’ ma tanta profondità.

Raccontaci l’esperienza della lettera di Giuseppe Ungaretti e quanto ha influito sulla tua formazione letteraria e poetica.

Non è indirizzata a me … Ungaretti aveva raggiunto il battaglione dove combatteva mio nonno ed ha risposto ad una lettera che dopo la guerra gli aveva scritto mio nonno. Non credo abbia influenzato la mia poesia. Se mai qualcosa di genetico proveniva da mio nonno, sicuramente lettore di poesia, anche se non scrittore, e da mia madre, scrittrice di poesia oltre che infaticabile lettrice.

Gli studi di ingegneria meccanica hanno avuto influenza sulla tua poetica?

Non credo, semmai mi ha facilitato lo studio della metrica, la tecnica che uso per cercare di trovare elementi comuni nel ‘significante’ di alcune poesie, ma comunque non era presente nel mio bagaglio di conoscenze quando già scrivevo poesia da decenni.

Le prime poesie erano di pochi versi, anche se dense di significato e trattavano delle disarmonie della vita con lo stupore giovanile. Poi le strofe sono cresciute di numero e hai trattato svariate tematiche. Ti è rimasto lo stupore fanciullesco o la sapienza intellettuale ha avuto il sopravvento?

Qualche poesia più lunga era già presente tra quelle pseudo pubblicate e poi titolate ‘Acerbi Versi’ ma anche le prime del ‘Cantastorie’ sono abbastanza lunghe e scritte, dopo Acerbi Versi ma sempre nei primi anni ‘70. Quando riesco a sorridere con l’ironia di Giuseppe Giusti credo venga fuori il mio essere ancora giovane..

Le tematiche delle tue poesie, dato anche la vasta produzione, sono moltissime: sentimenti di amore o di morte, ricordi, spunti di felicità, visioni di paesaggi, prese di coscienza, illusioni, disagio esistenziale, incertezza della vita, fragilità dell’essere, condizionamenti sociali: insomma c’è moltissima carne al fuoco, ma se tu dovessi dare una priorità quali sono per te le più importanti, o quelle che più ti rappresentano?

Tutte rappresentano qualche istante del mio essere ed è difficile dare priorità: a volte sono importantissime per me come individuo, a volte abbraccio la visione di una parte della natura o della società. Quando riesco a raggiungere la sensibilità degli altri, dandogli qualcosa, allora penso di essere riuscito nel mio intento.

Non è facile trovare una costante del tuo linguaggio poetico, un filo conduttore che accomuna le poesie dalle prime degli anni 70 a quelle attuali, ma se proprio vogliamo trovarla questa costante potrebbe essere l’entusiasmo, il calore, il senso di armonia. Sei d’accordo?

Quando quello che dico a me stesso viene condiviso dagli altri allora mi sembra di avere raggiunto qualcosa ed è meglio raggiungerlo con quella leggerezza di cui parlavamo prima.

Le diversità di tematiche delle tue poesie sono messe in risalto dalle variazioni sonore e ritmiche. Tu sei anche uno dei pochi poeti attuali che scrive in metrica e con la rima. Quanto e come lo senti tuo questo linguaggio poetico?

In parte ho risposto: non è con la metrica che si possa fare poesia, si può cercare di studiarla, trovando coincidenze, differenti nelle varie lingue e nei vari periodi storici, ma anche divergenze. Facile citare che dopo il Pascoli nella metrica italiana è stato introdotto il concetto di interferenza fra la vocale iniziale di un verso con la vocale del verso precedente. Quello che è importante nello scrivere poesia è interpretare nel pensiero il suono delle parole ed insieme il ritmo.

Quasi tutte le poesie sono dense di significato e approfondimenti introspettivi. Spiega perché prediligi un approccio così sapiente. Quando hai utilizzato la leggerezza nelle tue liriche?

Le poesie del Cantastorie credo siano quelle che abbiano la maggiore leggerezza, associata talvolta all’ironia. Quando riesco a scrivere una ‘fiaba’ e forse riesco a interessare anche bambini, per me è un grande risultato. A volte però anche alcune poesie sembrano pesanti ma lo sono perché vanno in profondità e talvolta si può leggere con leggerezza anche la profondità.

Una delle poesie più belle è “Incedere incerto”, un fraseggio poetico che affronta un marcato disagio esistenziale. È un tuo momento di fragilità personale, oppure si tratta della incertezza dell’esistenza umana in genere?

Credo di avere risposto a questo nella prima domanda: la problematicità, la condizione provvisoria dell’esistenza che ci permette solo di vedere delle ombre, cercando di capire se esistano anche dei corpi ‘veri’ oppure cercando di prefigurare delle anime, immaginare delle realtà non umane, dargli un senso ed un verso accettando il divino come essenza non conoscibile ma parte di sé stessi… beh ci hanno provato e provano ancora in tanti a dare una risposta…

Guardare da una finestra o seguire un treno scatenano la tua fantasia onirica, che poi attraverso la poesia diventa cronaca di vita sociale, vissuto quotidiano. Sei d’accordo sulla considerazione che la vasta gamma di tematiche è la tua peculiarità artistica? Ha influito sulla cifra stilistica?

Interessarsi di tutto ma a volte anche cercare di cogliere il particolare: le rappresentazioni degli alberi che facevo da giovane, in cui disegnavo il tronco insieme ai rami che si alzavano dinoccolandosi e poi le singole foglie appiccicate sopra questi rami, danno il senso generale ma fanno anche intravedere la mancanza del contorno ‘chioma’.

“Un mondo di niente dominato da paure, odio e sospetto” è una citazione da “Spesso … è un mondo di niente”, l’ultimo libro del 2022, dal titolo si capisce l’approccio verso il mondo la società del mondo contemporaneo. È vero che questa crisi esistenziale è presente anche nella prima raccolta?

Questo libro è stato da una parte ritardato e dall’altra molto influenzato dal periodo della pandemia che mi ha costretto a scrivere e pubblicare un saggio: ‘Ve lo do io il Covid’ in cui attraverso la narrazione di fatti cercavo di far vedere come una banale cosa come la paura della morte (che è la realtà mai smentita e sempre presente nella vita) potesse influenzare le scelte dei potenti e dei ‘mass media’ costruendo un mucchio di ‘balle’ spacciate per certezze scientifiche che hanno abbindolato la maggior parte delle persone e questo particolarmente in Italia, in cui si sono fatti anche errori come la chiusura delle scuole protratta per due anni, cosa che si ripercuoterà per almeno due generazioni, con la scusa poi che potevano contagiare i nonni (per i giovani i rischi gravi non esistevano).

Le cronache del web, le notizie quotidiane che ci invadono nei momenti della giornata, le critiche al mondo quotidiano, la pandemia, sono tematiche attuali che ti intrigano molto; come riesci a trasmettere il linguaggio dolce e malinconico a tematiche così razionali e travagliate?

Come ho detto sopra nel caso della pandemia ho dato una risposta che consegnasse alla ‘storia’ un documento. Menomale che l’ho fatto... poco tempo fa ricordavo quando era stata fatta una legge che rendeva la vaccinazione antiCovid obbligatoria ed una persona, addirittura un medico, sosteneva che l’obbligo c’era solo per esercitare la professione medica e non per tutti quelli sopra una certa età come è in realtà era successo. Tra poco si sarà anche dimenticato che era una balla, che si sapeva, che il vaccino non impediva il contagio, eppure anche l’allora Presidente del Consiglio non si è scusato, che io sappia, per avere dichiarato in televisione che con il certificato verde di vaccinazione si era liberi dal contagio.

Sei pessimista o ottimista verso il futuro umano?

L’umanità bene o male, con alti o bassi ha sempre progredito nell’esistenza, il chè è già un passo avanti, mi accontenterei che la media delle persone che saranno presenti fra mille anni avessero metà della sapienza e umanità di Seneca, senza però che esista un potere che li costringa a morire. I mezzi tecnologici attuali consentono facilmente di azzerare la quasi totalità dell’umanità e purtroppo siamo così deboli da lasciarlo anche accadere.

Per concludere, una domanda sulla pubblicazione delle tue poesie: perché preferisci il self publishing rispetto alle case editrici di altri editori?

La gran parte degli Editori disponibili è a pagamento: l’autore paga un certo numero di copie oppure addirittura un importo fisso e, nonostante ciò, viene costretto a firmare un contratto che vincola l’opera per un certo numero di anni. È vero che generalmente viene concesso l’uso di porzioni per antologie e pubblicazioni su internet ma è necessario richiedere ogni volta il consenso. La combinazione di questi due fattori ha fatto si che scegliessi di pubblicare come auto editore, mi rimangono tutti i diritti e spendo poco più; i miei libri sono provvisti di ISBN e sono ordinabili in quasi tutte le librerie, fisiche e on-line.

POESIE (2019): Si può definire il mare 'liquido cielo'? La poesia ci dice di sì. Presentati in questo volume tanti anni di emozioni, riflessioni, immagini in quattro raccolte messe a disposizione dei lettori: 'Acerbi versi': forti sensazioni di gioventù; 'Cantastorie': fiabe in poesia; 'Incedere incerto': riflessioni ed emozioni; Dedicato a personaggi, persone, luoghi.

VE LO DO’ IO IL COVID (2022): Pandemia Covid 19: due anni e mezzo di notizie, dati, decreti, falsità propinate come 'scientifiche' ci riportano ai tempi di Galileo e Copernico, quando il potere si permetteva, con la complicità di una falsa comunicazione e di falsi scienziati asserviti, di confutare verità, di imporre credenze, di dettare iniquamente legge.

SPESSO…UN MONDO DI NIENTE (2022): Si mescolano in questa raccolta tante sensazioni, vissute anche in un tempo in cui fattori contingenti hanno soverchiato valori e pensieri che più sarebbero consoni all'Umanità. Cerchiamola questa Umanità nella Storia, nella Spiritualità nella Relazione con gli altri.

Le foto sono relative all’evento di martedì 27 maggio nella Sala ex Leopodine

in Piazza Tasso a Firenze organizzato dalla Camerata dei Poeti con l’introduzione

di Carmelo Consoli e Silvia Ranzi . Letture di Valeria Cirillo .

Una visita nel CAVEAU della MANIFATTURA TABACCHI di Firenze

Thu, 15 May 2025 15:39:42 GMT

Luoghi inconsueti, macchinari, serramenti, oggettistica e materiali accuratamente recuperati per conservare la memoria

della Manifattura Tabacchi di Firenze

La Manifattura Tabacchi di Firenze, inaugurata nel 1940, dava lavoro a più di 1400 operai, per la maggior parte donne, le celebri “sigaraie” che sono state in prima linea nel movimento di liberazione antifascista e protagoniste di numerose manifestazioni sindacali, come il grande sciopero avvenuto il 3 marzo 1944.

L'idea di realizzare una nuova sede per la manifattura dei tabacchi è degli inizi degli anni Trenta per la necessità di riunire in un unico edificio le lavorazioni allora divise nell'ex convento di Sant'Orsola e nella chiesa sconsacrata di San Pancrazio. Nel 1999 passò di proprietà all’Ente Tabacchi Italiani e cessò di operare nel 2001.

Il progetto della Manifattura Tabacchi, un complesso di 16 edifici su un’area di 100.000 mq., è ufficialmente dei tecnici del Monopolio, ma nell'eleganza e nella modernità delle linee architettoniche si notano chiaramente le mani dell’ingegner Pier Luigi Nervi e dell’architetto Giovanni Bartoli.

Lo stile architettonico è quello del razionalismo italiano del primo dopoguerra, caratterizzato dalla ricerca di modernità e dinamicità spesso declinata in austera semplicità delle forme.

Secondo i canoni architettonici modernisti, la struttura doveva essere funzionale all’uso a cui era destinata, e tutto doveva essere subordinato a questo obiettivo.

Il bello è ciò che risulta funzionale, questo era il canone estetico, ma l'armonia emerge dalla s celta dei materiali e dalla chiarezza geometrica della struttura. Gli edifici della Manifattura vengono lodati dalla critica per l’equilibrio, la linearità architettonica e il dinamismo spaziale.

La Toscana è stata un importante centro di coltivazione di tabacco e produzione di sigari, specialmente Firenze e Lucca, sin dal 1574 quando il Cardinale Niccolò Tornabuoni regalò dei semi di tabacco Kentucky, ricevuti dall’America, al nipote vescovo di Sansepolcro, che a sua volta li donò al Granduca Cosimo I dei Medici che ne intuì il valore e ne favorì la coltivazione.

Nel 1810 la Manifattura Tabacchi, che fino a quel momento aveva avuto sede nell’ex convento di Santa Caterina di via delle Ruote, venne trasferita negli ampi locali dell’ex monastero di Sant’Orsola in via Guelfa.

Durante le fasi del trasloco una notevole quantità di tabacco, lasciato allo scoperto, fu bagnato dalla pioggia e poi fatto essiccare troppo a lungo compromettendone la qualità .

Per evitare di distruggerlo, causando un notevole danno economico, si cercò di rimediare riutilizzando le foglie troppo secche per confezionare sigari di minore qualità e mettendoli in commercio a un costo più basso. La convenienza del prezzo ne decretò il successo di vendita anche per le classi sociali più povere, in particolare operai e contadini e la manifattura si affrettò a iniziarne subito la produzione. Nasceva così il sigaro toscano , ancora oggi tanto apprezzato e diffuso.

Gli addetti alla produzione dei sigari erano migliaia . Tra le due guerre, in Italia erano 16.000, a Firenze erano 1400, quasi tutte donne. La lavorazione era fatta tutta a mano. Le "sigaraie" dovevano scegliere le foglie migliori e adatte alle varie lavorazioni, poi dovevano arrotolare le foglie una per volta. In un giorno, a volte anche di 14 ore, facevano 500 pezzi a testa, poi controllati, essiccati e confezionati.

Le sigaraie fiorentine hanno avuto una funzione fondamentale nella storia della città. Hanno costituito il primo esempio di organizzazione ed emancipazione femminile , hanno avuto indipendenza economica e dignità professionale, a quei tempi non facile da ottenere. Organizzate in Leghe e solidali tra loro, le sigaraie sono state protagoniste di lotte e scioperi memorabili.

Nel marzo del 1944, quando il fronte stava per raggiungere Firenze e la Manifattura, le sigaraie scioperarono per potere correre subito nei rifugi durante gli allarmi per i bombardamenti aerei, senza dover subire la consueta perquisizione, poiché sempre sospettate di rubare i sigari.

I controlli venivano effettuati con questa macchina definita IMPARZIALE, una campionatura casuale che però non lo era dato che veniva azionata da un uomo che si nascondeva dietro al macchinario e decideva chi controllare o meno, era lui che accendeva il bottone rosso o quello verde.

All’esterno l’attuale Teatro Puccini che, all’epoca della costruzione della Manifattura, costituiva la sede del Dopolavoro per i dipendenti e le loro famiglie. Il Fascismo promuoveva le attività culturali e ricreative, anche se principalmente per motivi di propaganda e di controllo politico.

La torre del Dopolavoro , rivestita di pannelli in vetrocemento, come quelli dell’Edificio dell’Orologio, è una copia della Torre di Maratona dello Stadio Comunale, progettato dallo stesso Pier Luigi Nervi.

Non ha altra funzione che contenere la scala per raggiungere la sommità, visibile quando la torre è accesa e risplende nella notte. Serviva come elemento di monumentalità , un’insegna che viene in avanti come la prua di una nave.

Altri elementi di retorica architettonica fascista sono la forma della facciata che ricorda un’aquila e il bassorilievo che rappresenta le Madri Operaie, dello scultore Francesco Coccia, con la particolarità che ci sono raffigurati soltanto uomini.

La visita alla Manifattura Tabacchi è organizzata in collaborazione

con il Quartiere 1 del Comune di Firenze ed è prenotabile.

La mostra MESSAGGERE nelle sale del primo piano del MUSEO NOVECENTO di Firenze

Wed, 14 May 2025 18:05:39 GMT

In un’epoca così complessa, drammatica e distruttiva può l’arte essere concepita come una pratica spirituale?

L’arte può liberare il desiderio di sognare, evoca delle visioni, può trasmettere un messaggio. Una specie di “spiritualità pratica” che non è un ossimoro ma una forza interiore che può creare spazi di pensiero che possono sfociare in comportamenti pratici di resistenza e di confronto in un periodo storico particolarmente difficile come quello attuale.

Le artiste che si sono cimentate in questo approccio originale sono una nuova generazione: Chiara Baima Poma (1990, Cuorgnè, Torino), Fatima Bianchi (Como, 1981), Lucia Cantò (Pescara, 1995), e Parul B. Thacker (Mumbai, 1973).

PARUL THACKER Portal - materiali vari 2018-2024

In una società ossessionata dal profitto, dall’efficienza, dal successo invitano lo spettatore a soffermarsi sui movimenti più intimi dell’animo umano. Presentando certezze e mettendole in discussione, nel tentativo di sgretolare il pensiero dominante, cercano di indicare strade diverse di approccio ai nostri convenzionali modi di interpretare il mondo.

CHIARA BAIMA POMA Dieuredieuf Serigne Touba - collage, 2024

Le artiste, diverse per provenienza, formazione e modalità espressive, sono accomunate da una ricerca che attinge ai sentimenti più profondi del genere umano e sembra esprimere interesse per tematiche legate alla spiritualità.

Attraverso opere di recente produzione e interventi site-specific ideati appositamente per il Museo Novecento, la mostra consentirà di condurre un’indagine sul rapporto tra arte e spiritualità, istituendo un inedito dialogo tra pratiche molto distanti tra loro.

CHIARA BAIMA POMA Touba - collage, 2024

In contemporanea con la retrospettiva di Marion Baruch, la mostra Messaggere si trova nelle sale del primo piano del Museo Novecento e lungo il Loggiato. Le artiste sono tutte diverse per provenienza, cultura, formazione e modalità espressiva, ma sono accomunate dal desiderio di toccare le corde più intime dello spettatore. Se ci sono riuscite non possiamo dirlo a priori se non visitando la mostra, ognuno avrà le risposte emotive e intime proprie.

In un’epoca così complessa, drammatica e distruttiva può l’arte essere concepita come una pratica spirituale? Questa è la domanda che si sono poste le organizzatrici della mostra MESSAGGERE al Museo Novecento fino all’8 giugno.

Un Passo Avanti Tanti Dietro la mostra di MARION BARUCH a Firenze

Mon, 12 May 2025 14:04:22 GMT

Sono nata molto vecchia per ringiovanire vivendo (Marion Baruch)

Le sale situate al primo piano del Museo Novecento di Firenze ospitano la più grande retrospettiva dedicata in Italia a Marion Baruch, artista eclettica e cosmopolita.

Nella sua lunga carriera ha esplorato diversi medi a, materiali e discipline artistiche, dalla pittura alle arti visive, dalla moda al design, alla scultura su bronzo e su legno.

Non è possibile percorrere in maniera lineare la carriera artistica di Marion Baruch, costellata da continui cambiamenti e nuove esperienze . Si notano però alcune costanti creative come quelle relative al linguaggio, al lavoro, alla migrazione, al femminismo, al patriarcato, alla società dei consumi e a internet.

Infatti, il titolo della mostra “Un passo avanti tanti indietro” si ispira a un’opera in tessuto e vuole evocare l’attitudine al dinamismo di questa artista sempre attenta sia al passato che al futuro.

Nata a Timisoara nel 1929, parla sette lingue ma non si sente di appartenere a nessuna nazione perché è cresciuta nell’odio etnico tra ungheresi e romeni. Il fatto che suo nonno abbia pagato con la vita il suo nazionalismo l’ha segnata per sempre .

Ha studiato il linguaggio degli agricoltori romeni che sono emigrati in Europa dopo la caduta del muro di Berlino, i quali utilizzavano parole ungheresi credendole romene. Due popoli che si combattevano ma avevano la stessa lingua.

La potenza del linguaggio l’ha definitivamente catturata mentre realizzava Displacement for , una serie di tarocchi in più lingue per la mostra “Money Nations” alla Shedhalle di Zurigo nel 1966.

CONTENITORE-AMBIENTE - con Agenzia Fronzoni, 1970

Gli studi sulla pittura sono iniziati negli anni Cinquanta. Ha frequentato tre accademie di Belle Arti: a Bucarest con forte impronta staliniana, a Gerusalemme influenzata dal Bauhaus e a Roma di stampo più tradizionale.

Negli anni Sessanta si è concentrata sulla pittura in bianco e nero . Successivamente si è dedicata alla scultura , realizzando insieme a un fabbro alcune sculture monumentali. Negli anni Ottanta ha lavorato con un maestro falegname nella sua bottega.

È stata avvicinata dal settore privato e molte imprese le hanno commissionato alcuni lavori di design particolare. Ma percepiva che il mondo stava cambiando e ha sentito il bisogno di relazionarsi con giovani artisti underground di Berlino, Zurigo, Copenaghen, Colonia, Friburgo.

Nel 1998 si è stabilita a Parigi e vi è rimasta per 13 anni partecipando a un gran numero di incontri, progetti, realizzazioni che l’hanno abituata anche alla produzione informale anche di tipo virtuale.

A partire dagli anni Duemila, Marion Baruch si concentra sulla tematica del vuoto , inteso come spazio di libertà, come varco verso le infinite opportunità creative, attualizzando in chiave del tutto personale, l’approccio allo stesso tema di artisti come Lucio Fontana e Yves Klein.

Nel 2009 il punto di svolta radicale nella sua vita e nella sua espressione artistica. Comincia a firmare con il proprio nome, si dota di un atelier, due stanze in rue Sorbier, e ne fa un frequentatissimo luogo d’incontri da cui ne ricava un’energia creativa di notevole potenza.

Vari progetti in questo periodo , tra cui una raccolta di scatole vuote di medicinali consumati; la raccolta dei cascami delle aziende tessili di confezione. Sono progetti che fa in collaborazione con altre persone, da cui nascono stimolanti confronti, così come nelle mostre c’è l’intervento diretto del pubblico.

Nel 2011 fa ritorno a Gallarate , collabora con un liceo di Varese per la raccolta dei cascami e per la realizzazione di un blog. Altri resti di produzione industriale saranno raccolti ed esposti al Mambo di Bologna e al Mamco di Ginevra.

I lavori presentati a Firenze nelle due sedi del Museo Novecento e della Manifattura Tabacchi coprono un arco temporale di oltre mezzo secolo , si può pertanto considerare la più grande retrospettiva mai organizzata in Italia.

I CAVALIERI DELL’ORDINE DEI VALOROSI l’ultimo romanzo di Cinzia Birindelli

Wed, 07 May 2025 10:07:16 GMT

Riempio i miei cassetti di sogni e viaggio dove il vento mi vuole.

I miei versi e favole donano un sorriso che può cambiare tutto (Indiana).

I Cavalieri dell’Ordine dei Valorosi è un romanzo dell’ottobre 2024 pubblicato da Atile Edizioni . L’autrice è la poetessa Indiana , già apprezzata per le sue poesie che hanno ottenuto riconoscimenti e menzioni in diversi concorsi letterari a livello internazionale.

Parlare della trama di romanzi come questo pieni di suspence può essere pericoloso per la rivelazione di elementi particolarmente suggestivi, come il finale, avvincente e inaspettato. La cosa migliore è quindi citare la sinossi che si trova in quarta di copertina: “Un diario ambientato nel XIII secolo, narra la storia di quattro Cavalieri dell’Ordine dei Valorosi, incaricati dalla Santa Chiesa di recuperare una preziosa reliquia di San Giorgio e riportarla a Roma. La missione viene affidata ai quattro cavalieri Templari proprio perché San Giorgio è il loro Santo patrono. Partendo da luoghi diversi, dopo tante avventure ricche di avvenimenti e personaggi incontrati lungo il tragitto, arriveranno a destinazione. Si ritroveranno nel mezzo delle battaglie tra Guelfi e Ghibellini, nelle lotte di potere, attraverseranno luoghi da favola della meravigliosa terra toscana ricca di magia, sempre animati dalla speranza che nasce da una fede profonda”.

Scopriamo i quattro personaggi protagonisti, qui ritratti nei disegni di Giovanni Nencini . Il romanzo è strutturato secondo il punto di vista dei quattro personaggi protagonisti, che parlano in prima persona. Questo permette all’autrice, di non interferire con la tecnica del narratore esterno, lasciando parlare i personaggi con la loro voce.

Dalla prefazione di Gioia Re : “Tra incontri e scontri, l’azione si anima e il racconto prende corpo. Giovanni, nelle vesti di un suonatore di ghironda mescolato ad un gruppo di circensi, si imbatte nel marchese Ugo Serrani che in punto di morte lo supplica di liberare la figlia rapita, prigioniera nel convento di Montecastello Pisano. Vieri, maestro dell’arco con la spada sempre affilata, nonché architectus, soccorre un bambino scambiatino che, secondo la credenza popolare, era considerato creatura sostituita dal demonio”.

“Bartolomeo si imbatte in un torneo cavalleresco e salva la vita ad un Cavaliere promesso sposo, accoltellato a tradimento, indossa i suoi abiti e vince. Galgano il nostromo, soccorre il cardinale di Venezia, Gregoriano, che gli dona un prezioso anello da mostrare alle guardie del Papa come segno di riconoscimento. Impervio il cammino, ricco di colpi di scena, di incontri interessanti”.

Dato che questo è un romanzo dove l’azione e il dialogo sono importanti , questa strutturazione è molto interessante e serve degnamente per tenere alto il ritmo e la voglia nel lettore di addentrarsi nel capitolo nuovo appena terminato di leggere il precedente.

Per i nottambuli, per chi ama divorare i libri, grazie anche al fatto che è un romanzo breve (a differenza di molti del genere epic-fantasy che superano le 500 pagine) questo che ha poco più di 100 pagine, si legge davvero tutto di un fiato e può essere una prima lettura per chi non si è mai addentrato nelle terre avventurose del fantasy .

Cinzia Birindelli , in arte Indiana , è nata a Pisa . Con l’intenzione di cogliere la condizione umana, espressa nella realtà culturale, ama raccontarsi attraverso la poesia e la letteratura per ragazzi. E’ autrice di molte sillogi poetiche e in prosa, ha vinto numerosi riconoscimenti e menzioni d’onore in vari concorsi letterari a livello internazionale. Ha pubblicato le seguenti opere: ” Solo due Parole“, “Il Gufo Spiritello racconta“, “Lettere d’Amore“, “Come una Ballerina“, “Le Ombre della Vita“, “Acquamarina“, “Eterne Rose“, “Ginevra tra Sogno e Realtà” e “Il Bosco Incantato“.

La carriera letteraria di Indiana è costellata di premi e riconoscimenti. Nel 2019, ha partecipato all’Oscar della Letteratura Internazionale "Pegasus" di Cattolica, ricevendo una menzione d’onore per “ I racconti del cuore“ . Ha ottenuto, nel 2020, nuovamente successo con la silloge poetica “Le poesie di Indiana” e ha collaborato con la giornalista Gioia Re nella rubrica “ Poesia è donna “ . E’ arrivata in semifinale al Tourmusicfest di Mogol come autrice nel 2021 mentre, nel 2022, ha conquistato il terzo posto al Switzerland Literary Prize con “Rose“ . Nel 2023 è stata premiata alla Biennale Internazionale dell’Etruria e, nel 2024, ha ottenuto una menzione d’onore al Premio Pegasus per “Prigioniera d’amore“. Nello stesso anno, ha vinto il secondo posto al concorso “Una poesia per Pirandello” e raggiunto la semifinale al concorso “Versi della Sardegna“.

"Un libro adatto agli adulti per chi ama il genere, vuole rispolverarlo o scoprirlo, ma anche per ragazzini e adolescenti in modo da farli avvicinare al periodo storico suddetto con una curiosità intrvallata da una linea di leggerezza e avventuroso divertimento" (Francesca Ghiribelli)

Due decenni di innovazione artistica e creatività al femminile alla STROZZINA di Firenze

Mon, 05 May 2025 15:59:20 GMT

Il Max Mara Art Prize for Women è un premio biennale

indirizzato ad artiste che si identificano nel genere femminile.

Con questa mostra Pala Strozzi celebra il ventennale del Max Mara Art Prize for Women – tra i più importanti riconoscimenti dedicati al supporto delle artiste che si identificano nel genere femminile – una collaborazione tra Max Mara, Whitechapel Gallery e Collezione Maramotti, presentando le opere delle nove vincitrici del premio dal 2005 a oggi: Margaret Salmon (1975, New York), Hannah Rickards (1979, Regno Unito), Andrea Büttner (1972, Germania ), Laure Prouvost (1978, Francia), Corin Sworn (1975, Regno Unito), Emma Hart (1974, Regno Unito), Helen Cammock (1970, Regno Unito), Emma Talbot (1969, Regno Unito), Dominique White (1993, Regno Unito).

L’artista inglese Dominique White , vincitrice della nona edizione del Max Mara Art Prize for Women, presenta la mostra Deadweight, costituita da un gruppo di opere realizzate nel 2024, strutture angolari ondeggianti create da metalli manipolati in forme che evocano ancore, lo scafo di una nave, carcasse o scheletri di mammiferi. Forme materiali perdute o abbandonate che, attraverso il trattamento di White, diventano simboli di sfida, di forza ma anche di fragilità.

Per l’ottava edizione del Max Mara Art Prize for Women la vincitrice l’inglese Emma Talbot ha immaginato un ambiente futuro in cui l’umanità si trova ad affrontare le disastrose conseguenze del tardo capitalismo e, per poter sopravvivere, deve affidarsi a modi più antichi e olistici di costruzione e di appartenenza, rielaborando strutture di potere ancestrali affinché siano in connessione col mondo naturale.

La scozzese Corin Sworn , vincitrice della quinta edizione del Max Mara Art Prize for Women, presenta la grande installazione Silent Sticks in continuità con la sua ricerca artistica, che intreccia storia, memorie, frammenti di racconti veri o immaginati. Per questa nuova opera si ispira ai personaggi e ai racconti della Commedia dell’Arte, una forma teatrale basata sull'improvvisazione sviluppatasi in Italia nel XVI secolo e che ancora oggi continua ad avere importanza culturale.

Che si può fare, il progetto vincitore che Cammock ha presentato per il Max Mara Art Prize for Women, riprende il titolo di un lamento preoperistico risalente al 1664 della compositrice italiana Barbara Strozzi (1619-1677). Poetessa visiva britannica i cui disegni, stampe, fotografie e filmati si affiancano a parole e immagini, nella sua pratica artistica Cammock abbraccia testo, fotografia, video, canzone, performance e incisione, con l’obiettivo di mettere in discussione le narrative storiche tradizionali sull’identità dei neri, delle donne, sulla ricchezza, sul potere, la povertà e la vulnerabilità.

EMMA HART Mamma Mia!

Emma Hart realizza opere che catturano la confusione, lo stress e il disgusto indotti dall’esperienza del quotidiano. Alla costante ricerca di vita ed emozioni reali, Hart impiega la ceramica per creare installazioni claustrofobiche che coinvolgono fisicamente ed emotivamente il pubblico o per dare vita a opere più piccole che si protendono verso chi osserva. Di frequente nei suoi lavori sono presenti emanazioni verbali e visive, e l’impiego della creta è spesso corporeo, teso a formare elementi che mimano parti del corpo, surrogati dell’azione e del lavoro umano.

Per la quarta edizione del Max Mara Art Prize for Women la vincitrice Laure Prouvost ha creato un’ambiziosa installazione di grandi dimensioni dal titolo Farfromwords: cars mirrors eat raspberries when swimming through the sun, to swallow sweet smells, un omaggio ai piaceri estetici e sensuali dell’Italia e all’idea storica del Mediterraneo come meta di viaggi alla ricerca di ispirazione. Farfromwords, il progetto vincitore che Prouvost ha presentato per il Max Mara Art Prize for Women, apre nuovi orizzonti di significato scomponendo la connessione che si stabilisce tra linguaggio, comprensione e incomprensione, interesse nato dalla personale condizione di straniera che viveva l'artista francese in Gran Bretagna.

Proprio come una viaggiatrice sentimentale, Prouvost accoglie la possibilità che la residenza itinerante in Italia le offre non tanto per cercare di colmare una educazione prestabilita, ma per potersi conoscere e approfondire il suo interesse emotivo.

Nato dalla collaborazione tra Max Mara , Whitechapel Gallery e Collezione Maramotti , il Max Mara Art Prize for Women è un premio biennale indirizzato ad artiste che si identificano nel genere femminile, premiate con una residenza di sei mesi in Italia durante la quale dedicarsi alle ricerche per la produzione di un nuovo progetto che è poi esposto presso la Whitechapel Gallery a Londra e la Collezione Maramotti a Reggio Emilia.

SEX AND SOLITUDE di Tracey Emin a Palazzo Strozzi di Firenze

Sat, 03 May 2025 16:48:38 GMT

“ Ogni immagine è entrata prima nella mia mente,

ha attraversato il mio cuore, il mio sangue, arrivando infine

alla mia mano. Tutto è passato attraverso di me ” Tracey Emin.

Tracey Emin, una delle artiste più controverse del panorama contemporaneo, ha trasformato la propria vita in arte con un linguaggio diretto e crudo, ma profondamente carico di richiami emotivi, che non lasciano assolutamente indifferente lo spettatore.

Punto di partenza della mostra, la grande scultura in bronzo I Follewed Tou To the End , collocata al centro del cortile rinascimentale di Palazzo Strozzi, si presenta soltanto apparentemente come figura astratta. Il corpo mutilato evoca sofferenza e prostrazione, e si oppone allo stereotipo dei grandi bronzi celebrativi delle personalità maschili ritratte di solito in posizione eretta o a cavallo.

La pratica artistica di Tracey Emin è intimamente autobiografica : il corpo, la sessualità, l’amore, la solitudine e il trauma caratterizzano ogni suo lavoro. Gli eventi specifici della sua vita diventano potenti metafore visive , che evocano sentimenti profondi come passione e malinconia.

La carriera di Tracey Emin è costellata di opere di vario genere : dai ricami all’uso del neon per frasi che riproducono la sua poesia, dall’acrilico al monotipo, fino alle sculture in bronzo, sia di piccolo formato che monumentali.

Tracey Emin è stata anche una figura centrale del movimento dei Young British Artists (YBA) , distinguendosi per il suo approccio innovativo e provocatorio. Con un dialogo costante tra vulnerabilità e forza, la sua arte supera i confini della figurazione e dell’astrazione.

Tracey Emin ha sempre dichiarato una profonda ammirazione per artisti come Edvard Munch ed Egon Schiele , dai quali trae ispirazione sia sul piano tecnico che concettuale, esplorando tematiche legate alla fragilità umana per mezzo di raffigurazioni del corpo e delle emozioni.

Nel 1990, la sua tesi per il Royal College of Art di Londra s’intitolava My Man Munch . A Munch ha poi dedicato nel 1998 un video-omaggio intitolato Homage to Edvard Munch and all my dead children , realizzato sul fiordo di Oslo: nel video, Tracey Emin, nuda e in posizione fetale sul molo che si trova nei pressi della casa di Munch, sollevava la testa emettendo un urlo di gola, lamento per i suoi figli mai nati, e risposta all’ Urlo di Munch.

Nel 2015 l’artista ha curato una mostra al Leopold Museum di Vienna intitolata Tracey Emin and Egon Schiele: Where I Want to Go, creando un dialogo tra le sue opere e quelle del maestro austriaco. Questi interventi stanno a significare quanto Tracey Emin si consideri parte integrante di una progettualità artistica che mette in risalto l’emotività umana a discapito di altre raffigurazioni.

Tracey Karima Emin nasce il 13 luglio 1963 a Croydon da padre turco-cipriota e madre inglese di origine romnichal, gruppo rom stanziatosi nel Regno Unito a partire dal XVI secolo. Cresce a Margate , una cittadina costiera del Kent, dove vive un’infanzia segnata da difficoltà economiche e traumi personali.

Margate, influenzerà profondamente l’immaginario dell’artista. A tredici anni subisce una violenza sessuale che lascia un’impronta indelebile nella sua arte. Questo trauma diventa una delle chiavi interpretative della sua produzione artistica: il corpo femminile ferito ma resiliente.

A quindici anni inizia un percorso di ribelle autodeterminazione : la fuga da casa rappresenterà non soltanto l’abbandono dell’ ambiente familiare ma soprattutto l’inizio della costruzione della propria identità artistica.

Margate resta comunque un luogo carico di significati simbolici, mai nostalgici: vi tornerà per aprire i TKE Studios , riservati agli artisti emergenti. Il legame con le proprie radici dimostra come l’infanzia turbolenta sia stata non soltanto fonte di sofferenza ma anche di ispirazione creativa.

La sua formazione è caratterizzata da un percorso ricco di esperienze diverse. Dapprima studia moda al Medway College of Design, poi si dedica all’arte visiva presso la Sir John Cass School of Art; quindi si diploma in Belle Arti al Maidstone College of Art e infine si specializza in pittura al prestigioso Royal College of Art di Londra , con una tesi su Edvard Munch.

I ntervistata da Arturo Galansino di Palazzo Strozzi, Tracey Emin ha detto : “Quando frequentavo il Royal College of Art di solito prendevo un autobus da Elephant and Castle fino a Westminster e da lì con la metro arrivavo a South Kensington. A volte però restavo sull’autobus e scendevo alla National Gallery. Appena entrata, andavo subito al piano di sotto e lì disegnavo le icone o semplicemente mi guardavo intorno e prendevo appunti. Credo di averlo fatto un paio di volte a settimana per due anni, ed è a questo che devo la mia conoscenza della pittura e della storia dell’arte. Tutto quello che sapevo prima di allora era legato all’Espressionismo e all’arte europea di prima della guerra; all’improvviso ero stata catapultata in un altro mondo, avevo capito i classici e le loro idee. Era come un’espansione della mente. Quindi Munch era pre-National Gallery mentre la pittura rinascimentale e quella classica sono arrivate attraverso la National Gallery. E le ho imparate da sola, perché non ho mai veramente studiato storia dell’arte, ho solo approfondito l’arte che mi piaceva”.

La carriera artistica di Tracey Emin subisce una brusca interruzione negli anni Novanta a causa di due aborti traumatici che lasciano una ferita profonda nella sua vita personale e artistica al punto che decide di distruggere gran parte delle sue opere pittoriche. Si dedica ad altre forme espressive come il ricamo, le installazioni e i video.

Questa fase rappresenta un momento cruciale nella sua evoluzione creativa: l’abbandono della pittura non è una rinuncia definitiva ma piuttosto una pausa necessaria per ampiare i propri orrizzonti artistici.

È in questo periodo che realizza Everyone I Have Ever Slept With 1963–1995 , una tenda ricamata con i nomi delle persone con cui aveva condiviso il letto (in senso sia letterale che metaforico). Quest’opera segna l’inizio della sua fama internazionale e dimostra come l’artista sia capace di trasformare esperienze intime in potenti dichiarazioni artistiche.

Si tratta di una tenda da campeggio , sulla quale Tracy Emin aveva cucito con la tecnica dell’appliqué i nomi di tutte le persone con cui aveva condiviso un letto dalla sua nascita fino a quel momento, non soltanto i suoi amanti con cui ha avuto rapporti sessuali, ma anche i familiari e gli amici con cui ha dormito.

Luogo simbolico, santuario intimo che raccoglie tutte le relazioni dell’artista , patchwork visivo che riflette la varietà e la complessità delle sue esperienze nel quale lo spettatore era invitato a entrare per confrontarsi con le tematiche dell'intimità, della sessualità femminile e delle relazioni tra arte e vita.

La scelta di utilizzare una tenda da campeggio non era casuale: è un luogo di rifugio temporaneo, un riparo dalla realtà esterna, offre una prospettiva intima rivelando vulnerabilità e fragilità . Inoltre, la tenda evoca l’idea di nomadismo e di viaggio, suggerendo un percorso esistenziale in continuo movimento.

Purtroppo, Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 andò distrutta in un incendio nel 2004. La perdita dell’opera fu un duro colpo per l’artista che la considerava fondamentale per la propria storia personale e artistica. Nonostante la sua distruzione, l’opera continua a vivere nell’immaginario collettivo come un simbolo dell’arte di Tracey Emin.

È del 1996 Exorcism of the Last Painting I Ever Made (“Esorcismo dell’ultimo dipinto che abbia mai fatto”) , una performance che rappresenta un momento di svolta nella sua carriera , segnando il ritorno alla pittura dopo anni di abbandono.

La performance come esorcismo , durata tre settimane e mezzo, durante le quali Tracey Emin vive e lavora nuda in uno studio temporaneo allestito come un’installazione. Lo spazio è accessibile al pubblico che può osservare l’artista attraverso degli spioncini mentre crea disegni e dipinti ispirati a Egon Schiele, Yves Klein e Pablo Picasso.

Il corpo nudo di Tracey Emin diventa insieme soggetto e oggetto della performance , sovvertendo il ruolo tradizionale di modella passiva della donna nell’arte. L’artista è protagonista attiva della sua narrazione artistica, combattendo gli stereotipi culturali che limitano la rappresentazione femminile.

L’azione dell’artista documenta non solo il processo creativo ma anche l’utilizzo della pittura come mezzo per riconnettersi con sé stessa, trasformando un’esperienza intima in un momento di introspezione radicale sul proprio passato.

Quest’opera, pietra miliare della carriera artistica di Tracey Emin, dimostra il ruolo dell’ arte come strumento di guarigione e autoaffermazione e della spiccata capacità dell'artista di intrecciare vita e arte in modo indissolubile.

Ma l’opera più celebre, che l’ha consacrata a livello internazionale, è My Bed (1988), una rappresentazione senza filtri del letto dell’artista durante un periodo particolarmente difficile della sua vita, caratterizzato da depressione e abuso di alcol. L’opera include lenzuola macchiate, bottiglie vuote, pacchetti di sigarette e oggetti personali come biancheria intima sporca – dettagli che raccontano una storia di vulnerabilità umana con una sincerità disarmante .

Esibita alla Tate Gallery nel 1999, l’opera, come era prevedibile, suscita reazioni contrastanti: da un lato viene lodata per la sua autenticità emotiva, dall’altro viene criticata da chi non la considera “arte”. My Bed non è soltanto un’opera autobiografica, ma rappresenta una metafora del luogo – il letto - dove si consumano momenti cruciali della vita: nascita, morte, amore e sofferenza.

Il neon è u no degli elementi distintivi della pratica artistica di Tracey Emin con il quale riproduce testi poetici da lei stessa realizzati. Le frasi sono spesso brevi ma cariche di significato emotivo: I Never Stopped Loving You del 2010, dedicata alla cittadina di Margate, o Those Who Suffer LOVE del 2009 sono esempi emblematici, e lo stesso vale per Sex and Solitude (2025) , creata per la mostra di Firenze a Palazzo Strozzi.

Le frasi al neon non sono mai semplici slogan ma frammenti poetici che combinano forza e fragilità e invitano lo spettatore a riflettere sull'esperienza emotiva dell'artista . La luce brillante del neon cattura lo sguardo mentre le parole lo scuotono emotivamente perché sono intime confessioni o verità dolorose.

Nonostante sia nota per le sue installazioni, i suoi neon e i suoi ricami, uno dei mezzi espressivi più usati da Tracey Emin per esplorare i temi del corpo, della sessualità, dell’amore, della solitudine e del dolore, resta la pittura, intesa come linguaggio viscerale e caratterizzata da un approccio istintivo e gestuale.

L’artista lavora direttamente sulla tela, senza disegni preparatori, lasciando emergere forme e figure in modo spontaneo. Le pennellate sono rapide ed energiche, le colature di colore creano effetti di movimento e di instabilità, i segni lasciati dal gesto pittorico testimoniano il processo creativo che tende a riflettere l’immediatezza delle emozioni e tradurle in immagini visive.

Mescolando figurazione e astrazione , Tracey Emin riesce così a evocare emozioni complesse e ambigue, lasciando allo spettatore la libertà di interpretare l’opera. Il colore ha un ruolo simbolico determinante nella cifra stilistica dell’artista: il rosso e il nero, il blu e il bianco sono i colori predominanti nelle sue tele, utilizzati per esprimere passione, dolore, rabbia e malinconia.

L’amore, esplorato nelle molteplici sfaccettature del desiderio, romanticismo, perdita, dolore, sessualità è tema centrale nell’arte di Tracey Emin , spesso intrecciato con esperienze personali dolorose .

I ricami affrontano il tema dell’amore con una delicatezza che contrasta con l’intensità delle emozioni rappresentate, utilizzando materiali tradizionalmente associati all’artigianato femminile per esplorare sentimenti profondamente personali.

Anche nelle sculture in bronzo , sia quelle di piccole dimensioni che quelle monumentali, emerge il tema dell’amore, nelle sue espressioni di gioia o di sofferenza, oltre all’ esplorazione del corpo umano come luogo di connessione emotiva e fisica.

Tracey Emin è oggi riconosciuta come una delle artiste più influenti del panorama contemporaneo , ma il suo percorso verso il successo internazionale non è stato privo di ostacoli. Dopo aver raggiunto la notorietà negli anni Novanta grazie alla sua partecipazione al movimento dei Young British Artists (YBA), Emin ha continuato a evolversi artisticamente, guadagnandosi un posto di rilievo nel mondo dell’arte globale. Nonostante il successo globale, Emin rimane profondamente legata alle sue radici britanniche, continuando a lavorare tra Londra e Margate.

L’artista inglese si pone dunque come una figura simbolica nella lotta per l’affermazione delle donne nell’arte contemporanea . Fin dagli inizi della sua carriera ha sfidato le convenzioni tradizionali che relegano le artiste donne a ruoli secondari o marginalizzati.

“L’arte”, sostiene Tracey Emin, “dovrebbe sempre riguardare ciò che è vero per te come individuo, sempre. Dovrebbe essere sincera e nascere da un desiderio genuino di trovare le proprie risposte. Almeno, per me è così. Per molto tempo il mio lavoro è stato assolutamente fuori moda. Ma non m’importava, perché sapevo che era la cosa giusta per me”.

THOMAS J. PRICE in mostra al Museo Novecento di Firenze

Wed, 30 Apr 2025 10:26:39 GMT

Statue giganti e piccoli bronzetti

nell’opera indagatrice delle convenzioni sociali dell’artista londinese Thomas J. Price

Thomas J. Price attira la nostra attenzione sull’ incarnazione psicologica dei suoi personaggi di fantasia, mettendo in risalto il valore intrinseco dell’individuo e sovvertendo le strutture gerarchiche, stimolando una riflessione sugli atteggiamenti preconcetti nei confronti del potere alla ricerca di una connessione umana più profonda.

Celebre per le sue sculture figurative di grandi dimensioni alloggiate in spazi pubblici e sale museali, in Piazza della Signoria possiamo ammirare, sempre che la massa turistica lo permetta, Time Unfolding una figura femminile in bronzo dorato alta quasi 4 metri.

Nelle opere collocate nelle sale di Palazzo Vecchio , l’artista ha utilizzato materiali scultorei tradizionali, come il bronzo e il marmo per creare personaggi immaginari che sembrano persone comuni.

Le opere, ispirate a fonti diverse, sono sviluppate attraverso un approccio ibrido tra scultura tradizionale e tecnologia digitale intuitiva. L’artista costringe lo spettatore a considerare come e perché le cose sono fatte, inserendo riferimenti alla scultura antica, classica e neoclassica insieme a una sofisticata comprensione del potere simbolico dei materiali e lascia aperti interrogativi, invitandoci a mettere in dubbio le nostre certezze ideologiche.

Nella Sala Leone X , ambiente di rappresentanza e simbolo del potere della famiglia Medici, di fronte agli affreschi di celebrazione di Giovanni de’ Medici, eletto papa nel 1513 con il nome di Leone X, Price colloca l’opera Through a Steady Gaze , in marmo verde Ming lucidato. Il volto anonimo e al contempo universale, si contrappone ai ritratti di uomini illustri del passato, cardinali e duchi, pittori e letterati.

Nella Sala delle Udienze , affrescata da Francesco Salviati e adibita alle riunioni e alle udienze della corte, sul Tavolo della Magistratura sono collocate cinque teste in bronzo realizzate da Thomas J. Price tra il 2006 e il 2021 e che invitano a riflettere sulla rappresentazione costantemente stereotipata delle persone di colore nella tradizione storico-artistica europea.

Nella Sala dei Gigli , il grande bronzo di una giovane donna con il cellulare in mano ( A Place Beyond , 2023), dialoga con la celebre Giuditta e Oloferne di Donatello. Il capolavoro rinascimentale raffigura Giuditta con una postura eroica e al contempo perturbante, mentre solleva trionfante la testa di Oloferne, ucciso nel sonno e simbolo del male sconfitto.

Il bronzo di Price invece rappresenta una persona comune , in un atteggiamento che potrebbe essere quello di un visitatore, senza alcuna connotazione solenne o magniloquente, se non per la grandezza dell’opera. Nonostante sia noto per le sue opere figurative, l’approccio artistico di Thomas J. Price è supportato da un pensiero concettuale che riguarda il modo in cui lo spettatore si relaziona con le opere e con lo spazio in cui sono collocate.

La mostra prosegue nel chiostro rinascimentale del Museo Novecento, dove si trova A Kind of Confidence (2023), un bronzo raffigurante un giovane uomo, vestito con un abito elegante. I suoi piedi poggiano direttamente sul pavimento mentre il suo sguardo evoca una sensazione di concentrazione sospesa.

“L’attenzione riguarda principalmente le sue scarpe … Il completo gli sta bene. Ma lui non è così sicuro …” afferma Price. “Ho lavorato a lungo con l’idea che la vulnerabilità sia in realtà una forza. La domanda è: come [questo giovane uomo] abita lo spazio in cui si trova? Si sente inferiore agli altri? Sente di essere giudicato?” . La scultura in bronzo riflette l’indagine di Price nei confronti della rappresentazione e della stereotipizzazione storica delle persone di colore .

L' approccio artistico di Thomas J. Price si estende oltre una strategia di figurazione, sfruttando il potere narrativo della performance, del cinema, della fotografia, dell'animazione e della scultura astratta in modo costante per tutta la sua carriera.

L’artista afferma che le sue opere riguardano “persone immaginarie ritratte in momenti reali” e che con profonda empatia pongono l’attenzione sul valore intrinseco dell’individuo, inteso come struttura psicologica che suscita emozioni e riflessioni.

CRONOS OLTRE IL MURO romanzo di Francesca Pacchierini

Thu, 24 Apr 2025 10:08:56 GMT

Una storia di paure e di sogni,

 di desideri e di affetti profondi.

Francesca Pacchierini è nata a Abbadia San Salvatore, sul monte Amiata in Toscana. Queste sue radici le sono rimaste sempre dentro l’anima e sono state fonte inesauribile di spunti narrativi, non soltanto autobiografici, per soddisfare la passione per la scrittura che ha ereditato dal padre, autore di “Diario di guerra”.

Un articolo di Padre Balducci, scritto negli anni Ottanta, riportato in versione integrale all’inizio di questo libro, è servito da spunto per la stesura del romanzo Cronos, oltre il muro, ma sentiamo Francesca Pacchierini che ci parla della sua passione per la scrittura e di questo romanzo.

Come e quando nasce la Francesca scrittrice? Mi è sempre piaciuto scrivere e credo di aver ereditato questa passione dal mio babbo che già durante la prigionia in guerra scrisse un pregevole diario.

Ma il primo passo verso una scrittura strutturata nella forma di un romanzo è avvenuta dietro sollecitazione di un'amica che mi ha invitato a utilizzare un canovaccio molto ricco e creativo realizzato in una classe seconda elementare. La scrittura è uscita come uno spumante a lungo fermentato perché era già dentro di me e pronto ad uscire. È nato così il romanzo allegorico CRONOS. OLTRE IL MURO. Un'avventura davvero entusiasmante.

V uoi spiegarci il titolo del tuo romanzo: Cronos – Oltre il muro? Cronos è un paese immaginario circondato da un muro che garantisce una vita tranquilla, ordinata e sicura. Settimio, il giovane figlio del fabbro del paese, non può accontentarsi di tutto ciò e decide di oltrepassare il muro e di avventurarsi con coraggio verso l'ignoto per seguire e dare un nome al 'SOGNO DI UNA COSA' che rendeva inquiete le sue notti.

Raccontaci brevemente la trama del libro. La storia racconta il viaggio che compie Settimio in compagnia di un girovago che sarà anche il suo maestro di vita. In verità entrambi saranno a fasi alterne allievo e maestro durante i numerosi incontri e vicissitudini che costelleranno le loro giornate. Sarà l'occasione di aiutarsi a oltrepassare con coraggio anche i loro muri interiori. Alla fine ognuno troverà la sua strada per dare un nome a quel SOGNO DI UNA COSA.

Puoi raccontarci come è nata la copertina del libro? Sulla copertina è disegnato il paese, Cronos, da cui esce un fiume che è fonte di vita. Il fiume ha rotto il muro per diventare strada che invita al viaggio .

Nelle tue storie racconti fatti personali davvero accaduti? La fantasia si intreccia in modo armonioso con gli eventi reali della mia vita quando mi lascio guidare dalla spinta interiore. Così è avvenuto anche in questa occasione.

Sei più progettista o improvvisatrice? Mi piace seguire l'ispirazione quando c'è. Poi rielaboro ma senza esagerare. Credo che dentro di noi ci sia già qualcosa che è pronto ad uscire quando riusciamo a connetterci con esso.

Dov’è il punto di interconnessione tra il mondo interiore e quello esteriore nel tuo romanzo? I due mondi si intrecciano in modo spontaneo perciò non sono facilmente distinguibili. Ci sono fatti accaduti realmente, desideri nascosti, fantasie più o meno consapevoli e sono tutti molto mescolati. I miei scritti sono inevitabilmente anche autobiografici. L'interconnessione avviene quando uso le parole per rendere leggibile ciò che ho dentro. In pratica quando scrivo.

La scrittura parla a se stessi o è un linguaggio universale? Entrambe le cose. La scrittura ci apre al dialogo con noi stessi, ma diventa un linguaggio universale se chi scrive attinge al suo tesoro interiore che entra perciò facilmente in risonanza col tesoro interiore del lettore. Il tema del viaggio è una metafora del percorso interiore in cui chiunque può ritrovarsi. Il tutto attraverso un linguaggio allegorico che lo rende universale.

Morte e amore sono temi che si ritrovano nei tuoi scritti? C ertamente, perché questi temi sono presenti dentro di me come in ciascuno di noi.

Quali temi ci sono alla base della storia? I temi sono quelli che si possono trovare nella vita di un paese: la solidarietà, la condivisione, il legame con le proprie radici. Insieme ci sono tutti i temi della crescita ad ogni età come il bisogno di sentirsi liberi di trovare un proprio modo di vedere la vita, il desiderio dell'avventura che mette le ali ai tuoi sogni più profondi e infine l'amore che dà un indirizzo positivo e mette ordine nel cuore degli uomini.

C’è un messaggio particolare che vuoi far arrivare al lettore con il tuo romanzo? Sì, il messaggio è che non dobbiamo accontentarci, ma avere il coraggio di seguire i nostri sogni. In questo slancio sono fondamentali i rapporti affettivi con le persone che incontriamo sulla nostra strada e con le quali possiamo scambiarci un aiuto reciproco. Vi invito a leggere questo romanzo che riesce, con un linguaggio semplice, ma tutt'altro che banale, a dire le cose grandi della vita.

Cosa scrivi adesso? Da un po' di tempo raccolgo aneddoti, descrivo persone e sentimenti della mia vita e delle persone che conosco. Spero di trovare la spinta giusta per mettere ordine e sistemare il tutto in un insieme organico e significativo. Il progetto è una specie di saga sul modello di 'La Casa degli Spiriti' di Isabel Allende dove vorrei mescolare elementi autobiografici e altri tratti dalla vita che mi circonda.

Il tutto deve avvenire seguendo l'ispirazione del momento. Spero di rivivere quel momento magico che ho vissuto quando ho scritto CRONOS. OLTRE IL MURO.

LA PERSISTENZA DEL DRAGO l’ultimo romanzo di Mario Pini

Sat, 19 Apr 2025 16:47:27 GMT

L’ultimo appassionante capitolo

di una trilogia pensata da tempo

I fatti che determinano questa avvincente trama del romanzo di Mario Pini avvengono in ambienti molto distanti da loro: Firenze e l’Indonesia ma c’è un fil rouge che unisce questi due luoghi ed è proprio il drago, inteso sia come rettile che come metafora.

Il drago reale è il varano dell’Isola di Komodo , una bestiaccia quasi preistorica che ha un morso letale perché la ferita che procura non si rimargina; il drago metaforico è la sofferenza profonda dell’anima che anch’essa procura ferite difficilmente rimarginabili.

L’autore ha pertanto voluto deliberatamente creare un parallelismo tra draghi reali e draghi emozionali, intimi, metaforici. Anche “persistenza” è una parola a cui Mario Pini è particolarmente affezionato in quanto è perfetta per evocare le ferite dell’animo che non cicatrizzano, che persistono nel tempo.

I personaggi di questo libro vivono le loro storie con tutta una serie di dubbi esistenziali che giustificano la definizione di romanzo filosofico, a cui è particolarmente affezionata la editor del romanzo Alessandra Cafiero, che ha seguito l’autore fin dal primo romanzo di questa trilogia.

Il percorso su tre romanzi (questo è l’ultimo, ma si può leggere, comprendere e apprezzare anche senza aver letto gli altri due precedenti) è stato progettato fin dall’inizio, un modo per entrare in sintonia con il lettore, una lunga e impegnativa preparazione per poter arrivare a concludere il percorso con una serie di considerazioni a cui Mario Pini tiene particolarmente.

Queste considerazioni sono affidate soprattutto ai due personaggi principali: il poliziotto Tullio che indaga in Indonesia, nella zona di Giacarta, su un assassinio particolarmente efferato di cui è sospettato un criminale con cui ha già avuto a che fare in Italia; l’amico Massimo , professore a Firenze, che ama fare dissertazioni filosofiche e proporre valori universali di convivenza, di bene, di giustizia.

La struttura del libro è schematica con capitoli dedicati a Tullio e a Massino (ogni capitolo inizia con il nome del personaggio rappresentato), che non sono mai insieme se non in un caso, quando entrambi si trovano a Firenze.

Le scene che riguardano Tullio sono più leggere, divertenti, quelle di Massimo sono più impegnative, filosofiche, come dice Alessandra Cafiero, anche se la lettura scorre piacevolmente e stimola il lettore a riflettere su alcuni temi di una certa importanza, come invita la dedica a inizio libro: A chi legge, in particolare a chi ripensa a ciò che ha letto. Anche se non era tutto scritto.”

Un terzo personaggio importante è Greta , una giovane che ha fatto l’esame di maturità nel romanzo precedente. L’autore anticipa l’intenzione di farne personaggio protagonista nel prossimo romanzo. Come Massimo rappresenta il portatore sano di buoni pensieri e di propositi positivi, Greta incarna tutte le difficoltà della vita quotidiana e in particolare dell’età giovanile, è un modo per presentare un tipo di difficoltà esistenziale che può valere per anche le età adulta.

Da notare che nella particolare struttura del romanzo ci sono due sezioni originali: il capitolo zero e capitolo infinito . Il primo è una sorta di nota dell’autore, di alcune avvertenze per la perfetta comprensione della struttura del romanzo; il secondo è una raccolta di citazioni dei personaggi della storia e rileggendole si ricorda il senso di tutto il romanzo.

Infine, occorre citare l’autore della bellissima copertina del libro, Luca Piccini, l’artista che ha curato tutte le copertine di Mario Pini. Lo schizzo dell’idea è stato buttato giù su un tovagliolino durante una cena in osteria. Poi è diventato l’acquerello definitivo che rappresenta l’occhio del drago che guarda da un’apertura che non si sa se è l’ingresso di un hub, di un aereo, di una grotta in cui la silhouette nera con la borsa (è Massimo) sembra essere risucchiata all’interno.

Le foto sono relative alla presentazione del romanzo La persistenza del drago di Mario Pini pubblicato da I libri di Mompracem avvenuta l’8 aprile 2025 al C affè letterario Le Murate di Firenze organizzato dall’Agenzia letteraria PuzzleBook di Alessandra Cafiero che ha dialogato con l’autore. Presente in sala con l’opera originale il pittore Luca Piccini , autore della copertina.

IL SIMPATIZZANTE romanzo premiato di Viet-Thanh Nguyen edito da Neri Pozza

Fri, 18 Apr 2025 08:43:10 GMT

Un romanzo PREMIO PULITZER 2016 per la narrativa e

LIBRO DELL’ANNO per il New York Times

e i maggiori organi di stampa internazionali.

È il mese di aprile del 1975 a Saigon. Il mese nel quale la guerra che va avanti da tempo immemorabile ha cominciato ormai a perdere i pezzi. In una villa dalle mura ricoperte di cocci di vetro e di filo spinato arrugginito, il generale capo della Polizia Nazionale del Vietnam del Sud, colto da improvvisa insonnia, vaga tra le stanze con la faccia di un pallore verdognolo. Il fronte settentrionale ha ceduto dinanzi all’avanzata dei Vietcong, gli aerei americani decollano giorno e notte con a bordo donne, bambini e orfani, e l’ordine ufficiale di evacuazione tarda a venire soltanto per evitare la rivolta in città.

A bordo di un C-130, con un volo coperto, il Generale si appresta a raggiungere gli Stati Uniti con la famiglia e parte dei suoi uomini. Ufficiale magro dal portamento impeccabile, il Generale crede in Dio, nella moglie, nei figli, nei francesi, negli americani e… nell’assoluta fedeltà del suo uomo di fiducia, il solo tra i suoi sottoposti ad abitare a casa sua: il Capitano. Non sa che il Capitano è, in realtà, una spia, un dormiente, un uomo con due facce che fotografa in gran segreto ogni rapporto e dispaccio e li invia a Man, suo addestratore tra le fila Vietcong.

Figlio illegittimo di una vietnamita e di un prete cattolico francese, il Capitano ha studiato in un piccolo college della California meridionale, spedito da quelle parti da Man con una borsa di studio e il compito di apprendere la «mentalità degli Stati Uniti», un paese che, ai suoi occhi, si rivela subito cosí scioccamente narcisista da definire tutto «super» (i supermercati, le superstrade, Superman, il Super Bowl ecc.). Animato da un’autentica fede nel comunismo, rientrato in patria, ha sostenuto con tale rigore la sua parte di agente doppiogiochista da risultare insospettabile agli occhi di tutti, anche a quelli di Bon, l’amico di lunga data che è entrato a far parte del famigerato «Phoenix Program» della CIA.

In una Saigon in preda alla confusione, al caos e al terrore, il Capitano, il Generale e un nutrito gruppo di fuggiaschi scappano sotto la tempesta di fuoco dei Vietcong, tra una pioggia di razzi e granate che lasciano diversi morti sul terreno.

Una volta a Los Angeles, nella città del futile mondo del cinema, gli orrori della guerra sembrano lontani. Ma un dilemma atroce attende il Capitano: seguire «le cose che contano», come l’ideologia e il credo politico, oppure lasciare prevalere le «illusioni della giovinezza», salvando la vita a Bon, l’amico con cui ha sigillato un patto di sangue durante l’adolescenza?

Romanzo che offre il ritratto impareggiabile di un «uomo con due menti diverse», di un «rivoluzionario» che dinanzi al terribile esito dei suoi ideali non cessa per questo di «scrutare l’oscurità con pensieri scandalosi, speranze eccessive e sogni proibiti», Il simpatizzante ha riscosso, al suo apparire negli Stati Uniti nel 2016 , l’entusiasmo di critica e pubblico, vincendo il Premio Pulitzer.

L’arca di Noè, l’ultimo romanzo di Enzo Fileno Carabba

Thu, 03 Apr 2025 17:49:55 GMT

Quella del diluvio è la storia universale

umana più antica del mondo

Una storia che indaga il rapporto tra viventi , tra animali ed esseri umani. È stato Noè a condurre gli animali sull’arca o sono stati gli animali a suggerire a Noè di accatastare una massa enorme di legna e di costruire l’arca? Perché hanno fatto questo? Perché tutto quello che abbiamo costruito può essere distrutto in un attimo dagli elementi naturali, ma anche dalla nostra dissennatezza.

Ecco perché questa di Enzo Fileno Carabba è una storia di distruzione ma anche di speranza . La parabola dell’arca insegna agli esseri viventi il modo di rinascere dai loro errori, sempre che essi stessi se ne accorgano e lo vogliano. Troppo spesso il riscatto dai propri fallimenti non avviene, per pigrizia o ignoranza.

Questo libro ci insegna a come sopravvivere ai diluvi dei nostri fallimenti. Ecco perché è un avvincente romanzo che parla del passato ma nella chiave della modernità . Come dice Borges “ si era, come sempre, alla fine del mondo ” ma quando l’uomo rischia di sprofondare, ha la possibilità di aggrapparsi alla sua intelligenza e al suo spirito per non essere trascinato via dalle acque del diluvio.

Quella di Noè è una delle narrazioni che si trovano in tutti i testi fondamentali per la storia dell’umanità: dall’epoca mesopotamica di Gilgamesh, alla Bibbia e al Corano. Ha ispirato le leggende di tutti i popoli in tutti i luoghi, dall’India alla Cina, dall’antica Grecia al Sudamerica, alla Scandinavia.

Non è soltanto una storia del passato ma, come dice Enzo Fileno Carabba, è anche una storia del futuro perché esiste in molti libri profetici. Questo invece è un libro del presente, un romanzo, cioè una fiction dove, avverte l’autore, “ogni riferimento a fatti realmente accaduti è da ritenersi casuale ed anzi malvisto”.

Noè percepisce da alcuni segni , sovrannaturali o naturali o le due cose insieme, a seconda di come la si vuole intendere, che ci sarà un disastro enorme. La storia pertanto può essere interpretata come naturale ma anche sovrannaturale, oppure anche in chiave ecologica perché il disastro è ambientale, oltre che umano.

Noè, dopo la percezione di questi segnali, si mette ad accatastare un’enorme quantità di legna. Noi oggi sappiamo che il diluvio universale arriverà davvero, ma dobbiamo immaginare che, per i contemporanei di Noè, quello di accatastare legna per costruire una nave, lontano dal mare, appare come un gesto insensato , asociale. Per Enzo Fileno Carabba il gesto insensato è affascinante , perché porta alla salvezza, fisica o morale, a seconda dell’interpretazione, razionale o spirituale.

Anche i familiari, in particolare la moglie Naama , assecondano Noè per gentilezza nel suo gesto insensato. La grande fila degli animali che avanzano in coppia verso Noè e la sua arca, è stata un’immagine che ha affascinato l’autore fin da bambino.

Poi comincia a piovere. Che cosa voglia significare questo diluvio non si sa, è un momento di crisi, di confusione, di smarrimento, è la perdita dei punti di riferimento che porta infine all’ingiustizia. Questo è il tema profondo del libro , nella cui trama comunque piove davvero.

L’acqua ha sommerso il mondo , anche le cime dei monti, ma l’arca galleggia, non ha una rotta stabilita, non ha un timone, è come un grosso seme, un’enorme noce di cocco che galleggia nell’oceano Pacifico.

L’interno dell’arca è più complesso di quanto si creda, perché trasporta una grande varietà di vita, ha delle potenzialità incredibili e a volte invisibili. Qui il racconto di Enzo Fileno Carabba si fa più emozionante perché svela, con maestria letteraria e spesso con ironia, tutte le potenzialità relazionali tra esseri viventi che l’arca contiene in sé.

Anche Noè è personaggio più complesso di quanto si pensi, ha comportamenti variabili, a volte tempestosi, reazioni imprevedibili. Noè poi lo si può leggere anche come rappresentazione non di una persona sola, ma di una generazione o addirittura di un insieme di generazioni. Oppure, allargando ancora di più la visione, come suggerisce Enzo Fileno Carabba senza dirlo apertamente, di una cultura che ha salvato ciò che doveva essere salvato, così come l’arca è un contenitore di linguaggio che ha permesso a queste generazioni di salvarsi.

La leggenda racconta che il dolce più antico dell’umanità sia stato inventato da Noè: le acque non si erano ancora ritirate e quindi nessuno poteva scendere a raccogliere cibo per esseri umani e animali. Siccome non c’era più nulla da magiare, Noè fece raccogliere tutto ciò che c’era di commestibile dentro l’arca e fece fare un dolce che distribuì a tutti. La ricetta originale non la conosciamo, ma lo possiamo considerare come un simbolo di salvezza e di speranza.

Le foto sono relative alla presentazione del libro L’arca di Noè di Enzo Fileno Carabba pubblicato da Ponte alle Grazie avvenuta il 28 marzo 2025 al Wanda Caffè di Firenze. Accompagnamento musicale di Pietro Carabba e distribuzione del Budino di Noè da parte della chef Enrica Della Martira del Caffè Wanda.

Gisella Selden-Goth e sua figlia Trudy a Firenze

Sat, 29 Mar 2025 18:45:56 GMT

Ricerca storica e bibliografica, ma anche leggera piacevolezza di lettura per conoscere la vita di queste due incredibili donne.

La collana Stranieri a Firenze dell’editore Pontecorboli, giunta al dodicesimo titolo, si arricchisce di questa nuova perla di Maria Dini Tozzi, di formazione storica, che ha raccontato la vita di Gisella Selden-Goth in forma romanzata, anche se i testi sono supportati da una ricca bibliografia a fine libro.

Questi libri, infatti, non hanno la pretesa di essere saggi, anche se nascono da un’attenta e scrupolosa ricerca storica e documentale, ma sono romanzi storici , con le caratteristiche di piacevolezza e leggerezza che ha la narrativa fruibile a tutti. In particolare, sono testi che devono essere raccomandati a un pubblico giovanile perché raccontano la storia in modo facilmente fruibile e attraente, in questo caso per la passione e dedizione che l’autrice ha elargito nella stesura del testo.

Gisella Selden-Goth e sua figlia Trudy sono due donne ebree, di origine ungherese, vissute a cavallo tra l’Ottocento e il Novecento, hanno passato due guerre mondiali, subìto le persecuzioni per le leggi razziali, sono state esuli in America dove hanno sempre vissuto nella nostalgia di Firenze .

Gisella è stata amica di molti musicisti, compositrice e musicista lei stessa, amante a tal punto della cultura musicale che a lungo ha sovvenzionato il Teatro Comunale di Firenze e anche all’isola d’Elba si è impegnata nel restauro della villa di Napoleone.

Gisella aveva un carattere non facile , era indomabile e ostinata, avrebbe voluto dedicare la sua vita alla musica ma l’amico Ferruccio Busoni l'ha sempre consigliata a non intraprendere la carriera di musicista. Ciò nonostante, Gisella ha tenuto per tutta la vita sul suo inseparabile pianoforte Steinway la foto del compositore italiano.

Anche la personalità della figlia Trudy è forte e determinata. Trudy non ha vissuto sempre all’ombra della madre e ha fatto di tutto per inserirsi nel mondo della danza, la sua grande passione. Ostinata come la madre, dapprima s’iscrive alla scuola di danza del Maggio Musicale di Firenze diretta da Angiola Sartorio, poi approda negli Stati Uniti perché ritiene che vi siano più opportunità e prospettive. Purtroppo, la figlia non sopravvive alla madre (muore a 61 anni) ed è sepolta nel cimitero di Pomonte.

La scrittura delicata e competente di Maria Dina Tozzi, la capacità di descrivere i luoghi, di toccare con attenzione i temi della musica, storia e cultura dell’epoca, di accompagnare i movimenti tra l’Europa e gli Stati Uniti delle due donne e degli innumerevoli artisti e intellettuali con cui sono entrate in contatto, sono elementi di pregio dell'opera e prendono il lettore per mano accompagnandolo pagina per pagina fino alla fine del libro.

Di solito nei saggi ci sono le note a piè di pagina per citare la fonte, qui sono raggruppate in fondo per non appesantire la lettura. L'autrice, laureata in storia, si è cimentata nella descrizione dei fatti con dovizia di particolari, assunti da fonti storiche importanti e da attenta ricerca archivistica, ma dobbiamo riconoscere quanto sforzo ci sia dietro a una ricerca durata più di un anno, condensata in poche pagine, così come da scelta editoriale di questa agile collana dell’Editore Pontecorboli.

Ore e ore passate alla Biblioteca Nazionale di Firenze a consultare il Fondo Selden-Goth; all’Archivio di Stato di Firenze; all’Archivio storico del Maggio Musicale Fiorentino, dove molti documenti sono stati trascritti a mano perché non si può fotografare, in particolare la corrispondenza che Gisella ha avuto per circa venti anni con i sovrintendenti del Teatro.

E ancora minuziose richerche all’Archivio della Casa Editrice L.S. Olschki, (Gisella era molto amica della famiglia Olschki) e all’Archivio del Gabinetto G.B. Vieusseux. Questa passione di ricerca Maria Diana Tozzi è riuscita a trasmetterla nelle pagine del libro, aggiungendo l'emozione come ingrediente in più nella ricetta della perfetta realizzazione di questo libro.

Questa è una storia di persone famose e luoghi particolari , ma è anche un racconto di cose antiche la cui memoria altrimenti sarebbe andata perduta. Gisella è una formidabile collezionista di manoscritti, di fotografie con dediche, relative ad artisti e musicisti di tutta Europa che adesso sono raccolte nell’apposito fondo della Biblioteca Nazionale di Firenze.

Infine, si deve far notare che, Gisella Selden-Goth, musicista, compositrice, collezionista e giornalista e sua figlia Trudy, fotografa, danzatrice e coreaografa, nonostate per tutta la vita, volenti o nolenti, abbiano viaggiato molto, abbiano abitato in varie case di varie parti del mondo, il loro cuore è rimasto per sempre a Firenze.

Le foto sono relative alla presentazione del libro Gisella Selden-Goth e sua figlia Trudy a Firenze di Maria Dina Tozzi pubblicato da Pontecorboli Editore avvenuta l’11 marzo 2025 nel Salone di lettura della Biblioteca Marucelliana di Firenze. L’introduzione è stata a cura della direttrice Silvia Castelli , con interventi della scrittrice Nicoletta Manetti e di Caterina Pagnini dell’Università degli Studi di Firenze.

IPÀ il nuovo romanzo di Daniele Locchi edito da Effigi Edizioni

Wed, 26 Mar 2025 18:26:55 GMT

Il nuovo thriller di Daniele Locchi è un avventuroso

 viaggio tra amori irrealizzabili e delitti inevitabili

Come di solito fa l’autore, il romanzo inizia in media res , così il lettore è già dentro alla storia e tutti gli input che gli arrivano sembrano più diretti e completi. Diversa, invece, dagli altri romanzi di Daniele Locchi è la scelta del punto di vista : di solito scrive con la prima persona, questa volta preferisce il punto di vista onnisciente così ha la possibilità di intervenire maggiormente nella struttura della storia.

Ipà è il nome di un enorme mastino napoletano nero il cui proprietario è Antonio, un pericoloso camorrista. Il nome rievoca Ipazia , la matematica e astronoma, filosofa alessandrina che nel marzo dell’anno 415 una folla chiassosa accusò di stregoneria, la uccise e ne bruciò i resti. Daniele Locchi è rimasto affascinato dalla sua storia e l’ha così voluta ricordare.

Il romanzo di Daniele Locchi è una storia d’amore e di morte ambientata tra Roma e Napoli nell’epoca attuale. Non era facile per l’autore immergersi nelle atmosfere e nei connotati linguistici di queste due città, come non era facile entrare in sintonia con la particolare cadenza del parlato dei personaggi. Impresa in cui è perfettamente riuscito.

Non è il caso di raccontare la trama, sarà il lettore ad avere il desiderio di scoprirla pagina dopo pagina, preso dalla voglia di leggere questo thriller ben strutturato e appassionante . Meglio presentare i vari personaggi perché sono tutti molto diversi, ognuno con le proprie caratteristiche e peculiarità.

Federico Alfieri è un Ministro degli Esteri italiano, lungo background di ambasciatore e sontuosa villa ai Parioli che resta vittima di un disastro aereo. La morte di questo personaggio pubblico e famoso sconvolge molte persone, ma soprattutto la sua famiglia composta dalla moglie Dorothy Maripol e dai due figli Francesco e Giulia.

Dorothy , la moglie di Federico Alfieri, è stata una nota ballerina dell’American Ballet Theatre di New York con una luminosa carriera davanti ma preferisce sposare Federico Alfieri e ritirarsi dalle scene. Il figlio Francesco è un professore di liceo che nel momento dell’inizio del romanzo è coinvolto in una torbida storia di molestie e tentata violenza a una studentessa della sua classe. Già sofferente psicologicamente, dopo queste accuse infamanti, impazzirà del tutto e per di più sarà ripudiato dalla propria famiglia.

Nella prima scena che coinvolge Francesco lo vediamo disteso per terra in stato quasi d’incoscienza, soccorso da un metronotte che lo accompagnerà non a casa, perché ripudiato, ma in quella che sarà la sua nuova dimora, una casa-famiglia gestita dalla contessa Virginia Cantalmassi , presidentessa di un’associazione benemerita di signore ricche e di una certa età, che danno ricovero a giovani maschi sbandati, che si trovano in situazioni disperate. Nel prosieguo della storia scopriremo che questo sforzo altruistico non è proprio benmerito .

La protagonista del romanzo è Giulia , l’altra figlia di Federico Alfieri, sorella di Francesco. Personaggio imprevedibile, dalle mille sfaccettature, complesso nella sua semplicità. È un avvocato, che si è fatta da sola, pur mantenendo i rapporti con la famiglia altolocata.

Giulia assume l’incarico di difendere una ragazza napoletana, Andrea, incarcerata per omicidio premeditato del marito e condannata in primo grado a 25 anni di galera. Andrea, altro personaggio particolarissimo, è alta, ha un fisico robusto e androgino, soprannominata dai camorristi napoletani, ‘ a sortula che significa “statua”. Giulia non solo deve difendere questo personaggio complesso, ma per rendere la storia ancora più complicata, ma anche avvincente, Giulia si innamora della sortula. Le due donne non possono frequentarsi pertanto questo è un amore immaginifico, ma non meno carico di attrazione e di suspense.

Questo amore è l’inizio della storia . Andrea, nel tentativo di uscire dal carcere, cercherà di circuire Giulia, la farà entrare nel mondo della camorra, con tutti i suoi lussi e le sue nefandezze. La domanda della storia verterà pertanto intorno alla figura di Giulia, al suo tentativo di liberarsi dalle spire tentacolari di Andrea e del mondo malavitoso che rappresenta. Il lettore, desideroso di dare una risposta a questa domanda, resterà incollato al testo fino all’ultima pagina , grazie anche a uno stile di scrittura leggero, attraente: che Daniele Locchi fosse ormai uno scrittore di capacità lo sapevamo dalla lettura dei precedenti romanzi.

Le foto sono relative alla presentazione di Ipà , l'ultimo romanzo di Daniele Locchi edito da Effigi Edizioni , in occasione della rassegna “ Il porto delle parole ” organizzata da ITACA di Paolo Ciampi che ha dialogato con l’autore. Le letture sono state a cura delle attrici teatrali Tania Basile e Maria Rosa Scarloni

POLVERE DI THANAHKA diario del viaggio in Birmania di Paolo Orsini

Sun, 16 Mar 2025 15:43:49 GMT

Un ricordo personale indelebile,

per il lettore fonte di notizie e di spunti per un eventuale viaggio.

L’amore è l’unica risposta all’odio

(Dilgo Khytense Rinpoche, Le Cent conseils de Padampa Sangyé ).

È la nostra mente ed essa soltanto che ci rende schiavi o ci libera

(Dilgo Khytense Rinpoche, Le Cent conseils de Padampa Sangyé ).

Non raggiungere mai l’amore senza un immenso grazie nel cuore

(Arnaud Desjardin, L’audacia di vivere ).

Il sì, l’apertura e l’amore, ecco le chiavi che aprono la porta della prigione

(Arnaud Desjardin, L’audacia di vivere )

Non puoi fermare le onde, ma puoi imparare a cavalcarle

(Joseph Goldstein, One Dharma. The Emerging Western Buddhism) .

Non puoi fermare le onde, ma puoi imparare a cavalcarle

(Joseph Goldstein, One Dharma. The Emerging Western Buddhism) .

Nella rinuncia c’è una componente di gioia, impegno, entusiasmo e libertà:

è il sollievo di essersi finalmente sbarazzati dell’insoddisfazione

(Matthieu Ricard, L’infini dans la paume de la main ).

Desiderate ciò che avete invece di desiderare ciò che non avete. Così troverete la vera pienezza. (Pensiero buddhista citato da Jack Kornfield).

L’invidia e la gelosia sono generate dalla fondamentale incapacità di godere della felicità

e del successo altrui (Matthieu Ricard, L’infini dans la paume de la main ).

Il nostro cuore può diventare forte laddove si è infranto

(Pensiero buddhista cita da Jack Kornfield)

Lo smarrimento e la perdita di ogni certezza e riparo è insieme una sorta di prova

e una sorta di guarigione (Pema Chödrön, Non lasciarti andare ).

I giorni in cui il cielo è grigio, il sole non si è eclissato per sempre

(Arnaud Desjardin, L’audacia di vivere ).

È necessario soprattutto imparare l’arte di rivolgere l’attenzione

alle zone trincerate della nostra esistenza

(Jack Kornfield, A Path with Hearth, traduzione di Monica Zardoni).

La sofferenza comincia a dissolversi quando si è capaci di mettere in dubbio la certezza o la speranza che esista un posto dove potersi nascondere (Pema Chödrön, Non lasciarti andare ).

Ciò che conta non è l’enormità del compito da svolgere, ma la grandezza del coraggio

(Matthieu Ricard, L’infini dans la paume de la main ).

Riflettere sull’immenso potenziale che giace nel profondo del nostro essere, capire che la natura della mente è essenzialmente purezza e bontà e meditare sulla sua luminosità consentono di acquisire fiducia in se stessi e coraggi (XIV Dalai Lama, Au-dela des dogmes ).

Se vuoi leggere “Polvere di Thanakha”

scrivimi a info@orsinipaoloscrittore.com ti invierò gratuitamente il pdf con le foto e il testo del viaggio in Birmania del 2015.

Un viaggio finisce quando non hai più sogni da inseguire

LA STAGIONE DELLE ANIME FRAGILI romanzo di Francesca Tofanari edito da Bonfirraro

Wed, 12 Mar 2025 10:31:53 GMT

La fragilità, che è il tratto caratteristico dei personaggi,

è paradossalmente il punto di forza del romanzo.

Già conoscevo la capacità di Francesca Tofanari di scrivere della buona prosa perché ho recensito i suoi precedenti romanzi gialli e presupponevo l’altra sua grande dote, cioè quella che in questo libro è ampiamente dimostrata: la versatilità. Mentre i gialli erano ironici questa storia è più drammatica, anche se la vena comica dell’autrice sgorga sempre con veemenza anche in questo libro.

La narrativa gialla è sempre stata la passione di Francesca, ma non soltanto quella. Ha scritto storie di generi molto diversi tra loro. I primi testi sono stati fiabe per bambini come Grammatica sgrammatica scritta per il figlio piccolo; un altro racconto sotto forma di favola è stato inserito in una raccolta curata da Paolo Mugnai sulle librerie di Firenze. Grazie al suo lavoro di giornalista, si è cimentata nella realizzazione di testi su Firenze, ha scritto di chiese, di artigiani, di Sanfrediano, per approdare infine ai gialli dove racconta di donne, di shopping, di situazioni tra la suspence e il comico.

Se vogliamo ricercare una costante in una narrativa così diversa, questa è la passione che Francesca mette sempre nel suo scrivere, non soltanto nella narrativa ma anche nei suoi articoli per il Corriere Fiorentino. E la cosa più importante è che questa passione smuove il desiderio dell’autrice di restituire al lettore l’emozione che lei prova nel narrare. Emozione che, dico con convinzione, arriva forte a chi la legge perché Francesca Tofanari crede veramente in questo valore aggiunto della scrittura. Puoi scrivere bene ma non restituire nessuna emozione, nella narrativa come in qualsiasi altra espressione artistica. Non è il caso di Francesca Tofanari con il suo romanzo La stagione delle anime fragili .

Questo libro è il classico racconto nel cassetto . Nato molto tempo fa come racconto, l’autrice lo ha ripensato molte volte, anche se era concluso. Man mano che passava il tempo, che Francesca maturava come scrittrice, che arricchiva le proprie esperienze di vita, apriva il cassetto e lo integrava con qualche cosa di diverso. Poi si è accorta che era il momento di darle un senso nuovo, che non era quello del racconto iniziale. A questo punto ha anche cambiato la forma, da racconto è diventato romanzo.

Il punto di svolta, il superamento del blocco, è stato quando Francesca si è liberata del legame che aveva con la storia e ha lasciato che fossero i personaggi stessi a raccontarla , a rapportarsi con il lettore, a condividere le loro fragilità, che è l’elemento predominante, come dice il titolo del libro. Una volta che l’autrice ha capito che non doveva raccontare le proprie fragilità ma quelle dei personaggi, il narrare ha cominciato a scorrere con impeto e con ottimi risultati stilistici.

La storia inizia con un drammatico incidente capitato ad Andrea che lo lascia in coma in un letto d’ospedale, mentre la figlia Giulia fa una scoperta inquietante tra i messaggi che arrivano al cellulare del padre. Scoprirà l’esistenza di una misteriosa donna, di cui conosce solo l’iniziale del nome: “S”. Inizierà a rispondere ai messaggi, fingendosi il padre.

A questi tre personaggi dobbiamo aggiungerne un quarto sotto forma di narratore esterno che compare in alcune scene per spiegare o per manifestare il proprio pensiero. I personaggi parlano in prima persona, quindi essendo molto diversi l’uno dall’altro, hanno anche voci molto diverse. Andrea è il personaggio maschile, professore di filosofia, ha un linguaggio più ricercato, colto, anche se è confuso perché ha avuto un incidente. Quello che sappiamo di lui, dato che è in coma, viene dai racconti delle due donne, la figlia Giulia che ha una voce è diversa da Serena .

Grazie alla proficua collaborazione di Massimiliano Scudeletti e agli stimoli dell’editore, Francesca si è messa al lavoro per variare le voci e gli stili di vita dei tre personaggi, che nel racconto iniziale erano più simili. Il risultato è eccellente, i personaggi sono molto diversi tra loro, ma la storia ha un fil rouge ben delineato al punto che i vari capitoli si potrebbero anche mescolare, leggerli in altra concatenazione, che il senso della storia – che scorre in 10 giorni, dal 15 al 25 dicembre del 2017 - non cambia, resta chiaro e definito.

La chiarezza del significato profondo della storia è venuta in seguito a una specie di rivelazione. Spieghiamola. Durante il lockdown per la pandemia, Francesca Tofanari ha scritto un racconto per beneficenza per un’antologia distribuita su Amazon, nel quale due ragazzi adolescenti s’incontrano su una spiaggia per un solo pomeriggio e poi si ritrovano dopo trent’anni. C’erano già molti elementi della storia di La Stagione delle anime fragili così è diventato chiaro per Francesca come poteva essere possibile che una persona abbia continuato a pensare a una altra avendola incontrata per un solo pomeriggio trent’anni prima.

Quando Francesca ha capito che questa che stava scrivendo oggi non era la sua storia, ma quella dei personaggi di quel racconto, allora ha smesso di interrogare se stessa e ha cominciato a interrogare i personaggi. La domanda che solitamente si fa agli scrittori è quanto di autobiografico ci sia nella storia che hanno scritto. In ogni narrazione c’è sempre qualche elemento della vita dell’autore, ma in questo caso Francesca lo ha chiesto direttamente ai tre personaggi.

È un libro che si legge con piacere pagina dopo pagina non soltanto perché è scritto bene, ma anche perché il tema principale è l’amore, non certo trattato un modo struggente o melodrammatico, ma semmai ironico e frizzante. Dato che le scene drammatiche non mancano, ci si può chiedere se sia un amore realistico o fiabesco. A questa domanda risponde Massimiliano Scudeletti che sostiene che nelle pagine di La stagione delle anime fragili si trovano, mescolati in un connubio affascinante, l’incanto e il disincanto, la forza di attrazione della capacità evocativa dell’autrice che trascina il lettore nel mondo magico della storia e lo tiene inchiodato alla lettura fino alla fine. Incanto e magia sono i doni più preziosi che un narratore può fare al lettore.

Le foto sono relative alla presentazione del romanzo La stagione delle anime fragili di Francesca Tofanari avvenuta al Teatro di Cestello a Firenze il giorno 5 marzo 2025. Hanno dialogato con l’autrice Paolo Mugnai e Massimiliano Scudeletti . Letture a cura di Flavia Pezzo e Fulvio Cauteruccio .

STELLE SENZA CIELO romanzo young-adult di DONATELLA BELLUCCI

Wed, 12 Feb 2025 18:30:33 GMT

Un antefatto scatena una serie di eventi che,

come in un vortice,

coinvolge i tre protagonisti e i loro amici.

La storia è ambientata a Grosseto e segue le vicende di tre adolescenti, Amina, Samuele e Giulia, alle prese con le difficoltà della loro età. I tre protagonisti parlano in prima persona e l’arco temporale della storia va dal 20 agosto all’11 novembre.

La stessa scena viene raccontata dal punto di vista dei tre personaggi principali quindi ognuno la vede in modo completamente diverso, ognuno dà la propria interpretazione della vita; la realtà di per sè non esiste, ma è ciò che ogni personaggio percepisce con i propri sensi. Il libro riesce a comunicare queste percezioni diverse, ecco perché è un romanzo che cattura il lettore .

È una storia nata dalle idee che l’autrice si è diligentemente e costantemente appuntata in un quaderno. Si è poi sviluppata grazie all’osservazione quotidiana delle varie situazioni di vita, delle varie tipologie di persone, processo facilitato dal fatto che Donatella Bellucci fa un lavoro che la porta al contatto con il pubblico. È un’osservatrice imparziale , non è una giudicatrice, è attirata soltanto da ciò che può diventare fonte di storie interessanti.

La storia di Amina , che in precedenza era un racconto, ha preso il sopravvento sulle altre così è diventata la protagonista principale di un romanzo, ambientato nella Maremma Toscana. Tutti i giovani che popolano il romanzo vivono a Grosseto, vanno per divertirsi in un bar a Marina di Grosseto, il loro abituale luogo di ritrovo dove vivono molti conflitti, gioie, dolori. Nel romanzo ci sono luoghi esistenti, ma anche alcuni inventati, case, condomini, locali che fanno parte del vissuto dell’autrice ma anche tanta fantasia, per aggiungere un buon sapore narrativo al romanzo .

Amina, la protagonista diciottenne, ha subìto un grave lutto: il padre, geometra in un cantiere, è rimasto vittima di un incidente sul lavoro; la madre di Amina è una persona debole che affronta il lutto con l’isolamento, il bere e la trascuratezza, soprattutto nei confronti della figlia. Amina invece approfitterà di questa situazione per trasformarsi da persona fragile e delicata in persona dura e volitiva, si fa i piercing, s’isola dal gruppo, cercherà di far fronte con determinatezza alle mancanze della madre.

Amina è rimasta amica soltanto di un ragazzo, Samuele che vive nello stesso condominio, nell’appartamento accanto. Le rispettive famiglie si conoscono da molto tempo, Samuele e Amina si frequentano fin da piccoli, sono stati negli stessi posti, hanno fatto le stesse cose, un’amicizia che è una fratellanza; il padre di Samuele è ufficiale nei mercantili, quindi, è assente da casa per molto tempo, la madre in vece fa le pulizie. Samuele è un artista di strada, questo il retroterra dove si sviluppa la storia raccontata dal punto di vista di Samuele.

Il terzo personaggio è Giulia che frequenta lo stesso liceo degli altri a Grosseto. Giulia è la bella della scuola, ma anche una che se la tira, famiglia ricca, padre commercialista, madre casalinga che trascura la figlia. Giulia si sente conquistatrice del mondo, tiene un profilo su Instagram e uno su TikTok, lancia le challenge, si sente un influencer, sente di avere la personalità per gestire ogni situazione. Invece questa storia la metterà duramente alla prova e capirà di non essere molto forte.

Che cosa unisce queste persone così apparentemente diverse? Un insieme di elementi di vita comuni come il fatto che con le rispettive famiglie hanno dei rapporti conflittuali, le situazioni lavorative particolari, l’indifferenza che subiscono da parte dei genitori. Tutto ciò fa sì che questi ragazzi siano alla ricerca di un senso alla loro quotidianità, cercano di riparare ai loro errori, anelano un riscatto dalle traversie della vita.

Di solito nella narrativa attuale i personaggi sono di due categorie: appartengono all’alta società benestante, oppure vivono in luoghi degradati caratterizzati da povertà e sofferenza. Questi personaggi invece sono diciamo normali, nel senso che conducono una vita normale, come quella di tutti noi. Ci sono tragedie, ci sono sofferenze ma vissute da persone normali. Donatella Bellucci ha il pregio di scrivere storie di eccezione vissute da personaggi normali .

Anche i personaggi comprimari hanno particolari vissuti o destini di sofferenza, come il ragazzo di colore Oscar che resta vittima di una rissa e finisce all’ospedale con una mascella fratturata. Da questo evento i tre personaggi principali cominceranno a interfacciarsi l’uno con l’altro attraverso sentimenti ed emozioni forti. Saranno messe a dura prova le resistenze psicologiche e fisiche dei personaggi, ma alla fine si produrranno delle trasformazioni, dei cambiamenti che li riscatteranno.

Il libro è stato revisionato dall’editor Enrico Rulli che ha lavorato per tirar fuori il meglio dalla scrittura di Donatella Bellucci, in particolare è riuscito a far sì che emergessero sentimenti forti, emozioni vive e a farli vivere al lettore. Inoltre ha curato il motore dell’azione in modo che la storia risulti potente e il ritmo veloce. Sentimenti adatti ai giovani, ma anche agli adulti e, se si vuole etichettare, si può definire il romanzo di Donatella Bllucci appartenente al genere young-adult

La morale della storia è semplice: noi adulti spesso non riusciamo a relazionarsi con i giovani nel modo giusto. Loro hanno altre aspettative, dobbiamo capirli, dare loro una speranza; i giovani a volte fanno fatica a comprendere cosa fare del proprio futuro, gli adulti fanno fatica a intercettare le dinamiche che esistono all’interno dei gruppi.

Questo è un romanzo che parla dei disagi e delle sofferenze giovanili, ma anche delle loro speranze, della forza dell’amicizia e dell’amore, dei legami molto forti che sono a quell’età, ma anche dello spaesamento dei giovani che sono appunto “stelle senza cielo”. Per mezzo dell’interazione l’uno con l’altro, per mezzo della forza delle relazioni, possono imboccare una strada che li porterà alla salvezza. Questa in definitiva è l’idea che sta alla base del romanzo di Donatella Bellucci.

Le foto sono relative alla presentazione del romanzo di Donatella Bellucci Stelle senza cielo edito da Tabula Fati avvenuta al Conventino Caffè letterario

a Firenze il giorno 4 febbraio 2025

HELEN FRANKENTHALER in mostra a Palazzo Strozzi di Firenze

Mon, 20 Jan 2025 16:29:42 GMT

Si sta per concludere a Palazzo Strozzi di Firenze la più ampia retrospettiva mai organizzata in Italia dedicata a Helen Frankenthaler

La mostra offre una panoramica approfondita della produzione dell’artista americana e pone le sue opere in confronto con quelle di artisti a lei contemporanei come Jackson Pollock, Robert Motherwell, Mark Rothko, Morris Louis, David Smith, Anthony Caro e Anne Truitt.

Un suggestivo percorso non soltanto tra grandi tele, ma anche tra opere su carta e sculture che mette in risalto la straordinaria originalità dell’artista che ha infranto le convenzioni dell’arte tradizionale, creando un universo artistico fatto di astrazione poetica, tecnica e sconfinata immaginazione.

Le tele sono realizzate con tecniche diverse, alcune con pittura a olio, altre con tinte acriliche. È importante conoscere le differenze tra questi due modi di dipingere, per comprendere appieno la cifra stilistica di Helen Frankenthaler.

La pittura a olio richiede più tempo, il colore asciuga più lentamente e ciò permette di modificare più facilmente la rappresentazione. I colori acrilici impongono un lavoro più veloce, soprattutto in estate quando tendono ad asciugarsi subito, si può diluire il colore con acqua e ciò permette una creatività più sintetica e immediata, anche se la “sfumatura” è più facile con i colori a olio.

All’inizio degli anni Cinquanta Helen Frankenthaler si fece influenzare dal segno grafico di Jackson Pollock, inserendo ai margini delle proprie forme colorate un “contorno” che conferiva alle opere una plasticità quasi scultorea senza sconfinare nella tridimensionalità. La pittrice entrò in contatto con alcuni pittori che con Pollock formarono la cosiddetta Scuola di New York, come Willem de Kooning, Mark Rothko, Robert Motherwell, Barnett Newman, Franz Kline e vari altri.

La mia regola è nessuna regola, e se hai un vero senso dei limiti, allora sei libero di infrangerli (Helen Frankenthaler)

Con questo motto, Frankenthaler si allinea alle cifre stilistiche dei pittori della generazione dell’immediato dopoguerra, come appunto Rothko e Pollock, che abbracciarono definitivamente l’ astrattismo dopo aver riflettuto su primitivismo, figurazione e surrealismo.

Astrattismo che ritroviamo in quasi tutte le opere di Helen Frankenthaler, ma soprattutto in quadri come Muro aperto (1953), Sogno occidentale (1957) o Pensieri mediterranei (1960), Tutti-frutti (1966), Mobile blu e Fiesta (1973), Plexus (1976), Madrid (1984), Janus (1990), Il progresso del rastrello (1991), la straordinaria tela acrilica Maelstrom del 1992, e infine Impianto solare (1995).

Gli anni Sessanta decretarono il successo della Pop Art come tributo iconoclastico alla società dei consumi, ma l’approccio artistico “contemplativo” di Helen Frankenthaler sembra quasi non percepire. Piuttosto si confronta con la scultura astratta ma carica di valori costruttivi, di David Smith col il quale ebbe una profonda e duratura amicizia.

Lo sguardo di Helen si concentra anche su forme rettangolari stratificate che hanno reso universalmente celebre Mark Rothko: ampie zone di colore saturo o sfumato che non raggiunge mai l’astrazione pura, ma lasciano lo spettatore avvolto in una suggestiva nebulosa di ammirazione.

Le forme irregolari e astratte che fluttuano sul limite dell’ambiguità raggiungono il loro apice di suggestione in Cape – Provincetown del 1964 dove Frankenthaler crea una composizione di colori-masse in successione tonale di azzurro denso.

Con il marito , Robert Motherwell, Helen compone un sodalizio iniziato alla fine anni Cinquanta quando i due s’incontrano nella Galleria di Leo Castelli – l’artefice delle fortune sia dei protagonisti dell’espressionismo astratto, sia di certi esponenti della Pop Art.

Helen però mantiene sempre la sua autonomia , che è anche la sua particolare forma di ambiguità, nel modo con cui la pittrice si relaziona allo spazio. In questo periodo, trova in artisti come David Smith, Anne Truitt e Anthony Caro un rapporto d’amicizia e di reciproci confronti artistici.

Di questi rapporti l’artista americana ha lasciato testimonianza in un cospicuo carteggio , di cui nel catalogo è pubblicata, per la prima volta, una ampia scelta di lettere che dimostrano la relazione esistenziale tra la pittura e il carteggio.

Queste lettere non sono soltanto racconti intimistici di esperienze umane o di episodi accaduti, da cui la sua pittura trae alimento come emozione; al contrario, quella pittura, nella sua variegata espressione formale, è il retroterra sul quale si proietta la vita dell’artista.

Il dato essenziale, senza nulla togliere al rapporto amicale con gli altri artisti, sta nel fatto che Helen Frankenthaler ha imposto il suo personale stile in piena libertà . Lo slogan scelto come titolo di questa mostra “ senza regole ” lo testimonia.

Che significato ha questo slogan? A ben guardare, difficilmente confonderemo la pittura di Frankenthaler con quella dei suoi maestri pittori o con il linguaggio dei suoi amici scultori. Lo sforzo per mantenere questo legame senza esserne succube è appunto la piena libertà di idee e di azione con cui l’artista americana ha lavorato per tutta la vita.

L’astrattismo fu la novità artistica americana del Dopoguerra, utilizzato come una sorta di arma segreta in quella che è stata chiamata “The Cultural Cold War”, quando si scoprì che a partire dagli anni Cinquanta la CIA sponsorizzò gli artisti astratti americani – Pollock, De Kooning, Rothko ecc. – contrapponendone la forza estetica a quella dei pittori del realismo socialista sovietico.

Quando guardiamo Helen Frankenthaler, dobbiamo pensare che, pur essendo l’astrattismo un valore importato dall’Europa, in America esso divenne una forma d’ avanguardia elitaria , che ha cercato di fare dell’arte un idioma internazionale della libertà creativa.

Il che non deve far dimenticare quanto questa idea abbia accompagnato le sorti del capitalismo americano. Con queste premesse, la contrapposizione CIA-URSS trovava anche un terreno di sfida culturale che sembrava contrapporre modernisti e reazionari.

Penso che l’arte stessa sia ordine dal caos (Helen Frankenthaler)

Il dipinto più poetico e più freddo al tempo stesso della mostra s’intitola Mornings (Mattine) del 1971. A 43 anni la pittrice americana aveva già recepito certe invenzioni linguistiche e artistiche per via delle sue frequentazioni con i pittori “astratti”. Il quadro presenta campiture verticali di giallo prima intenso e poi via via più chiaro e secco, in altri due strati, attraversati da filamenti neri. Un dipinto abbastanza diverso da altri dell’epoca, anche se non un unicum.

E questo ci porta al secondo tema che emerge osservando i quadri di Frankenthaler. Si tratta, e non va intesa come una diminuzione, di pittura al femminile. Douglas Dreishpoon la definisce una “femminista riluttante” perché, come scrive il critico, la sua pittura pone essenzialmente questioni estetiche e non questioni sociali , come facevano molti altri pittori a lei contemporanei.

Frankenthaler invece ci fa capire che la pittura di una donna è diversa da quella maschile proprio nella valenza strutturale : perché una pittrice difficilmente considera il quadro una soglia tra figurativo-astratto o tra forma-informe.

Uno dei maggiori contributi di Frankenthaler è stato lo sviluppo di una tecnica innovativa chiamata soak-stain (“imbibizione a macchia”), che permetteva al colore di penetrare direttamente nella tela non preparata, creando superfici liquide e luminose. Questa tecnica, influenzata da Pollock ma che al contempo segnava una distanza dalla sua opera, fu per Helen Frankenthaler un punto di svolta che avrebbe plasmato tutto il suo lavoro.

Introdotta nel 1952, la tecnica consisteva nel versare o diluire il colore direttamente sulla tela non preparata, permettendo al pigmento di penetrare e “macchiare” il tessuto. Questo metodo le permetteva di ottenere effetti di trasparenza e fluidità impossibili con i tradizionali metodi di pittura a olio o acrilico.

L’opera che segna il debutto di questa tecnica è Mountains and Sea (1952). La tela, di grandi dimensioni e leggera come una macchia d’acqua, rivoluzionò il mondo dell’arte astratta. L’uso di vernice diluita ad olio applicata su tela non trattata consentiva al colore di essere assorbito e diffondersi, creando un effetto etereo e sfumato che sarebbe diventato la firma di Frankenthaler.

La tecnica prevedeva quattro passaggi . 1) la preparazione della tela : Frankenthaler utilizzava tele di grandi dimensioni, non preparate con gesso e colla (questa scelta permetteva ai colori di essere assorbiti direttamente nelle fibre della tela); 2) la diluzione del colore : i colori a olio venivano diluiti con trementina o altri solventi per ottenere una consistenza fluida e trasparente. Questo processo facilitava la diffusione del colore sulla tela.

3) l’ applicazione del colore : sulla tela distesa orizzontalmente, Frankenthaler versava, spruzzava oppure applicava i colori, permettendo loro di espandersi e assorbirsi nel tessuto. A partire dal 1962, Frankenthaler iniziò a sperimentare anche con i colori acrilici, adottandoli definitivamente in seguito.

L’ultimo passaggio era l’intervento dell’artista sul dipinto . Sono sempre stata interessata alla pittura che, da un lato, ricerca la superficie piatta e, dall’altro, la nega (Helen Frankenthaler).

Helen Frankenthaler utilizzava una varietà di strumenti per manipolare i colori, come pennelli e spugne di diverse forme e dimensioni, rulli per applicare il colore in modo uniforme, stracci per spandere o sfumare il colore, mani e dita per un controllo diretto, pipette e siringhe per applicazioni precise, bastoni, spatole e rastrelli per graffiare o disegnare sulla superficie fresca.

Nacque il 12 dicembre 1928 a New York in una famiglia di origini ebree. Suo padre, Alfred Frankenthaler, era un giudice della Corte Suprema dello Stato di New York, mentre sua madre Martha Lowenstein era un’emigrata dalla Germania. L’influenza del retroterra culturale e intellettuale della famiglia fu determinante nella crescita artistica di Helen, che fin da piccola mostrò un forte interesse per l’arte.

La formazione di Helen iniziò presso la Dalton School, una scuola progressista di New York, dove studiò sotto la guida del pittore Rufino Tamayo, noto per la sua fusione tra surrealismo, astrattismo e cultura messicana, che la introdusse all’importanza del colore e della forma.

Successivamente, frequentò il Bennington College, dove approfondì lo studio dell’ arte europea e moderna, e dove entrò in contatto con gli scritti di Clement Greenberg, il famoso critico d’arte che avrebbe avuto un ruolo cruciale nella sua carriera e vita personale.

La formazione accademica di Helen si rivelò fondamentale per la sua carriera, poiché le fornì un bagaglio tecnico e teorico che le permise di sviluppare uno stile personale e distintivo, che combinava le influenze del passato con l’innovazione contemporanea.

Durante la sua formazione al Bennington College, Helen studiò in modo approfondito i grandi maestri europei, tra cui Paul Cézanne , Pablo Picasso e Henri Matisse , e i loro insegnamenti ebbero un ruolo cruciale nello sviluppo del suo linguaggio visivo. Cézanne, in particolare, influenzò il modo in cui Frankenthaler concepiva la pittura di paesaggio.

Sebbene la sua opera sia lontana dalla pittura figurativa di Cézanne, l’idea di scomporre le forme naturali in piani di colore è evidente nelle sue tele. Cézanne, attraverso il suo approccio innovativo alla pittura paesaggistica, fornì dunque a Frankenthaler un punto di riferimento per la sua esplorazione del rapporto tra colore e spazio.

“ Credo nella tradizione ”, ha detto Helen Frankenthaler. “Nel mio caso, la mia formazione – le mie radici – si è basata su Cézanne, sul Cubismo analitico di Picasso e su Braque, Kandinsky, Miró, Gorky, Pollock e molti dei loro contemporanei, mentori e amici".

"Ho imparato ad apprezzare i maestri del passato, il Quattrocento, il Rinascimento, insieme al lavoro dei miei contemporanei. A volte per un artista, credo che gli sviluppi estetici si insinuino quasi senza preavviso, con una sottile urgenza, una sorpresa inconsciamente programmata. C’è un ordine naturale”.

Il brillante romanzo di SILVIA ALONSO tra aule di tribunale e burlesque

Thu, 24 Oct 2024 10:42:46 GMT

Silvia Alonso, avvocato milanese e autrice di romanzi e racconti,

ci regala una godibile storia tra aule di tribunale

e vita notturna trasgressiva.

Dalla prefazione di Valeria Corciolani : “Che cosa ha a che spartire l’universo colorato e seducente della danza con la morigerata austerità dei tribunali? Niente, verrebbe da pensare, ma solo perché ancora non avete incontrato lei: Maria Antonietta De Angelis, giovane e brillante avvocatessa milanese pronta a trascinarvi in un vortice esplosivo di carriera, passioni segrete, colpi di scena e un pizzico di mistero, il tutto shakerato a… passo di danza.”

La protagonista , che gli amici chiamano Mary, è continuamente combattuta tra due facce della medaglia della sua vita: quella irreprensibile e composta che l’ambiente di lavoro le impone, e quella traboccante di vivacità e voglia di scoprire nuove sensazioni ed esperienze che è poi la sua vera anima.

Così la vita si sdoppia : di giorno tra i banchi del tribunale tra arringhe e dibattiti; di notte nel misterioso e trasgressivo mondo del burlesque alla ricerca di qualcosa di piccante e intrigante.

Dall’ introduzione dell’autrice Silvia Alonso: " Quante diverse personalità può nascondere una donna? Spesso la realtà è molto più complessa delle nostre convenzioni: abbiamo più aspirazioni, a volte contrastanti, che è difficile relegare a un solo ruolo .”

"Se ciascuna di noi può celare in sé un ventaglio multicolore d’identità, la vita e soprattutto le norme di una società conformista ci obbligano spesso a compiere una scelta netta per poter entrare in scena nella commedia del quotidiano.”

Camminare sulla strada della realizzazione significa intraprendere un percorso che ci guidi ad assomigliare sempre di più al nostro vero Io, non al ritratto che ci vogliono imporre gli altri.

Silvia Alonso

Punto di forza del romanzo sono indubbiamente i personaggi: innanzitutto la protagonista Mary, ma anche Jane Malcov, in arte Lady Butterfly, dotata di un irresistibile fascino seduttivo, determinata e intraprendente, sempre al fianco della protagonista Mary nei suoi momenti di maggiore sconforto per consolarla e risollevarla. Anche i personaggi minori non sono soltanto macchiette di contorno, ma vivi, realistici e ognuno ben caratterizzato per lo svolgimento appassionante della trama gialla del romanzo.

Il romanzo L’avvocato in guêpière di Silvia Alonso è un quadro dipinto con tratti decisi ma raffinati, che raffigura con ironia la vita colma di frenesia delle donne contemporanee . Donne che sono quotidianamente costrette a scelte, che spesso implicano rinunce a desideri, sogni e aspirazioni, perché impegnate nella lotta per farsi avanti nella vita e trovare il loro posto ambìto. La libertà di essere se stessi è un patrimonio esistenziale di immenso valore, ma spesso devono rinunciarci.

“Sono stati tanti i giri di giostra che mi hanno fatto capire che,

qualunque percorso intraprendessi, le mie diverse "anime" avrebbero comunque

potuto coesistere in serenità, trovando spazio nell’unica me stessa.”

Silvia Alonso utilizza il burlesque come elemento simbolico per riaffermare la voglia e la determinazione del suo personaggio protagonista Mary per liberarsi dalle maschere che è costretta a indossare per le convenzioni della vita di tutti i giorni e mostrare la faccia che la rappresenta libera, senza stereotipi o pregiudizi. La fortuna o l’incontro desiderato sono sempre dietro l’angolo e possono capitarti quando meno te lo aspetti, devi soltanto essere pronta e libera a riconoscerli e apprezzarli.

La cifra stilistica di Silvia Alonso, riconoscibile sia in questa che nelle precedenti opere, ha una sua peculiarità nell’ironia, gioiosa e brillante. Una scrittura colta, accattivante, ricca di citazioni di musicali e letterarie, ma mai pesante, sempre scorrevole e leggera.

L’avvocato in guêpière non è soltanto un giallo di buona fattura, ma anche un romanzo divertente e leggero, che trasforma la leggerezza in energia , un trampolino per tuffarsi nelle acque più profonde della riflessione, della saggezza e, soprattutto, della voglia di vivere in pieno le proprie emozioni verso l'esortazione alla propria libertà.

Le foto sono relative alla presentazione del romanzo L’avvocato in guêpière di Silvia Alonso pubblicato da Rossini Editore a Firenze il 5 ottobre 2024 alla Biblioteca delle Oblate – Saletta Joyce-Lussu a cura del Gruppo Scrittori Firenze e con gli interventi di Nicoletta Manetti e Caterina Perrone.

SYLVIA ZANOTTO riscrive il mito di Medea assassina dei suoi figli.

Sat, 19 Oct 2024 09:46:33 GMT

La poetessa, danzatrice e performer SYLVIA ZANOTTO

al suo romanzo d’esordio COME NIJINSKY edito da Nardini

Tutto ciò che è lirica, parola, danza Sylvia riesce a improvvisarla con maestria e fascino, come ha dimostrato durante la sua lunga carriera di performer e danzatrice nei numerosi eventi in cui ha partecipato come protagonista.

La prosa, la scrittura di un romanzo, invece è tutt’altra cosa . Soprattutto nei romanzi di formazione come si può considerare questo Come Nijinsky. Una quantità di stesure che ormai nemmeno più Sylvia riesce a quantificare con esattezza; un lavoro di anni e anni, costellato di incertezze, gioie, paure, entusiasmi, cambi di rotta, improvvise esplosioni di creatività.

Un lavoro scritto e riscritto mille volte , sottoposto al giudizio temporaneo di editor, amiche scrittrici, quasi un lavoro di gruppo, anche perché i personaggi che fanno parte del variegato magico mondo di Sylvia sono presi dalla realtà, sono persone comuni o famose davvero conosciute, da esperienze veramente vissute.

Ma c’è anche tanta fantasia , un romanzo di pura narrativa, una storia che attraversa un arco temporale piuttosto ampio e che ha la forma polifonica del romanzo a più voci in cui i personaggi parlano in prima persona.

Anche se la narrazione prosegue per salti – i cosiddetti voli pindarici del ballerino e coreografo russo Nijinsky – sia temporali che spaziali, il lettore non ha il senso di spaesamento che di solito è il pericolo insito nei romanzi a più voci.

Il senso di spaesamento è annullato dal fatto che la storia ha un unico filo che la lega, che poi è la storia della vita di Sylvia Zanotto e la voce unificante è la sua, anche se la protagonista è Sonia che dialoga con altre tre amiche, ognuna appunto con narrazione in prima persona.

Per capire a fondo il tema di Come Nijinsky occorre conoscere il mito di Medea , che uccise i suoi figli, la cosa più innaturale che possa esistere. Come può una madre prima dare la vita e poi toglierla? È la stessa domanda che si è fatta la scrittrice tedesca Christa Wolf che insieme alla poetessa americana Hilda Doolittle sono le due muse ispiratrici, senza di loro questo libro non sarebbe mai esistito, come riconosce con molta umiltà Sylvia Zanotto nell’appendice dei ringraziamenti.

L’innaturalezza dell’assassinio da parte della madre dei propri figli non è mai risuonata nell’animo di Sylvia, anzi l’ha sempre lasciata esterrefatta. Femminista convinta e militante attraverso le sue opere, ma anche madre e moglie convinta e dedicata (lei dice che stira le camicie a suo marito), Sylvia Zanotto ha fatto del tema della maternità il fuoco che divampa in tutte le appassionate pagine del libro.

Un fuoco che divampa anche nei dialoghi così che essi non assumono la forma classica di scambio di battute tra personaggi, ma quelli di monologhi appassionati che si alternano tra i vari personaggi, in un turbine affascinante di emozioni, saltando (ancora Nijinsky) tra la danza e la poesia, il teatro e la musica, e l’arte in genere.

Nel libro è presente una colonna sonora di brani musicali che abbracciano un lungo e vario periodo musicale che l’autrice raccoglie per il lettore e permette di scaricare e ascoltare per mezzo di un QR che apre una lista su Spotify.

Sonia. Mi spaventa questa pagina in bianco, si apre davanti ai miei occhi come un labirinto di ricordi. Perché devo scrivere questa storia? Perché lo sforzo? Per far uscire queste voci, tutte queste voci che mi abitano, che inondano la mia testa e, a volte, non so qual è la mia e la loro. Credo d’impazzire. (cit.)

Sylvia è Sonia, ma Sylvia è anche Merilì, Angie, Evelyne, le quattro amiche che dialogano, a cui si aggiunge Madame Rose, l’amica della madre di Merilì. Tutti i personaggi sono emanazioni più o meno marcate della personalità dell’autrice che si esprime non in modo statico, parole nere che riempiono pagine bianche, ma in modo dinamico, salti alla Nijinskij, in un affascinante connubio tra danza (nel libro ci sono molte immagini di Sylvia che balla) prosa e poesia.

“E la scrittura lascia la magia delle parole che invece vorrebbero staccarsi dalle pagine e danzare” - Sylvia Zanotto

Le foto sono relative alla presentazione del romanzo Come Nijinsky di Sylvia Zanotto pubblicato da Nardini Editore del 10 settembre 2024 nel cortile interno della Libreria Libri Liberi in via San Gallo a Firenze, organizzata dall' Associazione Febbre e Lancia con il contributo dell' Estate Fiorentina 2024 ; ha moderato la scrittrice Nicoletta Manetti e l’accompagnamento musicale è stato a cura di Maurizio Speciale .

A VILLA BARDINI la mostra “OltreCittà. Utopie e realtà. Da Le Corbusier a Gerhard Richter”

Sat, 12 Oct 2024 13:51:34 GMT

Dal 26 settembre 2024 al 19 gennaio 2025 a Firenze Villa Bardini la città è protagonista di un viaggio multidisciplinare mai tentato nelle varie rappresentazioni artistiche.

La mostra di Villa Bardini a Firenze “OltreCittà. Utopie e realtà. Da Le Corbusier a Gerhard Richter” presenta 126 opere di pittura, scultura, architettura, fotografia e varia documentazione di artisti dei secoli XX e XXI.

Queste opere hanno tracciato identità urbane armoniche o dissonanti, ma tutte connaturate al superamento dei limiti dello spazio urbano inteso come luogo fatto di materia tangibile come l’insieme di edifici, di strade di piazze.

Le discipline artistiche svariano: sono all’opera per raccontarci la città in tutti i suoi molteplici aspetti pittori, fotografi, musicisti, scultori, architetti e cineasti. Pittori come Michelangelo Pistoletto, Umberto Boccioni, Alberto Burri; architetti come Le Corbusier e Rem Koolhaas; fotografi come Mimmo Jodice, Luigi Ghirri, Olivio Barbieri; compositori come John Cage e Luciano Berio.

Un approccio polifonico e, come ogni orchestra che si rispetti, ci sono i grandi direttori che conducono le varie voci con maestria: Calvino, Borges, Yourcenar, Verne padroneggiano lo strumento immaginativo che evoca speranze e paure, spunti di riflessione e interpretazioni personali.

Le tappe del viaggio/mostra sono le seguenti: 1) città desiderata; 2) città ostile; 3) mappe di città; 4) città dell’uomo; 5) utopie; 6) tracce urbane; 7) memorie di città; 8) città ribelle; 9) elementi di città; 10) nature urbane; 11) paesaggi urbani; 12) Metropolis.

Una riflessione sul macro-tema delle città che non propone una visione ideale dei centri urbani ma restituisce un ampio spazio per poterla concepire ancora a misura umana.

Per la prima volta viene esposta in una mostra l’opera Firenze III/XII di Gerhard Richter , oggi fra gli artisti più influenti in ambito internazionale, che traduce l’idea del movimento e del dinamismo di una città – Firenze – che si smaterializza sotto i nostri occhi.

Più che di opere, si tratta di “visioni” che si rivelano agli occhi dei visitatori attraverso lo sguardo sulle molte e talvolta discordi identità urbane, sempre e comunque protese al superamento dei limiti connaturati all’organismo città.

Il visitatore è dunque proiettato in un viaggio esperienziale affidato a opere di varia declinazione, in cui la pittura è affiancata da scultura, architettura e fotografia, diventando egli protagonista e spettatore al tempo stesso delle opere dei vari artisti, un viaggio coinvolgente che lo porta a interrogarsi sul tema della città, stimolato dalla sede della mostra, Villa Bardini, che offre una veduta straordinaria su Firenze, ancora oggi emblema della città ideale.

Alcune citazioni letterarie – di Ernest Hemingway, Italo Calvino, Dino Buzzati, Jorge Luis Borges, Christa Wolf, Jules Verne, Marguerite Yourcenar, Pier Paolo Pasolini, Fosco Maraini, Libero Altomare, Jean Paul Sartre – fanno da guida alla mostra suddivisa nelle 12 sezioni tematiche sopra indicate.

Fra i grandi nomi legati alla pittura inevitabile punto di partenza è Case in costruzione di Umberto Boccioni, figura fondamentale di riferimento per l’ambito futurista che ha influenzato profondamente l’evoluzione delle arti europee della prima metà del XX secolo. E ancora Piazza d’Italia di Giorgio de Chirico.

Tra gli scultori troviamo lo statunitense Sol LeWitt , esponente della Minimal Art, costruttore di strutture tridimensionali basate su un rigido sistema logico di procedura concettuale, del quale in mostra è esposta una Irregular Tower .

È presente anche Michelangelo Pistoletto con il suo Terzo Paradiso , un alluminio di utopica eco per la sezione introdotta dal testo di Oscar Wilde, affiancato da un’opera di Dani Karavan, Partition del 1973 e dal Cretto bianco di Alberto Burri.

La declinazione architettonica è affidata, tra gli altri, a Le Corbusier (in mostra anche Ville contemporaine pour 3 millions d’habitants del 1922), Stefano Boeri, Rem Koolhaas, Pietro Porcinai, Giovanni Michelucci e Antonio Sant’Elia. Per quanto riguarda la fotografia sono esposte opere di Mimmo Jodice, Luigi Ghirri, Olivo Barbieri.

Si aggiungono presenze di video e musica contemporanea (Daniele Lombardi, Giuseppe Chiari, John Cage, Luciano Berio, Giuseppe Chiari e Bruno Maderna) raccolte dal musicologo Francesco Bonomo che interpretano la città non soltanto come agglomerato urbanistico ma come espressione organica laddove i rumori della città ne divengono la voce.

L’esperienza si conclude con la proiezione di un filmato originale del regista Francesco Castellani che lascia spazio allo spettatore di interrogarsi sulle molte identità urbane.

IL TONDO RUCELLAI il nuovo giallo di Andrea Perondi

Fri, 04 Oct 2024 10:48:32 GMT

Attorno a un quadro attribuito a Filippino Lippi gravita un mondo di personaggi strani e misteriosi

Un variegato mondo di personaggi animano questo giallo: banchieri, imprenditori, artisti, religiosi. Apparentemente conducono una vita irreprensibile, ma tutti hanno qualcosa da nascondere e soprattutto danno la caccia a un quadro di valore inestimabile, attribuito a Filippino Lippi.

Tutto filerà liscio finché uno di loro verrà ritrovato privo di vita all’interno della sua auto. Allora entreranno in scena due poliziotti, il Commissario Seneca Agostini, personaggio a dir poco strano e particolare e la più “normale” Bianca Pirovano. Saranno soprattutto le intuizioni di quest’ultima a permettere la risoluzione del mistero .

Un giallo di buona fattura e avvincente per una serie di motivi: innanzitutto il ritmo , sempre alto, che tiene il lettore incollato alla pagina fino alla fine del libro; poi l’intreccio : le storie sono due che si dipanano in momenti e luoghi diversi ma nel finale si ricongiungono; tutti i nodi – numerosi - si scioglieranno per la comprensione lucida e razionale del mistero.

È un giallo classico con poco sangue (non ne sentiamo la mancanza) ma con diversi colpi di scena. La risoluzione dell’enigma avverrà nel metodo tradizionale, attraverso la raccolta degli indizi sul campo (alcuni oggetti saranno determinanti), gli interrogatori dei sospettati e alla fine le deduzioni del Commissario e della sua assistente.

L’autore riesce a tenere nascosta la verità al lettore che non sospetta nulla fino al capitolo della risoluzione del mistero. Si può sostenere, pertanto, che il giallo è caratterizzato da un buon finale a sorpresa.

Al di là della trama poliziesca, Il tondo Rucellai di Andrea Perondi ha due particolarità che lo rendono godibile: le precise ed esaustive descrizioni delle varie ambientazioni , per la maggior parte in ville nobiliari, con una certa attenzione nei confronti dell’aspetto architettonico, monumentale e artistico; il mondo dell’arte è ben rappresentato e la storia del Tondo Rucellai attribuito a Filippino Lippi ci evoca il periodo rinascimentale fiorentino.

L’altra particolarità è la caratterizzazione dei personaggi . Hanno tutti una voce ben riconoscibile, soprattutto quelli che usano il dialetto invece dell’italiano come lingua nei dialoghi. Inoltre, tutti hanno delle peculiarità molto spiccate che li fanno emergere dalla omogeneità dei personaggi normali.

Alcuni personaggi sono piuttosto strani, eccentrici, “esagerati” e questo è un aspetto particolare che contraddistingue questo romanzo. Tra tutti spicca il commissario Seneca Agostini, uno che si fa vedere in giro con un abbigliamento quasi clownesco e che guida una Renault d’altri tempi, naturalmente tutta sudicia e scassata. Fate conto che Il tenente Colombo in confronto a Seneca è un signore elegante.

Il commissario, all’inizio burbero, asociale, violento e scostante cambierà nel corso della storia a causa della frequentazione, per la risoluzione del caso, della collaboratrice Bianca Pirovano. Il percorso verso la normalità dei comportamenti del commissario sarà lento e graduale, ma costante. Il lettore alla fine comprenderà che quelle esagerazioni ostentate da Seneca erano soltanto un modo eclatante per coprire i vuoti della propria esistenza. Così il romanzo si arricchisce anche di un approfondimento psicologico che da all’opera un suo spessore e qualità.

FIERA DEL LIBRO FIAMMETTA a Certaldo: una vetrina d’eccezione nella quale ho avuto l’opportunità di presentare la mia produzione letteraria.

Thu, 19 Sep 2024 13:20:44 GMT

Fine settimana letterario nel Borgo Medievale di Giovanni Boccaccio

Ho partecipato insieme a 25 espositori tra case editrici, librerie e collettivi di scrittori al fine settimana letterario con la possibilità per i visitatori oltre che di esplorare lo splendido borgo medievale e il bellissimo Palazzo Pretorio di Certaldo, anche di andare alla scoperta delle novità librarie tra i tavoli della Fiera.

La seconda edizione della Fiera del Libro Fiammetta di Certaldo si è tenuta da venerdì 13 a domenica 15 settembre 2024 (dalle ore 11.00 alle ore 20.00) nelle antiche sale interne del bellissimo Palazzo Pretorio, organizzata da Federighi Editori e dal premio letterario Boccaccio in collaborazione con il Comune di Certaldo e la Regione Toscana.

Numerose le personalità del mondo della cultura e della politica che sono intervenuta a sostegno o per uno stimolante confronto.

Oltre alla Fiera del Libro, il Palazzo Pretorio di Certaldo ha ospitato numerose altre iniziative come mostre di fotografia, diverse installazioni artistiche, laboratori per i bambini, teatro dei burattini per una tre giorni all’insegna della cultura, dell’arte e del divertimento.

Sta per concludersi al Museo Novecento la mostra DA MODIGLIANI A MORANDI con i capolavori appartenuti ad Alberto Della Ragione

Sun, 08 Sep 2024 12:08:53 GMT

Una mostra per celebrare i primi dieci anni di vita del Museo Novecento di Firenze attraverso un viaggio inedito nei capolavori del secolo scorso, a partire dall'atteso autoritratto di Modigliani fino a opere iconiche di Morandi, Carrà e Guttuso, e molti altri.

Il capolavoro del pittore livornese, proviene dalle raccolte del MAC USP - Museu de Arte Contemporânea di San Paolo in Brasile , arriva al Museo Novecento dopo la sua uscita dalla raccolta di Alberto Della Ragione circa ottanta anni fa. Il dipinto, acquistato dall’ingegnere nel 1938, fu molto probabilmente rivenduto intorno al 1944: una decisione molto sofferta. Nell’agosto di quello stesso anno confidava all’amico Birolli le motivazioni che lo avevano indotto a compiere il doloroso passo: “Circa la cessione del Modigliani – scriveva Della Ragione – sono sicuro anch'io che mi pentirò, ma è proprio questa certezza che nobilita il sacrifizio fatto non per me ma per coloro i quali hanno diritto di poter contare su di me checché avvenga.”

Assieme al mitico autoritratto di Modì, saranno esposte la “Natura morta metafisica” di Morandi, la Camera Incantata di Carrà e la grande Crocifissione di Guttuso, tutti prestiti di inestimabile valore storico artistico giunti dai grandi musei italiani e stranieri.

La mostra Ritorni. Da Modigliani a Morandi , situata negli spazi adiacenti alla Collezione Permanente del museo, permette di sondare in maniera dettagliata le traiettorie del gusto che hanno ispirato, negli anni, le scelte di Alberto Della Ragione, protagonista di una stagione straordinaria della storia dell’arte e del collezionismo nel nostro Paese. L'occasione per ammirare alcune opere di luminosa e misteriosa bellezza.

L'esposizione presenta diciannove capolavori di arte italiana del primo Novecento . La cosa unica della mostra è che riunisce opere che nel tempo Alberto Della Ragione aveva ceduto, poi acquisite, per vie diverse, da alcuni dei principali musei d'Italia e del mondo dove, ancora oggi, si trovano conservate.

L'obiettivo è stato raggiunto grazie alla preziosa collaborazione e cura di Chiara Toti ed Eva Francioli, che hanno tessuto i rapporti con i tanti prestatori, tutti coinvolti e convinti a sostenere un progetto di importante valorizzazione dell'attività di collezionista di Alberto della Ragione.

L'ampiezza dei ritorni testimonia il grado altissimo di credibilità e di autorevolezza raggiunta dal museo Novecento di Firenze. Oltre alla forte emozione per la presenza di queste opere, c'è la possibilità di approfondire la conoscenza di un percorso estremamente significativo della cultura del ventesimo secolo, che ha visto coinvolti in stretto sodalizio gli artisti e il loro mecenate.

Oltre alla già citate opere di Modigliani, Morandi, Carrà e Guttuso, da segnalare una Natura morta con ventaglio di Soffici, che rimanda alla libertà espressiva e formale tipica delle avanguardie del primo Novecento.

L’ingegner Alberto Della Ragione fu un collezionista raffinato, tra i primi a dedicarsi negli anni Trenta del XX secolo all'acquisto di opere di arte moderna, contribuendo così al rinnovamento del gusto degli italiani , ancora fermo alla pittura dell'Ottocento. In pieno conflitto mondiale, all'inizio degli anni Quaranta, si rivolse invece alle nuove leve e divenne confidente e munifico finanziatore di Guttuso, Birolli, Santomaso, Vedova, sostenendo il dibattito artistico che diverrà cruciale nel dopoguerra.

È del 1970 la donazione al Comune di Firenze della Collezione Della Ragione. Il Museo Novecento, per festeggiare i suoi primi dieci anni, affiancherà la negli ambienti attigui a quelli che abitualmente ospitano le opere della Collezione Permanente acquisita nel 2014, capolavori non visibili sul territorio italiano.

Per mezzo della vendita dell’autoritratto di Modigliani, Alberto Della Ragione cercò infatti di recuperare le risorse necessarie per sostenere artisti più giovani e sperimentali. La presentazione del celebre dipinto consentirà quindi non solo di ricostruire la fortuna critica dell'opera, e di evocare la vita e la carriera di Modì, ma anche di interrogarsi sull'appassionata compartecipazione del collezionista e mecenate alle vicende personali e professionali dei pittori e scultori a lui vicini.

Ne restano, a testimonianza, le opere donate a Firenze da Alberto Della Ragione per la costituzione di un Museo Internazionale di Arte Contemporanea che risarcisse simbolicamente i danni subiti dal patrimonio storico-artistico della città durate l'alluvione del 1966: un nucleo straordinario che comprende duecento quarantuno opere , "frutto di una vita di intensa passione", che fu donato "quale attestazione di affetto per Firenze" .

Tra tutti merita citare, per il suo ruolo di primaria importanza, Renato Guttuso , autore della celebre Crocifissione oggi conservata alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma e giunto in prestito grazie alla speciale collaborazione con il museo. La Crocifissione fu acquistata da Alberto Della Ragione e da questi restituita, intorno al 1959, allo stesso artista, che del collezionista ricordava: " Seppe darci ciò di cui avevamo bisogno: la fiducia e l'amicizia, viveva con noi della stessa passione, si bruciava della stessa fiamma".

Animato da un'intensa passione per il bello e le nuove sperimentazioni figurative, Alberto Della Ragione rimane ancora oggi un esempio indiscusso di mecenatismo coraggioso e di raffinato collezionismo.

I suoi gusti, originariamente orientati verso la pittura italiana del secondo Ottocento, subirono un radicale cambiamento in seguito all'incontro sconvolgente con l'arte contemporanea, suggellato dalla visita alla Quadriennale di Roma del 1931.

Alberto Della Ragione decise così di collezionare opere novecentesche , rispondendo all'istanza etica "di non passare ad occhi chiusi tra l'arte del proprio tempo, ma di dare all'opera dell'artista vivente il legittimo conforto di una tempestiva comprensione" .

Inizialmente orientato verso i nomi già noti dell'arte italiana, in seguito si indirizzò decisamente verso artisti più giovani , spesso rifiutati dai galleristi perché ritenuti troppo sperimentali, oppure trascurati dalla critica ufficiale per ragioni politiche. Alcuni di questi artisti sarebbero rimasti, come presenze costanti, all'interno della collezione.

Alle opere dei maestri riuniti intorno alla rivista Valori Plastici dei primi del Novecento, si affiancarono le creazioni del gruppo Corrente e della Scuola Romana , che generarono un radicale cambio di rotta nella collezione. Prese così progressivamente corpo una collezione d'eccezione, ampiamente rappresentativa dell'evoluzione dell'arte italiana fra le due guerre, che si alimentò delle frequentazioni dell'ambiente milanese e genovese.

Grazie alla mostra Ritorni. Da Modigliani a Morandi , è possibile sondare in maniera più dettagliata le traiettorie del gusto che hanno ispirato, negli anni, le scelte di Alberto Della Ragione, protagonista di una stagione straordinaria della storia dell'arte e del collezionismo nel nostro Paese. L'occasione per ammirare alcune opere di luminosa e misteriosa bellezza, frutto del genio italiano.

La mostra DO NOT ABANDON ME di Louise Bourgeois al Museo Novecento di Firenze

Sun, 01 Sep 2024 16:21:39 GMT

T utto ciò che vogliono da te è che tu sia te stessa, senza vergogna e senza falsa vergogna. Vigliacca, signora, permetti loro di fidarsi di te! Tutto qui, non abbandonarli abdicando a te stessa .

Luise Bourgeois, Ode à Ma Mère , 1995.

Do not abandon me , la mostra di Louise Bourgeois, occupa quasi per intero le sale del Museo Novecento, dal piano terra al primo piano, e una grande opera nel centro del chiostro delle Ex Leopoldine.

Il titolo della mostra fa riferimento alla paura dell’abbandono che Louise Bourgeois nutre da sempre e che, in questo caso, si riferisce alla diade madre-bambino, il modello di tutte le relazioni future umane e artistiche.

La maternità e le inquietudini ad essa correlate sono al centro della concezione che Louise Bourgeois ha di se stessa. Man mano che la vecchiaia la rende più fragile e più dipendente dagli altri, lo spostamento inconscio verso la madre caratterizza il suo lavoro in modo sempre più pregnante.

stai per abbandonarmi?

e anche lui?

e lei?

e noi?

e voi?

e loro?

Mi manca disperatamente mia madre.

(Louise Bourgeois)

Louise Bourgeois è nata e cresciuta alle porte di Parigi, dove i genitori gestivano un laboratorio di restauro di arazzi. La sua infanzia è stata segnata da un rapporto complicato con la famiglia , con esperienze traumatiche che sono state una delle principali fonti di ispirazione. Dai disegni intimi alle installazioni su larga scala, realizzate in una varietà di materiali , tra cui legno, marmo, bronzo e stoffa, l’artista ha espresso i suoi stati psicologici con un vocabolario visivo formale e simbolico, che oscilla tra astrazione e figurazione.

Emozioni come la solitudine e la gelosia, la rabbia e la paura sono state i fili conduttori del suo lavoro per tutta la vita, a volte espresse in forma ossessiva. Negli ultimi cinque anni della sua carriera, ha realizzato le gouaches che esplorano i cicli della vita attraverso un'iconografia di sessualità, procreazione, nascita, maternità, alimentazione, dipendenza, famiglia e fiori.

La gouache (il guazzo), è un tipo di colore a tempera reso più pesante e opaco con l'aggiunta di un pigmento bianco (per esempio biacca o gesso) mescolato con la gomma arabica. Bourgeois lavora bagnato su bagnato, rinunciando a un certo controllo sul risultato finale per lasciare fare al caso. Il rosso, tra i colori preferiti e più ricorrenti nei suoi lavori, evoca i fluidi corporei, come il sangue e il liquido amniotico.

Le metafore in natura sono molto forti…

La natura è una modalità di comunicazione.

(Louise Bourgeois)

In mostra è presentata una serie di sedici stampe digitali su tessuto intitolata Do not Abandon Me (2009-10), frutto della collaborazione con l'artista britannica Tracey Emin (Margate, 1963). Si tratta di un progetto di forte empatia tra le due artiste, capace di comunicare i loro linguaggi artistici a livello universale, creando composizioni visive di elevata tensione e significanza.

Di eccezionale impatto visivo, posto al centro del chiostro del museo, lo Spider Couple 2003, uno dei celebri grandi ragni dell'artista realizzato in bronzo. Fin dalle sue prime opere, Bourgeois ha posto come tema essenziale del suo discorso artistico il rapporto con la madre. A partire dagli anni Novanta l’ha associato all'immagine del ragno.

Il ragno rappresenta per Bourgeois un simbolo della figura materna e, come tale, portatore di significati duplici e contrastanti . Può essere interpretato come l'incarnazione di un'intelligenza estrema, una figura protettiva che provvede ai suoi piccoli costruendo una casa e assicurando il cibo, ma è anche la manifestazione di una presenza minacciosa e inquietante, espressione di ostilità, aggressività, generatore di esperienze traumatiche provenienti dal profondo dell'inconscio.

a sinistra: SPIDER (2000) acciaio e marmo - a destra: THE FRAGILE (2007)

Attraverso le sue opere, Louise Bourgeois ha esplorato le dinamiche della psiche umana sostenendo che il processo creativo è una forma di esorcismo , un modo di ricostruire ricordi ed emozioni per liberarsene.

Sebbene si sia dedicata ampiamente alla pittura e al disegno, nel corso degli anni sarà soprattutto la scultura a costruire una parte fondamentale del suo lavoro, tutto incentrato su elementi autobiografici , tensioni e traumi familiari, spesso rielaborati in chiave metaforica, determinati dal complesso rapporto con i genitori. Molte opere narrano l'esperienza sconvolgente dell'abbandono e il desiderio di connettersi con l'altro.

Il suo mondo è fatto di intensità emotive e ossessioni, provenienti dall'inconscio. Nel tentativo di esprimere l'indicibile, utilizza una poetica del perturbante in grado di esorcizzare traumi e inibizioni, espressa con una straordinaria varietà di materiali e tecniche.

THE FRAGILE (2007) stampa digitale e serigrafia con inchiostro su tessuto, serie di 36

La grande installazione Peaux de lapin, chiffons ferrailles à vendre, è una delle ultime opere appartenenti alla serie Cells . Il titolo rimanda a un ricordo d'infanzia, quello delle grida dei raccoglitori di stracci impegnati a vendere la merce per strada. All'interno della cella l’artista ha inserito alcuni elementi scultorei che richiamano la sua storia personale e familiare, come sacchi di stoffa e pelli di coniglio.

Questi elementi sono riferibili al ventre vuoto e, per estensione, al corpo femminile, e agli animali cacciati dai suoi familiari. Anche il titolo della serie si lega a molteplici significati della parola "cell", sia come cellula che come cella, quindi tanto all'unità elementare di tutti gli organismi viventi quanto alla condizione di isolamento, separazione, reclusione che caratterizza la dimensione carceraria, monastica.

Significati che assumono una speciale risonanza nel Convento delle ex Leopoldine che un tempo è stato ospedale, luogo di ricovero, di educazione e di reinserimento femminile, ma anche scuola e perfino prigione.

DO NOT ABANDON ME (2000) Puntasecca su tessuto

“ Le Cells rappresentano vari tipi di dolore: il dolore fisico, quello emotivo e psicologico, quello mentale intellettuale. Quand'è che il dolore emotivo diventa fisico? E quello fisico quando diventa emotivo? È un circolo senza fine. Il dolore può avere origine in qualsiasi punto e muoversi in un senso o nell'altro. Ogni Cell ha a che fare con la paura. La paura è dolore. Spesso non viene percepita come tale perché si maschera sempre. Ogni Cell ha a che fare con il piacere del voyeur, il brivido di guardare e di essere guardati. Le celle ci attraggono o ci respingono. C’è questa urgenza di integrare, fondere, disintegrare.” Louise Bougeois

UN ANNO DI CARTA un racconto al mese, antologia edita da Jolly Roger

Sun, 01 Sep 2024 09:44:23 GMT

Ogni mese diventa un alibi per trattare l'amicizia, l'amore, l'illusione, il brivido o l'assurdo secondo la sensibilità dei dodici scrittori che hanno partecipato a questa antologia.

Un anno di carta raccoglie dodici racconti, uno per ogni mese dell’anno. Ogni autore si è lasciato liberamente ispirare da ciò che il mese scelto ha portato con sé, vuoi perché include la data del compleanno, oppure particolari ricordi di viaggi, la stagionalità preferita, una data importante.

Il risultato è una piacevole miscellanea di stili, trame, personaggi . Del resto il racconto porta in sé per costituzione la varietà di lingue, voci, atmosfere, toni, a cui in due curatori Andrea Zavagli e Saimo Tedino hanno fatto riferimento per la scelta delle opere da inserire nella raccolta.

Gli autori sono tutti scrittori che hanno pubblicato diversi libri tra romanzi e antologie di racconti: Gabriella Becherelli, Giovanna Checchi, Antonella Cipriani, Federico Fabbri, Cristina Gatti, Nicoletta Manetti, Fausto Meoli, Caterina Perrone, Saimo Tedino, Marco Tempestini, Sylvia Zanotto, Andrea Zavagli.

Per la cronaca, l’antologia Un anno di carta è stata presentata dallo scrittore e musicista Nicola Ronchi, con la partecipazione dell’editore Fabio Gimignani, dei due curatori Andrea Zavagli e Saimo Tedino e di alcuni autori, il 28 agosto 2024 nella splendida cornice del Giardino delle rose a Firenze . Le foto del servizio sono relative a questo evento.

Per il mese di gennaio Fausto Meoli ci regala Una ragazza di Ipanema , un racconto sotto forma epistolare. È un ricordo di un viaggio a Rio de Janeiro dove il protagonista conosce Paula, una ragazza non particolarmente affascinante ma “dagli occhi profondi e bellissimi” che lo incanteranno.

L’ultima luna di febbraio , racconto surreale di Cristina Gatti, ci porta nell’anno 2046: la protagonista Sara ha scoperto qualcosa di molto importante che sarebbe bene che tutti conoscessero. Verrà ascoltata?

Marzo è il mese di Gabriella Becherelli che ci fa vivere molte storie nella Firenze del 1445 con il racconto Zefiro, il vento del nord . L’autrice si immerge nella vita fiorentina, in particolare in quella di una famiglia di un conciatore di pelli, sua moglie Esmeralda e i quattro figli, storie che vanno avanti fino al 1480.

Se il vento soffia quando aprile canta di Sylvia Zanotto è la storia di due donne, Matilde e Dorina, che ricevono una lettera il primo d’aprile, credendo a uno scherzo. Ma la storia porterà a un finale in cui si capisce che non era affatto un pesce d’aprile.

Il mese di maggio è dedicato da Nicoletta Manetti al suo amore per la napoletanità con il racconto ‘Na sera ‘e maggio . Il rito del caffè, soprattutto quello preparato da Brigida che lo offre dal davanzale di casa a tutto il vicinato, è raccontato con ironia dall’autrice. La confusione sarà tale che dovranno intervenire i carabinieri.

A giugno Giovanna Checchi ci porta a Lecce nella sontuosa villa nobiliare dei conti Norberto e Teresa. Il racconto Desideri e illusioni affronta le votazioni per il referendum del 2 giugno 1946 dal punto di vista dei due nobili monarchici.

Luglio è il titolo del racconto di Federico Fabbri. Un caldissimo 18 luglio dove il protagonista ha deciso di dare una svolta alla sua vita. Ci riuscirà?

Nel racconto Agosto Antonella Cipriani ci fa entrare in casa di zia Silvana e nonna Argelide dove la protagonista e l’amica Chiara sono in procinto di partire per una gita al mare. Ma dovranno rinunciare per un fatto di cronaca gravissimo accaduto in Italia che ha coinvolto anche un membro della loro famiglia. È l’agosto del 1980 con la bomba alla Stazione di Bologna.

Anche Caterina Perrone ci fa viaggiare nel tempo: con il racconto 8 settembre siamo a Parma nel 1940. Si tratta di una storia d’amore tra Antonio e Adele, con tutti i contrasti, le ansie, le tragedie della guerra in corso. Da segnalare la nota a fine racconto: riferimenti a fatti e persone non sono affatto casuali: è tutto vero, tratto da ricordi, racconti e pagine di un diario .

Oktoberfest è il titolo del racconto di Andrea Zavagli. La festa della birra in Germania è soltanto un pretesto per un surreale dialogo tra il protagonista di un romanzo poliziesco ancora tutto da scrivere e l’autore. Chi la spunterà tra personaggio e autore?

Novembre è il mese dei morti e quindi quello più adatto per scrivere un racconto sulla missione del protagonista Arnolfo che è quella di uccidere. Nessuno è perfetto di Marco Tempestini è un thriller con un serial killer che uccide dopo aver letto romanzi polizieschi con efferati delitti.

Natale da solo è uno spassoso racconto di Saimo Tedino dove un bambino viene dimenticato dai genitori a un centro commerciale e qui passerà tutta la vita.

Le figure in bianconero direttamente dipinte nelle pareti del Museo Novecento di Firenze

Mon, 26 Aug 2024 14:22:21 GMT

La cifra linguistica dell’artista napoletana MP5,

incisiva e radicale, è difficile da dimenticare.

Residente a Roma, MP5 ha studiato scenografia teatrale a Bologna e animazione alla Wimbledon School of Art di Londra. Le sue immagini. che rimandano all’arte classica, sono realizzate con una visione critica e politicamente impegnata nella realtà sociale di oggi, soprattutto verso tematiche inerenti corpi e genere.

Proveniente dalla scena artistica underground e dalla controcultura europea , ha esposto le sue opere in vari musei e gallerie in tutto il mondo. Ha realizzato opere pubbliche in Europa, Asia e Stati Uniti. Dal 2018 al 2023 con Alessandro Michele ha curato la campagna globale per la Gender Equality Chime for Change di Gucci. Nel 2021 ha collaborato al progetto Movimento-Immagine con il coreografo e performer Alessandro Sciarroni. Dal 2018 ha lavorato con Michela Murgia e Chiara Tagliaferri al progetto editoriale Morgana . Sono sue le immagini simbolo del movimento Non Una Di Meno .

La Terza Dimensione è una serie di opere site-specific per il Museo Novecento in collaborazione con Sergio Risaliti e Jacopo Gonzales, suddivisa in due sezioni. La prima è una sequenza di figure in bianco e nero che occupano le pareti circostanti il chiostro delle ex-Leopoldine. Presentate in piedi e frontalmente una a fianco dell’altra, sembrano sospese e solenni in una sorta di limbo spaziale e temporale.

Nel loggiato al piano superiore, l’insieme dei disegni si trasforma in una coreografia a nastro intrecciato di figure legate le une con le altre che si sfiorano, si abbracciano, si baciano. Un desiderio di affettività che si dipana in un continuum di dolcezza e sincerità, senza limitazioni, vergogna, imposizione.

Una terza dimensione quella del titolo che forse è un rimando al Rinascimento, di cui Firenze è stata il vivaio, o che invece proprio qui a Firenze vuole trasformarsi e rifondarsi in una nuova prospettiva non più antropocentrica e patriarcale ma trans-genere che possa riconoscere, includere e agire tutte le soggettività.

Una coreografia di corpi, un fregio classico che per dimensioni ricorda gli affreschi michelangioleschi sulla volta della Cappella Sistina.

I corpi da statici diventano campi dinamici, che si aggrovigliano mettendo in scena un movimento che restituisce la potenza dell’incontro fisico , della vicinanza, dell’esplorazione della propria soggettività e dei desideri più profondi, oltre l'interdetto e il rimosso. Sapere che ognuna di queste figure e di questi gesti è parte di un archivio di immagini estratte dalla filmografia porno ci fa capire come al centro della visione poetica di MP5 ci sia la bellezza del desiderio , la sacralità della soggettività e del suo corpo, la potenza dolce dell’amore che annulla la distanza tra ciò che è umano e ciò che è divino. I corpi eterogenei di MP5 non parlano di consumo sessuale ma di erotismo e di affettività, di un nuovo ordine amoroso costruito da relazioni non omologate e non sottoposte, consciamente o inconsciamente, al regime punitivo dei condizionamenti sociali e culturali.

“ Il mio sogno, e penso quello di molte persone, è di riuscire a usare un linguaggio che non debba per forza attenersi a un pronome, femminile o maschile che sia ” – racconta MP5 al quotidiano La Stampa. “ Mi è sempre piaciuta l'idea di non esistere come corpo ma solamente come soggetto agente e attivo , e quindi di non definirmi in nessuna maniera. Anche il mio nome è uno statement, in questo senso. Cerco di stare al mondo fisicamente, per quanto posso, utilizzando alcune piccole accortezze ”.

“ Le mie idee politiche, come tutte le mie esperienze, si riflettono nell'opera – dice – ma ciò non significa che l'opera debba essere politica. Il processo di realizzazione di un'opera è un processo principalmente ego-riferito. È bellissimo, e per me è un grande onore, che i miei lavori vengano utilizzati per dei fini che reputo nobili. Una volta mi è stato detto da due ragazze: "Questi disegni non sono più i tuoi, sono i nostri". Ho pensato che fosse proprio così. È una soddisfazione immensa quando la tua opera va al di là di te e diventa un lavoro collettivo”.

Nelle lunghe composizioni orizzontali di MP5 gli individui rappresentati si offrono nudi allo spettatore , fermi di fronte alla loro esistenza, o cristallizzati in momenti di condivisione intima ed emotiva: un bacio, un abbraccio, un contatto carnale. “Nella mia carriera ho disegnato modelli, amanti, amici. Anche il mio corpo. Ma la plasticità perfetta l'ho trovata nella pornografia. Scandagliare ogni frame di un film hard per trovare il fermo immagine giusto è un lavoro di costanza e precisione. Nella mia ultima installazione, realizzata per il Museo Novecento di Firenze, tutta la costruzione del loggiato viene da film porno”.

La sua pratica non accetta facili definizioni, non pretende iscrizioni a generi e a scuole, piuttosto abbraccia l’idea di un linguaggio aperto e inclusivo che con dolcezza e raffinata poesia rifiuta compromessi e addomesticamenti. Un linguaggio di sofisticata cultura visiva che raggiunge il cuore e fa comunità, parla alla moltitudine e mette in scena la sensualità dell’intimità, l’erotismo della differenza esibita con naturalezza e senza pudore. È in questo manifestare che va ricercata l'essenza del lavoro di MP5 e la sua rilevanza in una contemporaneità per la quale il corpo rappresenta un argomento di infinito dibattito.

Le parole dell’artista MP5 sono riprese dall’intervista che ha concesso al quotidiano “La Stampa” pubblicata il 23 agosto 2024

I LUPI DENTRO, l’ultimo romanzo di EDORDO NESI pubblicato da La Nave di Teseo

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Mon, 24 Jun 2024 17:01:17 GMT

"Ovunque c’era quella scritta. Sui cartelloni pubblicitari, sulle fiancate dei taxi, sui muri. In inglese, perché intendesse chi doveva intendere.

THE BEST IS YET TO COME. Il meglio deve ancora venire"

(Edoardo Nesi, I lupi dentro, 2023 - pag. 284).

Federico, protagonista e io narrante, corre con la sua vecchia Porsche tra Prato e Firenze, rievocando l’epoca della sua giovinezza , in cui era convinto di essere stato molto fortunato a nascere nel 1964 a Prato, con il babbo imprenditore. Una giovinezza senza problemi, in sacco a pelo con gli amici del cuore a Ibiza, o in vacanza a Forte dei Marmi dove conosce Ginevra, gioia e dolore della sua vita. Lui convinto di poterla prima o poi sposare, lei che non si preoccupa altro che fare carriera come modella internazionale. Così Federico si ritrova alle soglie dei sessant'anni senza aver costruito niente , anzi quel poco che ha ricevuto dal padre gli viene pignorato per un fallimento. Ma il dolore più grande verrà dal suo migliore amico Vittorio, che è diventato ricco e famoso attraverso il romanzo, I lupi dentro , in cui ha raccontato di lui, creandogli il vuoto intorno.

I lupi dentro contiene sinergie narrative con Storie della mia gente il romanzo che ha dato a Edoardo Nesi il premio Strega nel 2011. Stesso tema, stessa atmosfera, stessa ambientazione, addirittura alcune ripetizioni onomastiche. Nel primo romanzo l’autore utilizza il modello del memoir autobiografico scritto in prima persona; in quest’ultima opera, grazie all’uso della terza persona, allontana i rischi di un autobiografismo troppo evidente e quindi meno attraente.

I lupi dentro è ambientato ai giorni nostri nel momento di massima caduta della parabola di Federico Carpini , erede indegno di uno dei tanti self made man che nella provincia toscana si sono arricchiti vendendo la “lana rigenerata” a tutto il mondo, lavorando giorno e notte per tirare su una ricchezza che si materializzava nelle ville progettate da architetti di fama, nelle opere di arte contemporanea collezionate per il gusto di possederle, nelle auto di grossa cilindrata e in tutti quegli oggetti di lusso che nel cuore della Prato degli anni Ottanta avrebbero persino fatto impallidire la “Milano da bere” di quegli stessi anni.

La trama è condizionata dai clichés del romanzo di formazione . Ne citiamo soltanto alcuni: il gruppo degli amici fedeli fino alla fine; l’amore non corrisposto che fa virare al tragico la vita sentimentale del protagonista; il disperato bisogno di riprendere i legami con la famiglia d’origine. L’originalità dell’opera, pertanto, non va ricercata nell’intreccio, ma nella modalità di scrittura e nella cifra stilistica, caratterizzati da un espressivismo denso di elementi dialettali, mai inutili o ostentati; da tecnicismi tipici dell’industria tessile che ha segnato l’ascesa e la caduta di Prato; dall’architettura, dall’arte contemporanea, dalla letteratura e dalle continue citazioni musicali, a partire dal titolo.

La narrazione della provincia e della città di Prato ricorda Giorgio Bassani, che ha passato una parte minoritaria della sua esistenza a Ferrara ma ha scritto sempre di Ferrara. Le sue opere interessano e piacciono anche ai non ferraresi, così come Edoardo Nesi, pur raccontando sempre di Prato, scavalca i confini provinciali, perché queste narrazioni sono universali, sono la rappresentazione dell’umano e non mere descrizioni di luoghi, di fatti e di persone, altrimenti, come dice Nesi “avrei scritto un saggio e non un romanzo”. La rappresentazione della provincia può essere soggettiva e diversa, in Bassani come in Nesi.

Il fatto che uno scrittore scriva sempre lo stesso libro, potrebbe sembrare un’accusa o un riconoscimento di un limite, ma non lo è nel caso de I lupi dentro perché l’ossessione che Edoardo Nesi ha per i soliti temi, gli stessi luoghi, si trasforma in letteratura . E poi c’è anche l’aspetto nostalgico, molto struggente, identificato nella ricerca accorata di tutti i cambiamenti avvenuti nella sua città dagli anni Ottanta a oggi.

La musica degli anni Settanta e Ottanta fa da colonna sonora alle vicende dei protagonisti. Una canzone emerge su tutte: Young Turks di Rod Stewart, dato che il ritornello invoca i “giovani turchi dal cuore giovane” che sono davvero liberi perché hanno la giovinezza dalla loro parte, proprio come sembra avere Federico, anche se la scelta stilistica dell’alternarsi narrativo dei piani temporali (il romanzo parte da un ricordo ma in realtà è ambientato nelle ultime ore del protagonista con frequenti analessi) mette subito il lettore sull’avviso che di questa libertà rimane ben poco. Attenzione però, il finale assolutamente inaspettato, coglierà il lettore di sorpresa.

Non soltanto la segnalazione di una infinità di successi di quegli anni, ma lo stesso ritmo dei dialoghi sembra a volte riecheggiare il testo dei tanti successi musicali citati. I lupi dentro è un romanzo che ha andamento ritmico molto forte , vista l’abbondanza di dialoghi che si alternano con i monologhi interiori. Questa è la chiave di lettura per interpretare il romanzo, non la musica, pur presente in modo ossessivo, ma la letteratura, anch’essa citata direttamente o indirettamente dai protagonisti.

Gli anni Ottanta piacciono molto a Edoardo Nesi che dichiara: “è il 1983 l’anno migliore degli anni migliori”. È probabile che gli anni migliori della propria vita siano quelli di quando abbiamo vent’anni , quando si pensa di poter conquistare tutto il mondo. Quando non abbiamo più vent’anni ci rendiamo conto che il mondo è cambiato e non risponde più a quei sogni, desideri, aspettative di gioventù. Nell’età matura ormai le cose le abbiamo fatte, quei sentieri li abbiamo percorsi. Questo è il tema vero del libro, un classico nella letteratura: i sogni sono realizzati o le illusioni sono perdute. Anche se siamo soddisfatti della propria esistenza, ci rendiamo conto che non abbiamo ottenuto ciò che veramente avevamo aspettato dalla vita. Nel mondo c’è sempre qualcosa che ci aspetta, ma forse comincia ad essere tardi per ottenerla. Un tale struggimento è l’aspetto più importante e bello di questo romanzo.

Le foto sono state realizzate durante la presentazione a cura di Giorgio Bernardini il 7 ottobre 2023 al Museo Pecci di Prato dove Edoardo Nesi ha dialogato con Giorgio Van Straten.

SCHEGGE l’ultimo romanzo di Bret Easton Ellis, pubblicato da Einaudi

Thu, 20 Jun 2024 10:19:28 GMT

Nell'autunno del 1981, la vita di un gruppo di diciassettenni californiani che frequentano l'elitaria Buckley School viene sconvolta dall'arrivo di un ragazzo tanto affascinante quanto disturbato e perverso. Cosa nasconde Robert Mallory e qual è il suo legame con il serial killer che sta imperversando in città? In una Los Angeles sensuale e violenta, fatta di feste in piscina e musica new wave, vodka e cocaina, Bret Easton Ellis racconta la sua storia più personale, emozionante e oscura.

Un personaggio di nome Bret , sta pensando di scrivere un romanzo, mentre frequenta un liceo di ricchi bianchi nella West Coast. Omosessuale non ancora dichiarato, il suo amore oscilla tra Thom e Susan, divinità della bellezza e della sensualità della scuola. Frequenta una ragazza, Debbie, ma finisce per avere a che fare anche con il padre di lei, vive praticamente solo perché i genitori, nel tentativo di tenere insieme il loro matrimonio, viaggiano da una parte all'altra del mondo.

La cosa migliore per capire il romanzo, che non ha una vera e propria trama, che non è neanche un romanzo ma un metaromanzo, è sentire cosa dice lo stesso Bret Easton Ellis quando un editore gli chiede su cosa sta scrivendo: «Non sapevo cosa rispondere perché a me non importava che cosa facessero i personaggi. Esistevano, e volevo solo trasmettere uno stato d'animo, immergere il lettore in un'atmosfera particolare creata da dettagli attentamente selezionati. Che cosa facevano i giovani? Quella domanda implicava che ci fosse una trama, una storia con un inizio, uno svolgimento e una fine. I giovani uscivano, ascoltavano musica, facevano sesso, andavano nei club, a volte si drogavano, partecipavano a feste in magioni con piscine e campi da tennis e sale di proiezione, andavano a zonzo per la città in auto di notte, i loro genitori erano assenti e i giovani andavano a fare shopping lungo Rodeo Drive, si dibattevano soli nel mondo, fissavano lampadari dopo essersi fatti di acido. Come potevo riassumere tutto questo in una trama?»

Bret, ovviamente, non è Bret Easton Ellis, anche se ha un fidanzato con lo stesso nome di quello di lui e ha scritto libri con gli stessi titoli. Bret, ovviamente, è Bret Easton Ellis, secondo quel particolare modo di scrivere di cui lui è il maestro indiscusso, forse addirittura l'inventore. Si tratta di un approccio narrativo derivato da uno stato psichico alterato da alcool, droghe e psicofarmaci, che mostra la realtà come una specie di flipper che si illumina ogni volta che ci sbatti contro. «Oggi è più difficile essere persone di buon senso, c'è la tendenza a vedere tutto bianco o nero, si zittiscono sfumature e contraddizioni. Ed è sempre peggio. Quello che conta è restare sé stessi»

«Scrivo perché ho una questione da risolvere, un amore non ricambiato, un problema con mio padre oppure l'io adulto che guarda indietro e vede quanto era incasinato il Bret sedicenne. E quando lo faccio, arriva il sollievo» . Bret Easton Ellis

Bret Easton Ellis è il cantore degli anni Ottanta : cosa avevano di speciale? «La musica: era migliore. Ma soprattutto la libertà. Nessuno è mai stato più così libero. Noi potevamo offendere e sentirci offesi, non eravamo schiavi di un'ideologia. Oggi i ragazzi se dicono qualcosa di sconveniente vengono allontanati dalla scuola e il tasso di suicidi è schizzato: all'epoca non ho mai sentito di ragazzi medicalizzati per disturbi psichici e non c'erano sparatorie».

«L'importante è vivere, anche il dolore, l'imbarazzo, inciampare, imparare dagli errori per diventare più empatici» Bret Easton Ellis

La caratteristica di questo Bret personaggio che è l’autore è di essere l’unico personaggio che non ha la malattia dell’indifferenza , l’unico che vede un problema e si preoccupa di risolverlo. Non tutti i personaggi sono insensibili, hanno semmai una neutralità, una spiccata ispirazione estetica, tipiche della cultura minimalista della Los Angeles degli anni Ottanta, che poi non è altro che un modo per proteggersi dalle emozioni forti. Alla fine del libro c’è un disclaimer dove la quintessenza dell’ insensibilità si trasforma in oblio . “Afferamre che qualcuno di noi fosse stato politicamente impegnato avrebbe significato entrare nel territorio delle favole, eravamo adolescenti distratti dal sesso, dalla musica pop, dalle celebrità, dall’effimero e dalla nostra commovente neutralità”

Per Bret Easton Ellis lo scrittore deve essere un outsider , deve avere una prospettiva del mondo diversa, deve fuggire dai cliché. "Ho dovuto rileggere molti libri perché la mia idea di mondo non c'era, così mi è venuta la voglia di scrivere per proporre il mio punto di vista. Quando si cominciano a vedere e sentire le cose che non ci sono, allora si comincia a scrivere". Il personaggio Bret è un individuo bellissimo, fortemente manipolatire, che entra in una società chiusa per scardinarla. Bret, che fa parte di questa società di uomini e donne perfetti fisicamente, esteticamente bellissimi, è l’unico che è imperfetto, è stato grasso, ha dovuto fare molta ginnastica per dimagrire, per acquistare quell’aspetto che gli altri hanno per dono genetico.

In un romanzo di 740 pagine non si può non menzionare (con onore) il lavoro del traduttore. Giuseppe Culicchia, abile nel ricreare un meraviglioso affresco della Los Angeles degli anni Ottanta con le innumerevoli questioni carsiche che lo compongono. Sentiamo cosa dice lo stesso Culicchia: “Tradurre le pagine di Ellis non è mai facile, perché la sua è una scrittura iperrealista: a dialoghi perfetti, in cui pare di sentire distintamente le voci di ogni singolo personaggio, si accompagna una descrizione di luoghi e ambienti così accurata da richiedere un notevole lavoro di ricerca, visto che la vicenda è ambientata nella Los Angeles dei primi anni Ottanta. Come già in American Psycho, anche in Le Schegge Ellis gioca magistralmente con le sfumature per costruire una storia fatta di apparenze e piena di ambiguità, e trovare le parole giuste per restituire determinate finezze ha comportato da parte mia diverse riscritture. Infine, tradurre certi passaggi - quelli dove andiamo a sbattere contro frasi che non hanno pietà né dei protagonisti né del lettore - ha richiesto lo sforzo di trovare un distacco maggiore. Non so come faccia lui a scriverli, anche se quando gliel'ho chiesto mi ha spiegato di basarsi sui rapporti dei medici legali incaricati di descrivere con la maggiore precisione possibile ciò che trovano dopo il passaggio di un serial killer. Ma so che di certe immagini non mi libererò mai”.

Le foto sono relative alla presentazione de Le schegge (Einaudi) avvenuta mercoledì 18 ottobre 2023 al Teatro della Pergola di Firenze. Bret Easton Ellis ha dialogato con Marcello Fois con la traduzione in italiano a cura di Simona Caldera. Incontro promosso da Fondazione CR Firenze e Associazione Wimbledon in collaborazione con la Fondazione Teatro della Toscana .

Arte Bellariva Concorso Letterario Inediti Firenze 2024

Mon, 17 Jun 2024 10:30:50 GMT

Il racconto: LA VOCE DELL’ULTIMA NOTTE,

premiato alla Prima Edizione del Concorso Letterario Arte Bellariva 2024

Questa notte scriverò la lettera di dimissioni e non tornerò più in questa stanza gelida. Sono appena entrato che già il telefono squilla. Il trillo mi è insopportabile, non rispondo. Non ne posso più di ascoltare quelle voci. Monotone, ripetitive, ossessive. Ho deciso di abbandonare il servizio di volontario al centro di ascolto. Squilla anche il secondo telefono. Quasi sempre suonano in contemporanea. Vorrei prendere una sedia e spaccarli. Vomito una serie di insulti rivolto ai telefoni, nell’assurda speranza che cessino di fischiare. Sto diventando matto come questi poveracci che telefonano.

Prima di cominciare il servizio, voglio pensare alle dimissioni. Faccio una cosa proibita dal regolamento: sollevo i due ricevitori senza rispondere e metto in pausa le chiamate. Finalmente un po’ di silenzio. Prendo un foglio e provo a buttare giù la lettera di dimissioni. Non mi viene in mente niente nonostante siano settimane che ci penso. Cerco nel web un modello di lettera. Ne trovo uno che mi sembra adatto e lo trascrivo a mano su un foglio, lo metto in una busta che lascio nella cassetta della posta per il Presidente dell’Associazione.

Tolgo la pausa ai telefoni e comincio quello che sarà il mio ultimo turno. Rispondo con frasi stereotipate, senza concentrazione. La mia mente è già fuori da questa stanza. Non devo impegnarmi, gli appellanti parlano senza sosta, sono conversazioni in una sola direzione. Chiamano per essere ascoltati in un mondo dove nessuno vuole mai prestare loro attenzione.

La sensibilità dell’appellante è molto acuta, se il volontario non è coinvolto, se ne accorge subito e ti richiama all’ordine indignandosi, protestando, spesso insultandoti. Sono sempre le solite persone che telefonano, ormai li riconosco dal suono della loro voce: anziani con la vita incrostata da anni di solitudine; giovani imprigionati in un’insicurezza pervasiva al punto che nulla fanno senza prima ricevere l’autorizzazione al telefono da uno sconosciuto; persone con gravi problemi mentali invitate a telefonare da assistenti sanitari desiderosi di un po’ di tranquillità.

Sono le tre del mattino, ancora tre ore e poi tutto questo sarà soltanto un ricordo.

Trilla il telefono. Rispondo con la solita frase di saluto. Dall’altra parte silenzio, solo una specie di rantolo. Una situazione frequente: chi non ha il coraggio di parlare, dopo un po’ chiude la telefonata. Questo sconosciuto non riattacca, né parla. Da regolamento non posso interrompere la chiamata. Con voce calma ripeto la formula di saluto, modificando il tono per non sembrare un automa con il disco inceppato.

Il silenzio dell’appellante è adesso interrotto da tenui singhiozzi. Continuo a parlare, ma sono a disagio. Questa notte, non ho nessuna intenzione di ascoltare il solito pazzo depresso. Che vada al diavolo.

Il pianto s’interrompe. Dopo qualche mugugno, qualche tirata su di naso, percepisco un “Buonasera” sforzato e flebile. Il pianto è sostituito da qualche parola che non comprendo, frasi brevi, appena sussurrate. Pare sia una donna adulta anche se si esprime con esile voce di bambina. Le rispondo senza convinzione, con frasi di circostanza, pronunciate in modo meccanico. Ogni tentativo di invitarla alla conversazione naufraga in una ricorrente e straziante formula: “non so più cosa fare, voglio solo farla finita”. Temo che sia in preda a sentimenti depressivi profondi, e possa essere dominata dal desiderio del suicidio. So che gli aspiranti suicidi non telefonano per dichiarare le loro intenzioni, ma le mettono in pratica senza avvertire nessuno. Però comincio a preoccuparmi.

Vorrei risponderle che “non è vero che non c’è più nulla da fare, c’è sempre una via d’uscita”. Non lo faccio perché questa sera mi sento depresso anch’io e non sarei per niente credibile.

Adesso la donna non piange più, risponde alle mie sollecitazioni soltanto con la ripetizione ossessiva della frase, “non so più cosa fare, voglio solo farla finita”. Odio questa rompiscatole che chiama in mezzo all’ultima notte di servizio. Che si ammazzi pure, così posso chiudere la telefonata e andarmene a dormire.

Non riattacco. Non perché me lo vieti il regolamento, piuttosto perché il mio cinismo mi ha fatto orrore. Decido di cambiare strategia. Voglio chiudere in bellezza. Rovisto nel mio cassetto mentale alla ricerca di frasi consolatorie di ogni tipo che uso con il tono di voce più coinvolto e controllato.

La donna continua a ripetere la solita nenia: “non so più cosa fare, voglio solo farla finita”.

Non mi abbatto. La frase ora è come una frustata data al cavallo per farlo correre. Spingo al massimo la fantasia, pungolo la creatività. Provo a coinvolgere la donna nella conversazione. Parlo di continuo, con la massima concentrazione. Una risposta sbagliata, una frase male interpretata, può essere molto pericolosa.

Mentre parlo con lei, tutte le negatività che mi ero portato addosso nelle ore precedenti, il desiderio di abbandonare il servizio, il senso di oppressione che mi suscita questa fredda luce al neon sopra la mia testa, gradualmente si dissolvono.

La donna ha percepito il mio cambiamento. Non piagnucola più. Le sue frasi si fanno lunghe, articolate e sensate. Sboccia una conversazione. Dal suo tono percepisco un affievolirsi del tormento. È una donna con una bella voce. Non pronuncia più quella nenia che mi atterriva. Mi permetto di affrontare argomenti più leggeri, di tentare qualche battuta. Mi sembra di percepire delle risate, brevi e soffocate. Contrariamente alla regola che ci vuole ascoltatori, parlo a lungo. Sono convinto che le parole, il tono della voce, il calore della partecipazione, possano attenuare la sofferenza di questa donna.

È l’alba. Da un’ora parlo con la stessa appellante, sono sfinito, ho esaurito tutti gli argomenti di conversazione. Non mi sono mai mosso dalla scrivania, ho le ossa indolenzite, le natiche schiacciate come polpette sfatte.

Resto muto per recuperare un po’ di energie.

Il silenzio che segue dura a lungo, irreale e inconsueto. Poi accade una cosa e lo stupore mi scuote dal torpore. La donna rompe il silenzio con una frase che non dimenticherò: “un penny per i tuoi pensieri”, pronunciata con voce ferma e squillante, diversa da quella di bambina piagnucolosa dell’inizio della telefonata. Il tono sicuro e controllato della sua voce dimostra che la mia fatica non è stata vana.

Ripenso a quella frase che è stata come una frustata stimolante: “un penny per i tuoi pensieri”. Il nostro è stato un reciproco aiuto. Il servizio telefonico ha concesso uno spiraglio di luce in una giornata buia a una persona sofferente e un nuovo impulso alla mia mente offuscata.

Il servizio è terminato, mai sono stato così impegnato in un turno notturno. La sensazione di essere stato di aiuto, in modo del tutto gratuito e anonimo, a vantaggio di una persona che non conosco e non conoscerò mai, mi ha comunque lasciato in dono la forza necessaria per decidere di strappare la lettera di dimissioni.

Apro la finestra e respiro il frizzante dell’aria mattutina. Il sole ha già dato una tinteggiata di rosa alle facciate delle case. Seguo con lo sguardo il volteggiare dei colombi sulle strade ancora deserte della città. Il cielo, da poco liberatosi del nero della notte, si presenta di un azzurro chiaro e splendente.

Di passo svelto, quasi correndo, torno verso casa. Mi pregusto una bella dormita, dopo la nottata di servizio. Mi sento bene, la mia felicità è costata veramente poco.

Soltanto un penny.

Si ringraziano gli organizzatori dell’evento, il presidente dell’Associazione Arte Bellariva Orlando Poggi e il giornalista Jacopo Chiostri

Un ringraziamento speciale al presidente della Giuria Ugo Barlozzetti e a tutti i giurati, Annie Brechler , Anna Maria Dall'Olio , Paola Crisostomidis Gatti , Giusy Frisina , Yuleisy Cruz Lezcano , Margherita Oggiana , Luisa Puttini , Jonathan Rizzo , Elena Tempestini per il loro prezioso lavoro di selezione e giudizio.

Un grazie particolare ai pittori Claudio Bellari, Elena Bini, Silvia Caramelli, Cristina Falcini, Enrico Guerrini, Luisa Micheli, Orlando Poggi, i cui quadri sono stati assegnati ai primi tre classificati di ciascuna delle due sezioni.

Un ringraziamento pieno di ammirazione va alla bravura della giovane soprano Eleonora Visentin che ha cantato alcuni brani da opere liriche.

Le foto sono della fotografa Cristina Tozzi effettuate sabato 15 giugno 2024 al Murate Idea Park .

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Sun, 09 Jun 2024 17:11:26 GMT

Dopo In punta di sangue e Spari dall’aldilà Francesca Tofanari ci stupisce con il nuovo giallo, un delizioso cocktail di mistero e di comicità.

Senza ombra di dubbio, Francesca Tofanari ha coniato un nuovo genere di romanzo giallo: il road shopping dato che le sue protagoniste, tutte amiche impegnate nella scoperta di capi di abbigliamento unici nei mercatini di quartiere, danno la caccia agli assassini anche durante le sessioni di shopping.

L’autrice, del resto, conosce molto bene il quartiere di Santo Spirito a Firenze . In passato ha scritto alcuni libri e ha curato raccolte di racconti su questo popolare e cool rione fiorentino. I personaggi, infatti, sono immaginati prendendo spunto dalla realtà, quella osservata in alcuni locali della zona e nel mercato settimanale di Piazza Santo Spirito.

Francesca Tofanari, d’altra parte, si è sempre nutrita, perché abita da molto tempo nel rione dell’Oltrarno, dell’ironia, a volte sarcastica, spesso geniale , sempre generosa, della gente del posto. Molti turisti, d’accordo, ma anche una delle poche zone di Firenze ancora popolata da gente che prende la vita nel modo tradizionale dei toscani: scherzandoci su.

Romanzo dopo romanzo, i personaggi di Francesca Tofanari si potrebbe dire che si sono liberati del vissuto personale dell’autrice , sono cresciuti e sono in grado di vivere vita propria. Questa caratteristica è la peculiarità della scrittura di Francesca Tofanari ed è elemento molto attraente per un editore come Betti che pubblica, su proposta dell’Associazione Culturale “I libri di Mompracem” la collana “Corcyra” che non si è fatto pregare per la pubblicazione di questo titolo.

Ed è attraente anche per il lettore perché ha l'opportunità di gustarsi una storia dove non mancano i cadaveri, i misteri apparentemente irrisolvibili, i cattivi, ma ogni episodio è intriso di ironia. La comicità tocca vertici elevati soprattutto nelle interazioni tra le tre protagoniste femminili: l’ispettrice di Polizia Maria Allegra Galli, la giornalista e aspirante scrittrice Olivia e Cordelia, definita una procace cacciatrice di uomini.

Non era facile mantenere la comicità a livelli elevati con dialoghi e situazioni buffe e grottesche, senza cadere nel macchiettismo, ma Francesca Tofanari ci è riuscita benissimo, un po’ perché è navigata scrittrice per la sua attività professionale come giornalista di una testata locale fiorentina, un po’ perché è il suo stile di vita quotidiano : osservare la realtà e riportarla sulle pagine scritte con sobrietà ed eleganza.

Il fascino per la moda è un elemento determinante per la narrativa di Francesca Tofanari, le storie scaturiscono sempre da morti violente a cui è legato un capo d’abbigliamento di marca, quando una borsa, quando una scarpa come in “ Ne uccide più la penna… ” o meglio, un tacco di altezza vertiginosa e robusto come uno stiletto di una scarpa Christian Louboutin.

La femminilità delle protagoniste non è esaltata soltanto con l’attrazione verso la moda, ma anche verso la cucina: “Se c’era una cosa che l’ispettrice Maria Allegra Galli non sopportava era essere disturbata mentre preparava il suo famoso tiramisù. Specialmente nel momento in cui doveva mescolare le uova con il mascarpone e una minima distrazionerischia di far impazzire tutto. Quel giorno d’inizio luglio del 2017 alle otto del mattino, dopo un match notturno tra caldane e calura estiva, avva appena azionato la frusta elettrica quando il suo telefono squillò. Con le mani appiccicose di chara d’uovo rispose a un numero di cellulare sconosciuto, sperando che non fosse qualche operatore telefonico di call center, perché si sarebbe pentito amaramente di averla chiamata in quel momento topico. Era il vigile del fuoco Antonio Scassafagiolo. Quel nome la mise subito di buon umore, tanto che si dovette trattenere dal ridergli nell’orecchio, pensando a uno scherzo. Purtroppo era una cosa seria” ( cit, pag. 15)

Non mancano i personaggi maschili come viceispettori e agenti di polizia e sono molto importanti per lo sviluppo della storia, anche se il palcoscenico con le luci più splendenti è riservato alle donne. Gli uomini incarnano i peggiori sterotipi maschili, ma emergono in modo divertente e altrettanto divertenti sono i modi con cui le donne si affrancano dal maschilismo. Uno spazio particolare è riservato a Josinho Aguilera, un brasiliano promesso sposo all’agente Rocco Marino, protagonista della scena finale che si sposta in Calabria, forse preludio alla nuova opera che ha in mente l’autrice, dato che sempre quello che è successo in un libro è preparatorio per quello che succederà nel successivo. Di questo, però, nulla desideriamo anticipare.

Le foto sono relative al dialogo tra Massimiliano Scudeletti e Francesca Tofanari

durante il Firenze Book Festival all’Ippodromo del Visarno l’8 ottobre 2023

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Fri, 31 May 2024 17:54:08 GMT

Un viaggio attraverso mondi inesplorati e universi paralleli ispirati dal romanzo Psicosfera , un’antologia di racconti a cura di Massimo Acciai Baggiani e Carlo Menzinger di Preussenthal, con illustrazioni del pittore Enrico Guerrini, la prefazione di Chiara Sardelli e un romanzo breve di Massimo Donda, edito da Tabula Fati .

Si tratta di 37 racconti e 1 romanzo breve scri tti da 34 autori, con 45 illustrazioni realizzate dal pittore Enrico Guerrini , autore anche della copertina.

Gli Autori: Alessandro Lazzeri - Angelo Marenzana - Brunetto Magaldi - Bruno de Filippis - Carlo Menzinger di Preussenthal - Caterina Perrone - Chiara Sardelli - Davide Gadda - Donatella Bellucci - Edoardo Rosati - Fabrizio Discornia - Franco Giambalvo - Gabriele Antonacci - Gianni Marucelli - Giovanna Checchi - Marco Settembre - Kenji Albani - Laura Gronchi - Manna Parsì - Mario Flammia - Mario Gazzola - Massimo Acciai Baggiani - Massimo Bernardi - Massimo Donda - Milena Beltrandi - Miriam Ticci - Paolo Dapporto - Pierfrancesco Prosperi - Raffaele Formisano - Renato Campinoti - Roberto Veroni - Sergio Calamandrei - Silvia Alonso - Vincenzo Capodiferro.

Sabato 25 maggio alle ore 17.30 c’è stata la presentazione dell’antologia all’ Associazione Rondinella del Torrino alla quale hanno partecipato alcuni autori.

Ogni racconto invita a riflettere sulle infinite possibilità dell'esistenza, intrecciando avventure cosmiche con profonde introspezioni umane . Una collezione di storie che sfida a guardare oltre il velo della realtà, offrendo una visione unica sulla natura dell'essere e sul nostro posto nell'universo. Un passaporto per un viaggio senza confini alla scoperta di nuove realtà.

La misteriosa scomparsa di alcuni cosmonauti russi in orbita e di un astronauta cinese su Marte ci conduceva nel romanzo Psicosfera alla scoperta di un mondo in cui la mente può ricreare la realtà , la vita può assumere forme nuove e l’intera evoluzione si scopre essere stata diretta da misteriose forze.

Alcuni lettori si sono lasciati coinvolgere da queste idee e da questo romanzo, scritto da Massimo Acciai Baggiani e Carlo Menzinger di Preussenthal, al punto di scrivere loro stessi dei racconti, ispirati a Psicosfera e alle sue suggestioni oniriche.

Ne è nato Psicomondo , un’antologia le cui storie sono poi state a loro volta riviste e reinventate graficamente da Enrico Guerrini, che le ha illustrate, in un processo creativo a cascata che parte da lontano, dalle opere che hanno ispirato i due autori del romanzo, passando per i racconti immaginati dai lettori, a loro volta suggestionati anche da altre letture, per finire con questa galleria di immagini suggestive.

Le foto sono state realizzate durante la presentazione del libro all'Associazione Rondinella del Torrino

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Mon, 13 May 2024 10:04:57 GMT

David Herbert Lawrence e Frieda a Firenze per la stesura del "romanzo più indecente che sia mai stato scritto"

Nicoletta Manetti nell'introduzione della sua biografia romanzata D.H. Lawrence e Frieda a Firenze fa capire con quale spirito si impegna in questi suoi sforzi di ricostruzione storico-letteraria: “Già nello scrivere Ania e Dostoevskij a Firenze mi ero stupita di quanto poco o niente si sapesse della loro lunga presenza in città, impressione che ho provato di nuovo nel fare ricerche per questo mio secondo piccolo libro sugli illustri letterati stranieri vissuti o transitati a Firenze tra fine Ottocento e primi Novecento”.

L’editore Angelo Pontecorboli di Firenze ha ideato una collana con formula editoriale gradevole, leggera, ma allo stesso tempo ricca di documentazioni e riferimenti storici e letterari. In questa collana Nicoletta Manetti, sensibile e attratta dalla moltitudine di artisti e letterati di grande fama che hanno transitato e soggiornato a Firenze lasciando un po’ del loro genio o traendo spunti e atmosfere per realizzare i loro capolavori, ci aveva già deliziato con il suo precedente Anja e Dostoevskij a Firenze.

Con una straordinaria ricchezza della struttura narrativa e una rigorosa metodologia di ricerca , Nicoletta Manetti dedica un libro a un intellettuale “difficile” (ma lo era anche Dostoevskij) perché turbato continuamente, non soltanto dalla salute, ma anche da una perenne inquietudine, la voglia incessante di fuggire, di migrare da un posto all’altro per il desiderio di scovare sempre luoghi nuovi per poi cadere nella nostalgia per quelli abbandonati.

Altro elemento complicato da analizzare è la relazione di Lawrence con “l’ape regina” come lui chiamava Frieda, un rapporto amoroso tormentato, ma di grande attrazione, centrale e determinante per la vita soprattutto di Lawrence che ha fatto di Frieda la sua musa ispiratrice per molte opere.

Queste donne che vivevano a fianco di questi geni si sentivano un po’ adombrate, soprattutto per le loro velleità letterarie; le opere che raggiunsero una certa notorietà furono soltanto le biografie dei loro mariti: Anja scriverà “Dostoevskij mio marito”, e Frieda " Non io ma il vento. La mia vita con D.H.Lawrence". Lune che risplendono del sole dei loro mariti famosi. Per questo perdoneranno tutto ai loro uomini, Anja il vizio del gioco e Frieda i continui tradimenti. L’originalità della ricerca appassionata ed entusiastica di Nicoletta Manetti sta proprio in questo punto di vista femminile, un’angolazione nuova, lo studio dell’influenza femminile determinante per la vita privata, ma anche per quella artistico-letteraria di questi grandi scrittori.

Di cosa parla il libro di Nicoletta Manetti? Di come nel marzo del 1912 Frieda von Richthofen ha conosciuto David Herbert Lawrence a Nottingham in Inghilterra; di quando la coppia viene in Italia per la prima volta a Riva del Garda dove Lawrence scrive Figlie e amanti ; di quando il 13 luglio del 1913 a Londra Frieda e David conoscono la coppia Katherine Mansfield e Middleton Murry e della grande influenza che esercitarono su di essi.

Con le approfondite analisi dei comportamenti relazionali e con lo stile incalzante e romanzato che caratterizza tutte le sue biografie, Nicoletta Manetti ci parla del ritorno di Lawrence in Italia nel 1914 a Fiascherino in Liguria dove termina Crepuscolo in Italia e inizia la stesura de L’arcobaleno . Poi tornerà in Inghilterra con Frieda per sposarsi (Frieda aveva ottenuto da poco il divorzio) nell’ufficio dello stato civile del municipio di Kensington. Mentre i novelli sposi sono in viaggio di nozze nel Lake District scoppia la guerra. Rimarranno in Inghilterra fino alla fine del conflitto.

La prima volta a Firenze per la coppia David e Frieda sarà dal 19 novembre al 9 dicembre 1919. Soggiorneranno alla pensione Balestri in Piazza Mentana e passeggiando per il centro di Firenze Lawrence avrà molti spunti per la stesura de La verga di Aronne . A causa del maltempo, piove continuamente e fa molto freddo, e della cattiva salute di Lawrence, i due decidono di lasciare Firenze e di andare verso sud. Toccano Roma, ma non si fermeranno. Un viaggio avventuroso, con diversi contrattempi - che Nicoletta Manetti racconta con la suspense del thriller di buona fattura - li porterà in vari borghi dell’appennino fino alla Sicilia, a Taormina dove si fermeranno per qualche tempo. Si assenteranno nel settembre del 1920: Frieda farà ritorno in Germania per far visita alla madre, mentre David verrà da solo a Firenze dove sarà ospite dell’amica Rosalind Baynes alla Villa Canovaia di Camerata, vicino a San Domenico di Fiesole. David avrà una breve relazione con Rosalind e nel giardino della villa scriverà le poesie che poi formeranno la raccolta Birds, beasts and flowers: Testuggini e molte altre liriche, tra cui La pesca riportata integralmente nel libro.

Nel gennaio del 1921 faranno tappa in Sardegna ma la permanenza nell’isola sarà breve. A fine agosto del 1921 David sarà di nuovo a Firenze, da solo perché Frieda è dalla madre che non sta bene di salute. Dove soggiornerà Lawrence non sarà facile scoprirlo ma dice Nicoletta Manetti che “questo della ricerca è un gioco che mi appassiona sempre di più” ; riuscirà a scoprire anche la terrazza sul tetto dell'appartamento dove Lawrence risiedeva, con una vista stupenda sull’Arno fino alle montagne Apuane. L’incontro con il volo crepuscolare dei pipistrelli su questa terrazza lo ispirerà per una poesia nella raccolta Birds, beats and flowers: Bat

Lawrence è passato da Firenze, a volte per pochi giorni, altri per molti mesi, ben otto volte e tenere le fila di questo peregrinare non è stato gioco facile per Nicoletta Manetti. Lawrence era alla ricerca di un luogo ancestrale dove curare la sua inquietudine attraverso l’immersione totale nella natura incontaminata dal progresso dell’era moderna. Ha provato prima in Sicilia, poi in Sardegna, ma la Toscana è stata la terra a lui più congeniale. Non soltanto le vestigia etrusche che lo affascinavano, ma anche la campagna toscana curata da contadini che l’hanno preservata dallo sfruttamento meglio che in altre regioni italiane.

Dal 1922 al 1925 i Lawrence affronteranno un periodo di grandi viaggi che l’autrice indaga con un occhio sempre attento alle influenze che la vita privata della coppia ha sull’opera letteraria del poeta e del romanziere. Dal 1925 fino al 1928 faranno ritorno in Italia; prima alloggeranno a Villa Bernarda a Spotorno in Liguria e poi a Villa Mirenda a Firenze . La vita dei coniugi si fa sempre più burrascosa e piccante, con continui tradimenti. Qui la narrazione di Nicoletta Manetti si fa pettegolezzo, con suo immenso divertimento che riesce a trasmettere anche al lettore. La vita personale di Lawrence, già durante il soggiorno a Spotorno e poi a Villa Mirenda alle porte di Firenze, si fa tormentata, per i problemi di salute, ma anche piccante e licenziosa, per i tradimenti e le avventure dei due coniugi, al punto che Lawrence scriverà L’amante di Lady Chatterley un libro che non soltanto ha provocato un enorme scandalo all’epoca ma che è stato fino ai giorni nostri uno dei romanzi più imitati dalla letteratura erotica e pornografica.

I capitoli finali del libro sono dedicati a questo romanzo e alla vita privata che lo ha ispirato. Firenze, in questo periodo a cavallo tra la metà dell’Ottocento e i primi del Novecento, è considerata una città culla della cultura europea e di aperture mentali all’avanguardia, per quanto riguarda in particolare la libertà sessuale. I letterati e gli artisti che provenivano dai paesi europei puritani restavano affascinati da questa città, ufficialmente molto rigida nei costumi, ma nel privato delle grandi ville la vita prendeva direzioni opposte, di liberalità sincera e mai volgare, raffinata e colta.

Tutto ciò Nicoletta Manetti è riuscita a riportarlo nel suo libro, come gli altri non troppo corposo, per una lettura facile e scorrevole . L’autrice non è una saggista, quindi ci risparmia l’erudizione (che spesso deborda in gran quantità di note a piè pagina o bibliografie sterminate) tipica di certi tronfi autori di saggi. All’opposto, Nicoletta Manetti è, come abbiamo detto, un’appassionata di letteratura, di arte, una scrittrice di narrativa e di poesia; quindi, predilige un testo attraente e appassionante, ma pur ricco di informazioni, di documenti, di lettere scovate negli archivi, in particolare il Gabinetto Vieusseux di Firenze, una miniera inesauribile e vastissima di spunti e dati storici.

Quello che riesce l’autrice a trasmettere leggendo questo bellissimo D.H. Lawrence e Frieda a Firenze, è il suo stupore per le tante scoperte che costellano il suo precorso di ricerca. Meraviglia accompagnata dalla indubbia capacità di analisi letteraria e filologica per riconoscere i passaggi significativi e importanti che fanno da collegamento tra la biografia e le opere di David Herbert Lawrence nel lungo, anche intermittente, periodo fiorentino.

La mostra PRERAFFAELLITI. RINASCIMENTO MODERNO al Museo Civico di Forlì

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 07 May 2024 15:09:31 GMT

Dal 24 febbraio al 30 giugno 2024 si tiene al Museo Civico San Domenico di Forlì la mostra "Preraffaelliti. Rinascimento moderno". Più di trecento opere, dipinti e sculture ma anche oggettistica, per raccontare la Confraternita dei Preraffaelliti e gli antichi maestri italiani che li hanno ispirati.

Preraffaelliti, quel gruppo di artisti che, a metà del XIX Secolo, ha saputo compiere un’autentica rivoluzione nell’Inghilterra vittoriana. La peculiarità della mostra di Forlì è che per la prima volta i dipinti ottocenteschi vengono accostati a quelli degli “Old Master” italiani che hanno rappresentato i loro espliciti modelli.

La Confraternita dei Preraffaelliti elesse come riferimenti assoluti i capolavori italiani del Medioevo e del primo Rinascimento . L’esposizione del Museo Civico San Domenico di Forlì ha raccolto una quarantina di opere antiche, dai lavori di Cimabue, Giotto, Simone Martini, e poi di di Guariento, Beato Angelico, Botticelli, uno degli artisti più amati dal Preraffaelliti.

Questi artisti non sono persone ordinarie, di quelle che trasformano un sentimento profondo in una ballata ingenua e attraente. Non vanno dalla natura all'arte, ma nella direzione opposta. Spesso hanno saputo vedere candele di cera riflessi in uno specchio veneziano, come stelle su un lago immobile . Ugo von, Hofmannsthal, 1893.

Anche i pittori veneti come Giorgione, Tiziano, Veronese, Palma il Vecchio sono modelli di riferimento che hanno ispirato i canoni della bellezza femminile preraffaellita. Quelle donne dalle belle chiome , riprese spesso in primo piano, sono “figlie” di Tiziano e di Palma il Vecchio.

L’adozione di questi modelli artistici di riferimento avvenne, in Gran Bretagna, grazie soprattutto allo scrittore e pittore John Ruskin , che li divulgò per mezzo di testi e illustrazioni e attraverso i suoi acquarelli, ma soprattutto grazie al successo dei suoi libri, “ Le pietre di Venezia ” e “ Mattinate fiorentine ”.

Sono convinto che quel genere di sensibilità che ci consente la percezione del colore e della forma sia intimamente connessa con una più alta sensibilità che siamo soliti riverire come la sorgente stessa della poesia, dell’amore. John Ruskin, Modern Painters 1843

Sull’esempio di Ruskin, alcuni degli esponenti della Confraternita dei Preraffaelliti viaggiarono in Italia per studiare i capolavori del passato, e in particolare Burne Jones che soggiornò varie volte in Italia, mentre Rossetti, nonostante le sue origini italiane, non vi mise mai piede.

Il viaggio in Italia non era tuttavia l’unico metodo per studiare gli “Early Italian Painter”. In quegli anni in Inghilterra arrivarono sul mercato gran quantità di opere che furono acquistate in massa dagli appassionati d’arte inglesi, dando luogo a collezioni straordinarie. Nacque in questo periodo la prima comunità museale di Londra , che poi diventerà la National Gallery.

Le prime sale della mostra sono dedicate agli Old Master, le opere realizzate prima di Raffaello, che, come detto, fecero una profonda impressione negli artisti inglesi e un focus su John Ruskin, che ebbe grande importanza per lo sviluppo del movimento.

Le sale successive sono relative alla nascita della "Pre-Raphaelite Brotherhood", la fase fondativa, trainata da Dante Gabriel Rossetti, con esempi significativi, come i primi studi su Dante Alighieri dello stesso Rossetti, in particolare l’incontro tra Dante e Beatrice e l’interesse per la Vita Nova, la produzione di prose e sonetti giovanili.

La figura della donna è stata uno dei cardini della pittura preraffaellita. Sono ben note le vicende, anche tragiche, del rapporto tra Dante Gabriel Rossetti e le sue modelle, a cominciare dalla moglie Elizabeth Eleanor Siddall (che fu anche poetessa e pittrice, unica donna a esporre in una mostra dei Preraffaelliti nel 1857). Altre figure femminili significative sono Fanny Cornforth e Jane Morris, consorte di William, riconoscibile nel pastello “La donna alla finestra”.

Le donne non si limitarono al ruolo di muse ispiratrici o modelle dei pittori preraffaelliti. Alcune di loro, ebbero un ruolo attivo nello sviluppo della Confraternita. Tra tutte, spicca la sorella di Dante Gabriel, Christina Rossetti, poetessa rinomata e voce importante della cultura inglese.

In mostra si possono ammirare anche altre esponenti di quella che si sta oggi delineando come una “ Sisterhood ”, come Evelyn De Morgan, presente con Flora, splendida reinvenzione dell’allegoria di Botticelli, o ancora come Maria Eufrosyne Spartali Stillman e May Louise Greville Cooksey.

da sinistra: DANTE GABRIEL ROSSETTI Louisa Ruth Herbert (1858); DANTE GABRIEL ROSSETTI La vedova romana (1874)

Non soltanto Dante, ma anche il Boccaccio, a dimostrazione di quanto fossero importanti anche le fonti letterarie italiane , ha ispirato William Holman Hunt che in suo dipinto raffigura Isabella e il vaso di basilico , una rivisitazione poetica di John Keats basata sulla novella di Boccaccio.

Il percorso museale prosegue con il secondo Preraffaellismo , basato sul sodalizio tra Rossetti, Edward Burne-Jones e William Morris, che diede il via al movimento Arts and Craft, il cui stile influenzò per decenni l’estetica inglese, fino all’inizio del Novecento.

Si facevano chiamare Preraffaelliti; non che imitassero i maestri italiani prerinascimentali, ma nel loro lavoro, in contrapposizione alle facili astrazioni di Raffaello, trovavano un più forte realismo immaginativo, un più attento realismo tecnico. Oscar Wilde, 1882.

La mostra accoglie opere anche cronologicamente lontane dal momento fondante e di diverse ispirazioni: Frederic Leighton, ad esempio, prese a modello anche Michelangelo e addirittura Guido Reni, mentre George Frederic Watts è al centro della sezione dedicata al “ venetismo ”.

Da non sottovalutare anche l’importante ruolo sostenuto dagli inglesi che abitavano a Firenze , che inviavano in patria fotografie o copie fatte da loro stessi delle opere d’arte dei musei fiorentini o delle collezioni private nelle ville. Alcuni erano anche collezionisti, mediatori e mercanti e per loro tramite arrivarono in Inghilterra materiali eccezionali.

Le sale conclusive della mostra sono dedicate ai artisti italiani. Anche in Italia, infatti, si diffuse un’attrazione artistica verso le opere medievali o rinascimentali, ad esempio da parte di Giuseppe Cellini, Guido Aristide Sartorio, Adolfo De Carolis.

Tutti questi artisti italiani negli anni seguenti confluirono nel movimento del Simbolismo prima e in quello dell’Art Nouveau dopo, determinando il lento ma inesorabile declino del Preraffaellismo.

Le foto della mostra Preraffaelliti. Rinascimento Moderno al Museo Civico di Forlì

sono della digital artist Helene Weifner

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Sun, 05 May 2024 18:08:07 GMT

Dalla Siria a Florentia le storie di Lucio e dell’imperatore romano Filippo l’arabo

Nel 1875 a Firenze, durante gli scavi per la realizzazione del nuovo canale fognario dalle parti di Via de’ Gondi nei pressi di Piazza della Signoria, venne ritrovata una testa in bronzo che poi si scoprì essere quella dell’imperatore romano Filippo l’Arabo vissuto nel III secolo d.C. È l’incipit del libro che permette a Gabriele Antonacci di fare un salto indietro di molti secoli e di trasferirsi nella Siria del 233 d.C . per raccontare, in forma romanzata, una storia di un periodo non molto noto.

Gabriele Antonacci ha così l’opportunità di fare una serie di scoperte importanti che sono raccontate nel libro con l’entusiasmo e la passione dell’amante della storia. Il libro è anche un romanzo d’azione e quindi occorre un protagonista che l’autore individua in Lucio, segretario e amico dell’Imperatore Filippo l’Arabo. Seguendo Lucio scopriremo una gran quantità di relazioni che erano alla base del legame, insospettabile perché assai poco studiato, tra l’antica Florentia e questo imperatore romano che nel 247 organizzò le celebrazioni dei “ ludi saeculares ”, un’imponente festa per la celebrazione del millennio della fondazione di Roma.

Filippo non voleva distaccarsi dalla tradizione inaugurata da Augusto e proseguita da Claudio, Domiziano, Antonino Pio e Settimio Severo, ma volle i festeggiamenti più sfarzosi di sempre. Le celebrazioni durarono tre giorni e tre notti ininterrottamente; in tutta la città si alternarono cerimonie religiose, spettacoli teatrali e giochi circensi per i quali utilizzò le fiere che erano state fatte portare a Roma da Gordiano III per celebrare la vittoria sui Persiani: “A Roma erano già pronti trentadue elefanti, dieci alci, dieci tigri, sessanta leoni, trenta leopardi, dieci iene, mille coppie di gladiatori, sei ippopotami, un rinoceronte, dieci leoni selvaggi, dieci giraffe, venti onagri, quaranta cavalli selvatici e un gran numero di altri animali; di tutte queste bestie se ne appropriò Filippo per i ‘ludi saeculares’. Ma queste erano state preparate da Gordiano per celebrare il trionfo sui persiani” (Historia Augusta).

Lucio riesce a trascinare il lettore in mille avventure , in cruente guerre che vedono in campo le cavallerie corazzate romane e sasanidi, l’artiglieria romana, gli elefanti da battaglia sasanidi. Attraverso il protagonista Lucio, l’autore di Elisboth non ci farà rivivere soltanto le battaglie dove il sangue scorre a fiumi e la morte è sempre in agguato, ma descriverà anche la magnificenza delle feste imperiali per il millennio della fondazione di Roma, le spietate persecuzioni dei cristiani, la frenesia dei traffici internazionali delle merci, in una vorticosa ricostruzione degli avvenimenti storici che tiene il lettore incollato alle pagine del libro, realizzato con le tecniche della suspense tipiche del thriller di buona fattura.

Lucio porterà il lettore non soltanto nel mondo della vita quotidiana del terzo secolo d.C. dell’epoca romana, ma anche in quello più oscuro e misterioso della sfera religiosa, come i riti mitraici o la spietatezza dei giochi dei gladiatori. Il libro procede con un parallelismo simmetrico tra la vita romana e quella della Florentia del terzo secolo d.C.; per questo il libro di Gabriele Antonacci, non è soltanto un buon romanzo, pieno di trovate e di pathos epico, ma anche un’ottima ricostruzione storica di avvenimenti poco noti e un fertile punto di partenza per eventuali futuri approfondimenti.

Numerose le scoperte di Gabriele Antonacci durante il suo percorso di studio e di rivelazione per scrivere il suo romanzo. L’idea è nata una decina di anni fa quando l’autore, appassionato di fotografia, mentre era in giro per scattare foto, si rese conto dell'esistenza di un gran numero di luoghi sconosciuti e carichi di storia . Man mano che procedeva nella sua avanscoperta, il materiale raccolto aumentava sempre più in modo incontrollato e caotico. Allora si decise di realizzare una specie di mappa che avrebbe permesso un’indagine sistematica sulla storia del terzo secolo.

Con il sostegno di Tabula Fati Editore e del Gruppo Scrittori Firenze , alla cui Associazione si iscrisse quando decise di completare la realizzazione del libro, spronato da Gianni Marucelli che gli proponeva di preparare articoli e fotografie per la sua rivista “L’Italia, l’Uomo, l’Ambiente”, Gabriele Antonacci ha concluso un lungo e articolato viaggio non soltanto tra i documenti e i libri di storia, ma anche visitando luoghi e ascoltando diverse persone. A volte i fatti storici documentati sono risultati talmente inverosimili da superare la fantasia del romanziere. Ecco perché la lettura di Elisboth è avvincente, ma la fantasia è sempre supportata e stimolata da solidi elementi storiografici. L’autore ha profondamente indagato il mondo sasanide e persiano, oltre a quello romano per la ricostruzione delle battaglie; ha studiato Plotino, si è avventurato nella storiografia dell’antica Armenia, ha analizzato i rapporti tra Roma e l’Antica Cina; ha letto tutto quello che è riuscito a scovare su Filippo l’Arabo.

Gabriele Antonacci si è immerso nel mondo dell’antica Florentia , del Chianti arcaico, dell’Etruria. Si è occupato delle religioni di quel periodo, in particolare del mitraismo, della cosmologia etrusca e dell’attività degli aruspici. Ha trovato e riportato storie sui martiri cristiani in Florentia. Il ritrovamento della testa in bronzo di Filippo l’Arabo è stata l’occasione per avere l’incipit alla storia e dare a tutte le fonti, a tutto il materiale raccolto, (che è veramente tanto e lo si capisce dalla smisurata bibliografia a termine del libro), la forma di un romanzo, dargli un ordine cronologico, inserirli in un contesto spaziale storico coerente.

Parlare di Florentia di quel periodo non è stato difficile perché ci sono molti testi sia di archeologia che di storia. Gabriele Antonacci è sceso in campo per scovare prove non storiografiche , come l'attenta analisi dei bassorilievi del Battistero di Firenze per capire i momenti della vita quotidiana fiorentina; o andare a Pisa per scovare tracce del commercio dalla Palestina e dalla Siria attraverso le navi che arrivavano al porto di Pisa e poi via navigazione fluviale sull’Arno a Florentia. Lucio era il referente dell’Oriente dei commercianti fiorentini, perché si doveva organizzare il trasporto di migliaia di anfore di olio e di altre merci. Non era uno scherzo e Lucio era un organizzatore di prim’ordine.

Altri capitoli del libro sono dedicati alle “ Ludi Floralia ” a Firenze , una festa licenziosa e a tratti violenta, con la supervisione del “tribuno dei piaceri” che aveva il compito di sorvegliare che le feste, i pranzi, gli spettacoli non cadessero in esagerati eccessi. Qui il racconto prende una tinta “noir” perché si parla della “ damnatio ad bestias ” quando i condannati a morte vengono divorati dalle bestie feroci; quando le prostitute si denudano a teatro fra gli schiamazzi del pubblico, e altri eccessi che però, a ben guardare, rappresentano la mentalità politeista romano-italica che ha un legame religioso tra la sessualità umana e la fertilità vegetale, per cui i rituali di tali feste assumono una connotazione sacra che ha lo scopo di stimolare sia la fertilità umana che quella vegetale.

Gabriele Antonacci, nel suo lungo viaggio in questo periodo storico, conduce il lettore anche in altri luoghi come San Miniato, i Campi Etruschi del Chianti, l’importante città etrusca di Faesulae dove esisteva una prestigiosa comunità di aruspici, i “sacerdoti delle folgori” che interpretavano i fulmini e con i quali predicevano il futuro. Nelle pagine di Elisboth di Gabriele Antonacci trova spazio anche il tentativo di risolvere il mistero dell’ubicazione del tempio del Dio Marte a Firenze , città devota al dio della guerra perché fondata dai romani come base militare. Pare che la statua fosse collocata sul Ponte Marzio, vicino all’attuale Ponte Vecchio, ma un’alluvione se l’è portata via. Il tempio di Marte ancora non si ha la certezza dell’ubicazione: il Villani pensava fosse dove adesso c’è il Battistero ma scavi archeologici successivi hanno trovato case e botteghe artigiane e nessun tempio. Antonacci ci rivela che attualmente sono in voga tre ipotesi: la prima sotto la basilica di San Lorenzo, la seconda nella zona di Piazza Santa Croce, la terza, quella a cui Antonacci crede maggiormente, ha come indizio determinante il toponimo Camarti, di cui anche il Villani parla, che potrebbe essere Camerata, un borgo prima di San Domenico sotto Fiesole.

Non è stato possibile inserire nel libro Elisboth pubblicato da Tabula Fati tutto il materiale raccolto da Gabriele Antonacci , ci sarebbero voluti diversi volumi. Pertanto tutti gli appunti, i documenti e le foto si trovano nel suo sito internet che è raggiungibile anche per mezzo di un codice QR inserito nella bibliografia in appendice. Le foto sono di Marco Ciutini durante la presentazione di lunedì 29 aprile 2024 condotta da Gianni Marucelli con letture di Gabriella Bigi alla Libreria Gioberti di Firenze

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Fri, 26 Apr 2024 19:26:04 GMT

Cosa succede quando la musica finisce?

Si spalanca l’abisso.

Il nuovo romanzo mozzafiato di Daniele Locchi.

Dalla sinossi in quarta di copertina: una scrittrice di grande successo, un pittore dotato di uno strano sesto senso, un chitarrista rock perennemente “in erba”. Tutti coinvolti in un gioco oscuro e mortale. In un mondo colpito da uno strano virus, i tre protagonisti s’incontrano per la prima volta tra loro a Marrakech per sfuggire a un drammatico destino. Sullo sfondo, i minareti del Marocco, il vento del deserto e una strada impervia che li porta dalla ordinaria vita di Firenze a una straordinaria avventura alle soglie del Sahara.

La musica è finita di Daniele Locchi è un romanzo con moltissimi personaggi, tutti molto ben tratteggiati, nessuno può considerarsi un personaggio minore ma, fra tutti, tre sono quelli ai quali sono dedicati quasi tutti i capitoli del romanzo e che, soprattutto, determinano il movimento della storia .

La prima a entrare in scena è Vivienne , scritttrice di grande successo nonostante sia nata e vissuta nella Maremma Toscana; un giorno decide di andare a Milano e, lungo l’autostrada, incontra un uomo che sa scrivere e soprattutto che è un importante editore milanese. Il romanzo inizia in media res , quando Vivienne è già scrittrice famosa e vincitrice di Premio Strega.

Il secondo a entrare in scena è Pablo , un chitarrista di una band rock emergente, un bravo ragazzo alla costante ricerca del brano di successo per uscire dalla definizione di “emergente” che ormai lo accompagna da sempre. Questo pezzo sarà inciso in una pennetta che consegnerà allo studio di registrazione ma il fonico lo respingerà perchè il brano è già stato composto quarant’anni prima.

Infine, c’è Leonardo , un pittore la cui tela è "un ponte tra il suo mondo e quello degli altri"; insegnante all’Accademia, acuto osservatore della realtà come solo i pittori possono esserlo, con una spiccata sensibilità a tal punto da trasformarsi in un sensitivo.

La situazione che accomuna questi tre personaggi è che sono in un momento di crisi della loro vita: Vivienne è alle prese con il suo rifiuto di tagliare il romanzo come gli chiede l’editore; Pablo ha avuto la delusione che il suo brano della vita è stato già scritto da altri; il pittore sente il peso della routine delle lezioni all’Accademia e vorrebbe dare sfogo alle forti pulsioni creative della sua anima.

Vivienne, Pablo e Leonardo, che non si conoscono tra loro, si ritroveranno per pura casualità tutti quanti in Marocco . L’ambientazione della storia abbandona la tranquilla e sonnolenta Firenze per spostarsi tra le dune del deserto, nelle ville con i palmeti, nella metropoli Marrakech o nel piccolo villaggio di Taroudant. Comincia l’avventura .

Cominciano anche le riflessioni intime sulla propria vita, le domande e soprattutto la ricerca delle risposte dato che i tre personaggi principali hanno la consapevolezza di essere giunti a un punto di svolta della propria esistenza. Avvertono, con stupore e incredulità, che sono entrate in gioco forze irresistibili, che agiscono indipendentemente dalla loro volontà. Da questo momento il romanzo si tinge di una vivacità magica che si dimostra essere la peculiarità narrativa più evidente e di spessore.

Vivienne sta cercando una via di uscita dalle asfissianti pressioni dell’editor che vuole tagliare il suo romanzo; telefona al suo amico Juan, che vive a Madrid e che, con la sua vecchia moto, la raggiunge in Marocco. Qui Juan si accorge che sta accadendo qualcosa di strano, d’incomprensibile .

Nel frattempo, Pablo incontra a Marrakech un uomo con il codino , che ha un grande ascendente su di lui e lo convince a seguirlo per soddisfare il suo grande desiderio di diventare una rockstar famosa. Pablo segue l’uomo con il codino fino a prendere alloggio in una stanza che non si capisce bene se sia una clinica o una prigione ed è sottoposto a trattamenti clinici; ha sempre una flebo nel braccio che gli inietta qualcosa di sconosciuto nel sangue. Pablo vorrebbe fuggire ma non può, non ne ha la forza, né la volontà perché questa è completamente manipolata dalla bellissima infermiera Desireé . Pablo ha la certezza che Desireé sarà la sua salvezza, ma non riesce a immaginare in quale modo.

In questo misterioso posto, Pablo ha delle lunghe conversazioni con sua madre Orchidea , ma la cosa strana è che la mamma è morta. Pablo le chiede in continuazione che gli riveli il segreto che ha desiderato conoscere per tutta la vita. Orchidea parla di se stessa, di quando dalla Spagna giunse in Italia e conobbe un ragazzo che gli aveva detto di essere il figlio di un ricco industriale, ma che le aveva taciuto il fatto di essere un terrorista delle Brigate Rosse. Quando Orchidea lo scopre è ormai irrimediabilmente innamorata.

Intanto Vivienne ha preso alloggio con Juan in un vecchio riad nella piccola città di Taroudant , affollata da pochi turisti, il cui gestore è Domenico , un napoletano di Cava dei Tirreni. Dopo poco tempo Juan scompare senza lasciare tracce. Vivienne è preoccupata e farà di tutto per ritrovare il suo amico, ma la ricerca la porterà a incontrare persone e a vedere cose che non soltanto la sconvolgeranno, ma saranno determinanti per il resto della sua vita.

Il pittore Leonardo non è uscito di scena, tutt’altro. Sua nipote Alessandra è scomparsa. Leonardo e suo fratello Davide, il padre di Alessandra, sono convinti che sia stata rapita; si mettono alla ricerca, dapprima in Spagna, poi in Marocco perché la polizia ha riferito di essere stata ripresa da una telecamera di sicurezza insieme a un uomo sui cinquant’anni con i capelli lunghi raccolti da un codino. Alla fine Leonardo riesce a ritrovare sua figlia Alessandra: si trova una grande villa di Marrakech immersa in un rigoglioso palmeto . Alessandra spiega al padre e allo zio che non è stata rapita, ma ha seguito l’uomo perché innamorata e soprattutto perché vuole fare parte del “grande progetto”.

Vivienne per cercare Juan ne combina di tutti i colori e si ritrova anche nei guai con la polizia. Ha un’unica possibilità per evitare di finire in galera, quella di rifugiarsi in questa villa con il palmeto a Marrakech. Si sistema in una delle numerose stanze che devono essere occupate prevalentemente da musicisti perché si sente suonare in continuazione. Vivienne mentre è nella stanza vede aprirsi improvvisamente la porta della camera e si trova di fronte Alessandra , la figlia di Leonardo. Le due donne non si conoscono, ma Alessandra metterà Vivienne a conoscenza del “grande progetto”.

La scoperta più sconcertante per Vivienne sarà relativa all’uomo con il codino: “Adesso ti fai chiamare Kamal. Ma sono sicura che non è il tuo nome. Non so come ti chiami, ma sono certa che non è Kamal. È una cosa strana. Come se lo avessi saputo e adesso me ne fossi dimenticata”. Da questo momento le numerose tessere del complicato puzzle andranno tutte al loro posto. Il finale ci riserverà molte sorprese. Quest'ultimo romanzo di Daniele Locchi ci tiene davvero attaccati alle pagine del libro fino alla fine. Lettura consigliata.

Le foto relative alla presentazione del romanzo La musica è finita sono state scattate nel salone della Academy F di Gianluca Sasso . Conduttore dell'evento l'attore Daniele Locchi . Le performance musicali sono di Stefano Corsi (chitarra elettrica) e Paolo Lamuraglia (arpa celtica); l’excursus musicale sul rock anni Settanta è di Richard Thomas Hutton e Andrea Checcucci. Le letture sono a cura degli attori allievi del corso avanzato di teatro Stefania Grezio , Manola Mannucci , Amerigo Marchesini , Maurizio Pollastri , Lorenzo Cardile , allievi del corso del Teatro del Legame e con la partecipazione straordinaria dell'attrice Claudia Piccini .

Palazzo Strozzi di Firenze ospita la mostra ANGELI CADUTI di Anselm Kiefer, uno dei più importanti artisti tedeschi

Tue, 02 Apr 2024 10:17:13 GMT

Dal 22 marzo al 21 luglio, Palazzo Strozzi ospita la mostra ANGELI CADUTI di Anselm Kiefer, uno dei più importanti artisti tedeschi, con lavori storici e nuove produzioni, tra cui una grande opera creata site specific per il cortile del palazzo rinascimentale fiorentino.

Con l’uso audace di diverse tecniche , Anselm Kiefer crea opere imponenti e suggestive grazie alla loro forte presenza fisica e tattile, stabilendo una connessione immediata e autentica con chi le osserva. Semi, piante, gesso, metalli e foglie d’oro si uniscono a frasi e testi, creando dense stratificazioni che rivelano sempre nuovi dettagli e significati. Parole, figure e materiali diversi si fondono, evocando una dimensione fortemente poetica e una profonda attrazione sensoriale nell’osservatore , chiamato a mettere in gioco spazio e tempo, pensiero ed emozione.

L’espressione “angeli caduti” indica gli angeli cacciati dal Paradiso a seguito della loro ribellione contro Dio. Quest’immagine simbolica, rappresentazione dell’intera umanità , diventa punto di partenza della mostra: un viaggio attraverso allegorie, figure e forme che riflettono sull’identità, la poesia, le vicende storiche, i diversi pensieri filosofici. Utilizzando pittura, scultura, installazione e fotografia, l’arte di Anselm Kiefer propone un percorso di introspezione sull’essere umano , esplorando le connessioni tra passato, presente e futuro.

Profondamente interessato al loro valore alchemico , Anselm Kiefer trasforma materie grezze come piombo, cera, semi, terra, fiori, sabbia e cenere in opere imponenti e suggestive, fatte di dense stratificazioni. Utilizzando l’elettrolisi o il fuoco, ad esempio, i materiali sono sottoposti a reali trasformazioni fisiche . I diversi strati visivi, le sedimentazioni, offrono una lettura multipla, rivelando sempre nuovi dettagli e significati all’osservatore.

Ogni produzione artistica di Kiefer esprime il rifiuto del limite , non solo nella monumentalità o nella materialità ma soprattutto nell’infinita ricchezza di risorse con le quali sonda le profondità della memoria e del passato. L’artista ha esordito nella scena tedesca alla fine degli anni Sessanta con opere che, tra le prime, hanno segnato una riflessione sulla storia della Seconda guerra mondiale e sull’ eredità emotiva e culturale della Germania . Da qui è iniziato un percorso artistico in cui si uniscono mito, religione, misticismo, poesia, filosofia.

Nel percorso espositivo al Piano Nobile, il tema degli “angeli caduti” si trova nella prima sala con il monumentale dipinto Luzifer (Lucifero, 2012-2023) . Kiefer rappresenta l'angelo ribelle che precipita nell'abisso, reinterpretato attraverso materiali che si riferiscono alla storia contemporanea e recente. Una minacciosa ala di aereo in piombo sporge da una massa di materia, creando un diretto riferimento al tema della guerra, ricorrente nell'opera di Kiefer. Se l'ala di aereo simboleggia la distruzione che la guerra infligge, la massa di materiale evoca il caos e la devastazione che lascia dietro di sé. La figura caduta diviene invece un’immagine della caduta dell'umanità , lanciando un monito toccante sulla guerra e sulla violenza.

Nella sala successiva con Für Antonin Artaud: Helagabale (Per Antonin Artaud: Eliogabalo, 2023) , Kiefer fa riferimento a Héliogabale ou l'anarchiste couronné (Eliogabalo, o l'anarchico incoronato, 1934) , libro dell'artista, attore e drammaturgo francese Antonin Artaud sull’imperatore romano Marco Aurelio Antonino, detto Eliogabalo, figura a cui Kiefer aveva dedicato lavori già negli anni Settanta. Giovane imperatore del III secolo d.C., Eliogabalo cercò di imporre il culto di Baal, il dio del sole, come religione di Stato, ma fu assassinato per sopprimere la sua rivoluzione, diventando così emblema della f ragilità del potere . Sol invictus Heliogabal (Sole invitto Eliogabalo, 2023) è il titolo della seconda grande tela della sala caratterizzata da un luminoso fondo oro e da giganteschi girasoli, in cui Kiefer fa anche riferimento alle feste pagane che celebravano la vittoria della luce sulle tenebre.

In questi dipinti emergono simboli costantemente presenti nel vocabolario visivo kieferiano: girasoli e serpenti . Il serpente assume nel lavoro di Kiefer molteplici significati, divenendo anche allegoria di rigenerazione, grazie alla caratteristica dell’animale di mutare la pelle, alludendo così alla figura dell’artista e alla sua capacità di rinnovarsi. Il girasole, è pianta legata al sole ma anche alla terra: tra l’altro Kiefer ha da sempre dimostrato venerazione per Van Gogh, al quale, già adolescente, ha dedicato opere figurative e un testo.

Kiefer afferma che «la pittura è filosofia», e una sezione dell’esposizione è incentrata su questa disciplina, che da sempre permea il suo lavoro, con tre grandi opere inedite, presentate per la prima volta a Palazzo Strozzi. La Scuola di Atene (2022 ) riconduce a Raffaello e all’affresco della Stanza della Segnatura (1509-1511 circa) con il consesso di filosofi ambientato in un edificio classico. Vor Sokrates (Prima di Socrate, 2022) crea una sorta di albero genealogico dei filosofi presocratici, tra cui Archimede, Anassimandro, Anassimene, Parmenide. Nell’opera Ave Maria (2022 ) sono rappresentati invece filosofi sia precedenti che antecedenti Socrate, da Eraclito ed Epicuro a Platone e Aristotele. Se i filosofi presocratici si concentravano principalmente sulle spiegazioni naturali e cosmologiche del mondo, spesso ricorrendo a elementi come l'acqua, l'aria e il fuoco, dopo Socrate la filosofia sposta la sua attenzione sull’umanità e sulla conoscenza, in un’indagine sugli aspetti etici, politici ed epistemologici.

Il tema della filosofia si ripresenta in mostra anche nella grande xilografia Hortus Philosophorum (Il giardino dei filosofi, 1997-2011) . L’opera raffigura un campo di girasoli il cui formato verticale allude all’unione tra terra e cielo; uno dei fiori cresce prendendo nutrimento dall’ombelico di un uomo nudo disteso a terra, che rappresenta l’artista stesso, oltre che rimandare a una delle figure di riferimento di Kiefer: il filosofo, medico, occultista e alchimista inglese Robert Fludd (1574-1637), secondo il quale ogni pianta ha un equivalente stellare nel firmamento. La posizione del corpo, che sembra senza vita o nella posizione dello shavasana nella pratica yoga, sottolinea il legame tra il mondo terreno e quello celeste alludendo a un percorso iniziatico che consente di superare la paura della finitezza umana.

Le sale centrali del percorso espositivo accolgono una serie di vetrine, una tipologia di opere che l’artista utilizza dalla fine degli anni Ottanta creando microcosmi in cui Kiefer inserisce materiali e oggetti collegati a scritte di suo pugno. Le vetrine creano un ambiente protetto e controllato in cui i materiali contenuti possono esistere nel loro spazio. Allo stesso tempo, rafforzano i temi dell' alienazione e dell'isolamento presenti nell'opera di Kiefer. Lo spettatore è costretto a confrontarsi con l'opera da una distanza, incoraggiato a riflettere sui diversi mondi e simbolismi che convergono nell'immaginario kieferiano.

En Sof (L’Infinito, 2016) è dedicata al pensiero cabbalistico e alla mistica ebraica, Das Balder-Lied (La canzone di Balder, 2018) si ispira alla letteratura scandinava, Danae richiama la mitologia classica. Tra i materiali utilizzati spicca il piombo, materiale d’elezione di Kiefer, alla base di infinite sperimentazioni, apprezzato sia per la malleabilità e duttilità, sia per l’associazione a temi alchemici grazie alla sua natura metamorfica. Il cristallo delle vetrine funge invece da membrana che, come spiega l’artista, «è in qualche modo una pelle semipermeabile che collega l’arte con il mondo esterno in una relazione dialettica».

In Locus solus (Il luogo solitario, 2019-2023) , Kiefer fa riferimento all’omonimo testo del 1914, caposaldo della cultura surrealista, in cui l’autore francese Raymond Roussel descrive opere e congegni irrealizzabili, destinati a rimanere solo immaginati, nel locus dell’impossibile. Come in questa opera, tema fondamentale dell’esposizione è il rapporto di Kiefer con la letteratura e il suo confronto con opere letterarie e voci di ogni tempo. In dialogo con Locus solus , il dipinto Cynara fa riferimento alla mitologia classica e alla ninfa trasformata in carciofo da Zeus, mentre A phantom city, phaked of philim pholk (Una città fantasma, falsata dalla folla dei film) e Archaic zelotypia and the odium teleologicum (zelotipia arcaica e lo odium teleologicum) sono collegati al romanzo di James Joyce Finnegans Wake. Queste due opere riflettono l’intricato intreccio di riferimenti presenti nel romanzo, trasformando il complesso tessuto di parole in un’arte visiva che cattura l’essenza onirica della narrazione.

La mostra prosegue con l’installazione immersiva Verstrahlte Bilder (Dipinti irradiati, 1983-2023) composta da una suggestiva selezione di sessanta dipinti che riempiono completamente le pareti e il soffitto di una delle più grandi sale di Palazzo Strozzi. Creata appositamente per la mostra e dotata anche di grandi superfici specchianti poste al centro dello spazio, l’installazione invita il visitatore a immergersi nell’arte stratificata e totalizzante di Kiefer. L'uso dei cosiddetti “dipinti irradiati”, scarificati e scoloriti da radiazioni, aggiunge una dimensione evocativa e malinconica all'installazione, invitando a una riflessione sulla fragilità della vita e sul potere dell'arte. Olio su tela, gommalacca e tessuto sono solo alcuni dei materiali utilizzati per creare un'esplorazione inquietante sui temi della distruzione e del decadimento, insiti nella condizione umana stessa.

Secondo l’artista, «la distruzione è un mezzo per fare arte. Io metto i miei dipinti all’aperto, li metto in una vasca di elettrolisi. La scorsa settimana ho esposto una serie di dipinti che per anni sono stati sottoposti a una sorta di “radiazione nucleare” all’interno di container. Ora soffrono di malattie da radiazione e sono diventati temporaneamente meravigliosi».

Altro grande tema della mostra è la mitologia , personale e collettiva, che Kiefer esplora anche reinterpretando suoi lavori precedenti: non come semplici riproduzioni, ma rielaborazioni di materiali, temi e composizioni. In Der Rhein (Il Reno, 1982-2013 ), Kiefer rimanda alla sua infanzia e al rapporto con il corso d’acqua che è simbolo dell’intera Germania. In Dem unbekannten Maler (Al pittore ignoto , 2013) Kiefer si identifica con la figura del “pittore sconosciuto” cui viene dedicato un memoriale, onorando anche la memoria degli artisti che hanno subito la repressione e la censura o che sono stati dimenticati dalla storia.

Il riferimento alla mitologia classica è evidente invece in opere come Daphne (Dafne, 2008-2011) e Nemesis (2017). La celebre ninfa insidiata da Apollo e la dea del castigo e della vendetta sono rappresentate come abiti di gusto ottocentesco, in resina e gesso. La loro identità è suggerita e rivelata attraverso gli attributi che sono al posto delle teste, rispettivamente un ramo e un masso.

Nell’opera Ave Maria turris eburnea (Ave Maria, torre d’avorio, 2017) Kiefer si rifà invece all’immaginario cattolico. Qui la “testa” dell’opera è costituita da una pila di torri in bilico che ripropongono, in miniatura, quelle che caratterizzano la prassi artistica di Kiefer come nei famosi Sette Palazzi Celesti di Pirelli HangarBicocca a Milano.

Il percorso espositivo si conclude con una sezione speciale dedicata alla celebre serie Heroische Sinnbilder (Simboli eroici) , qui presentata attraverso quattro fotografie stampate su piombo. Nel 1969 Kiefer si fece fotografare eseguendo quelle che chiamerà Besetzungen (Occupazioni) in varie località europee, tra cui luoghi ‘occupati’ dall’esercito tedesco durante la Seconda guerra mondiale. Con indosso prevalentemente l’uniforme da ufficiale della Werhmacht del padre, Kiefer replica il saluto del Sieg Heil con il braccio alzato, sebbene in maniera meno marziale rispetto all’originale. Kiefer utilizza così un gesto caratteristico del regime nazista con l’intenzione di affrontare, con evidente volontà provocatoria , la storia recente del popolo tedesco.

In questo contesto, per richiamare la precarietà della vita umana e la transitorietà del tempo, ma anche a dimostrazione dell’importanza della poesia, della scrittura e della parola nella pratica artistica kieferiana, la mostra si chiude con i celebri versi del 1930 del poeta Salvatore Quasimodo, tracciati da Kiefer stesso su una parete della sala: «Ognuno sta solo sul cuor della terra / trafitto da un raggio di sole / ed è subito sera».

Le foto di questo servizio sono della digital artist Helene Weifner

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Wed, 27 Mar 2024 15:20:10 GMT

Nella poetica di Eleonora Falchi non c’è separazione

tra dentro e fuori; il grido interiore non è scindibile

dalla voce di denuncia della condizione di disagio collettivo (Chiara Rantini)

Eleonora Falchi è autrice eclettica , ama spaziare fra vari generi letterari, fare sperimentazioni, esplorare sempre nuove strade di scrittura, anche se rimane con i piedi ben piantati per terra. Il suo, infatti è uno sguardo orientato allo stile di vita moderno , con tutti i suoi eccessi e le sue contraddizioni, fonte d’ispirazione per la sua poetica, ma anche per la prosa.

Ha scritto moltissimi racconti che ha raccolto in varie antologie, fiabe per bambini, diverse sillogi poetiche, insomma non si ferma mai, se non è in giro per il mondo per viaggiare, partecipa a vari gruppi in ambito letterario, è membro di giuria del Premio letterario del Gruppo Scrittori Firenze e del Concorso di poesia della Unione italiana Ciechi, tiene una rubrica su Facebook “Parola di Scrittrice”.

Instancabile. È anche una brava manager di sé stessa, pur non avendo il supporto dell’ufficio stampa delle case editrici con cui pubblica, le sue presentazioni sono piene di gente, perché ne inventa sempre una nuova, come l’ultimo incontro, alla Biblioteca Comunale Filippo Buonarroti di Firenze, dove il suo reading poetico si è armonicamente mescolato al canto della bravissima Rosy Mattarelli e con le illustrazioni in tempo reale del poliedrico pittore Enrico Guerrini, suscitando la sincera ammirazione di tutti i presenti. Nonostante i continui impegni di Eleonora Falchi siamo riusciti a intervistarla.

La poesia parla a se stessi o è un linguaggio universale?

La poesia nasce da un vissuto o un’emozione propri per trasmettere un messaggio universale e creare un immaginario in cui ognuno possa riconoscersi.

Nelle tue poesie racconti storie vere o personali davvero accadute?

Descrivo esperienze vissute, osservate, sentite, immaginate. Dipende. L’unico elemento imprescindibile è il moto dell’anima che si è smosso e trasformato in parola, senza il quale si tratterebbe di mero esercizio letterario.

Dov'è il punto di interconnessione tra il mondo interiore e quello esteriore?

Hai presente il nodo di Moebius? Ecco rappresenta bene questa interconnessione, perché il dentro e il fuori sono vasi comunicanti in maniera costante, in quanto il proprio “dentro” influenza la percezione del fuori e ciò che si vive fuori trasforma il “dentro”.

La poetessa polacca Wislawa Szymborska, premio Nobel nel 1996, dice che “ ogni buona poesia si trasforma sempre in qualcosa di astratto. Però ha sempre a che fare con la realtà, con la vita del poeta o degli altri. Le cose belle hanno ugualmente qualcosa di metafisico” . Sei d’accordo?

Se per astratto intende di valore universale sì, come dicevamo prima, se invece intende qualcosa scollegato dalla realtà in maniera totale, no. Per tendere i rami verso il cielo, è necessario essere ben radicati alla terra.

Visto che sei anche autrice di racconti, che differenza c’è tra la prosa e la poesia?

In entrambi i casi prendo ispirazione, come fanno tutti gli scrittori, da quello che conosco, ma mentre la prosa può essere anche un mero esercizio che parte dal mentale, la poesia per me deve partire dalla “pancia”. Ovvero si può scrivere un’ottima prosa su un tema prestabilito e a richiesta, ma si può scrivere una poesia con l’anima solo se si sente profondamente il contenuto. La differenza è ben percepibile alla lettura.

Sei in grado di scrivere poesie su commissione oppure con temi prestabiliti, come accade se vuoi partecipare a un Premio letterario?

Mi è capitato di farlo per amicizia e per progetti a cui tenevo, mai per premi letterari, non avrebbe senso per me. Sono poesie che possono avere un loro perché per il contesto alle quali sono destinate, ma non le ritengo le mie migliori.

Sei più progettista o improvvisatore?

In poesia senza dubbio improvvisatore, in prosa dipende.

Hai provato a mettere in musica una tua poesia oppure hai mai scritto testi per canzoni?

Una mia poesia è stata messa in musica da Irene Montagnani, bravissima musicista e cantante, personalmente non ho competenze musicali adeguate, anche se quando scrivo poesie cerco un mio suono riconoscibile nei versi, altrimenti non sarebbe poesia.

Hai prodotto altre forme di scrittura come romanzo, sceneggiature, testo teatrale?

Ho scritto con altri amici del Gruppo Scrittori Firenze un testo teatrale che abbiamo messo in scena, racconti, fiabe, un saggio comico e ho iniziato un romanzo nel cassetto da un po'. in attesa di continuare la sua strada per essere pubblicato al momento opportuno.

Amore e morte sono temi che si ritrovano nella tua poetica?

Non solo, ma sì ci sono.

Ci sono parole che eviti quando scrivi?

Una parola che trovo cacofonica è ASSIEME, mi suona proprio male, per fortuna c’è il sinonimo insieme. Inoltre, evito più possibile gli avverbi in “mente” e limito i gerundi che appesantiscono parecchio.

Ti servi dell’humour per poter scrivere senza problemi su questioni molto serie?

Sposo l’ironia e la leggerezza calviniana.

Da bambina leggevi poesie?

Quelle scolastiche, per il resto fiabe e romanzi per bambini.

Che funzione ha la poesia davanti alla crudeltà del mondo?

Di testimonianza, presa di consapevolezza e consolazione.

Può un poeta scrivere a proposito della storia?

Certo.

La politica sta massacrando il linguaggio?

Massacrasse solo quello…

Adesso cosa leggi?

Racconti, romanzi spesso contemporanei, gialli, poesie non tutte. Quasi niente saggi.

E cosa scrivi?

Poesie quando chiamano e racconti ogni tanto. Ho cinque pubblicazioni al momento di cui due in prosa e tre in versi.

Le foto sono relative all’incontro di venerdì 15 marzo 2024 alla Biblioteca Comunale

Filippo Buonarroti di Firenze, in occasione della manifestazione “Si scrive marzo, si legge donna”

organizzata dal Comune di Firenze con le Biblioteche Comunali Fiorentine.

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Mon, 25 Mar 2024 15:11:05 GMT

“Per buttar giù la trama mi ci sono voluti due giorni

e ora sono alle prese con l’incipit,

la porta che apre il cuore a chi legge.

Alla fine della mattinata ho già scritto una decina di paragrafi.

E li ho cancellati tutti. Tranne uno” (cit. pag. 256)

Scrivere la sinossi di un giallo è sempre operazione piuttosto delicata perché si rischia di fare spoiler e di rivelare fatti e avvenimenti significativi che invece vanno tenuti rigorosamente segreti. Mi affido pertanto alla sinossi contenuta nel risvolto della copertina del libro .

Senza più soldi e con la prospettiva di un'occupazione qualsiasi, Fabio del Colletto, già cronista di nera in un quotidiano fiorentino, decide di raccontare in un libro i retroscena di una storia nella quale sangue e politica si sono mischiati. Mentre scrive, però. Fabio viene a trovarsi senza lavoro, senza un soldo e con davanti a sé, come unica prospettiva per tirare avanti, quella di mettersi a vendere piccoli spazi pubblicitari su un giornaletto di annunci economici. La sua vita è a un bivio, da una parte quello che ama, dall'altra la fine dei sogni e l'ammissione che avevano ragione i suoi genitori quando gli ripetevano che la vita è una croce da portare con rassegnazione. Prima di arrendersi, capisce di avere un'unica possibilità: pubblicare il libro con la storia di cui è stato testimone e attore, ma non sarà così semplice… la posta in gioco è troppo alta .

Per capire la trama ci si può anche affidare alle pagine del libro : “ Questo libro racconta un intrigo internazionale, uno sporco affare che ha preso l'avvio negli Stati Uniti, a Hope, una cittadina dell'Arkansas, ed è sfociato in due omicidi commessi qui a Firenze nel gennaio del 2023. Quando lavoravo come cronista di nera in un giornale minore fiorentino, questa storia l'ho vissuta in prima persona; se avete letto i miei articoli questo già lo sapete. Quello che invece pochi sanno è che ho rischiato a mia volta di venire ucciso e che in ultimo sono stato licenziato dal giornale perché, per portare avanti la mia inchiesta, mi sono spacciato per poliziotto” (cit. pag. 256)

Ma chi è che parla? Il protagonista, Fabio del Colletto o l’autore Jacopo Chiostri? Questo romanzo è un gioco di specchi . La copertina sintetizza perfettamente il doppio registro, narrativo di pura fantasia e autobiografico dell’autore che è giornalista. Chi è l’uomo ritratto in copertina? Fabio o Jacopo? Anche la presenza di un pc e di un foglio di carta rappresenta le due accezioni temporali della scrittura, quella tradizionale e quella moderna.

La scrivania, inoltre, è quella su cui lo zio di Jacopo, Carlo Chiostri, pittore e illustratore di una certa fama, disegnava le tavole su Pinocchio, con cui ha illustrato un libro della Giunti . Jacopo ha subìto l’influenza del parente pittore, perché il suo modo di scrivere è simile alla pittura, le scene sono dei quadri che si susseguono come in una mostra.

Per concludere l’analisi della copertina, occorre notare che il colore scelto non è un giallo deciso, ma sembra più un senape. Scelta voluta per significare che questo romanzo non è un vero e proprio giallo , anche se ci sono tutti gli elementi della narrazione thriller che l’autore padroneggia con maestria per la sua lunga militanza giornalistica nella cronaca nera, ma è anche indagine psicologica (il rapporto genitori/figlio) e sociale (il mestiere del giornalista).

Anche i precedenti romanzi di Jacopo Chiostri debordavano dagli schemi classici del giallo, affrontando varie tematiche con numerosi registri narrativi e varie chiavi di lettura. Uno di questi è Hans MD5 dove una giostra di personaggi fuori dal comune hanno a che fare con la banalità del male, ma anche problematiche sociali e aspetti inconsueti del carattere umano; un altro è Non è un caso , dove il commissario Gennaro si trova di fronte a una situazione che non è più organizzata con lo schema consequenziale classico causa/effetto, ma secondo misteriosi collegamenti spazio-temporali, che soltanto alla fine avranno la loro spiegazione razionale, grazie alle intuizioni “non razionali” del commissario.

In Volevo il Pulitzer non c’è più un commissario, ma un giovane giornalista che a volte si finge poliziotto per potere indagare su una situazione che apparentemente può sembrare paradossale: un intrigo internazionale che avviene negli USA collegata a due omicidi che avvengono a Firenze. Il romanzo ha un romanzo al suo interno, o se vogliamo è il romanzo di un romanzo . Quello che resta costante è l’atmosfera fiorentina, la città di Firenze, analizzata in mille sfaccettature, da angoli diversi, soprattutto in quella consolatoria: “Firenze sa essere così consolante, questi edifici che mi accompagnano lungo il cammino stanno lì a ricordare che non può succedere niente di irreparabile” (cit. pag.89), mentre l’America rappresenta il sogno, la ricerca della propria strada, la liberazione dalle catene dell’educazione familiare.

Infatti, uno dei temi ricorrenti del romanzo è l’influenza dei genitori sulla vita dei figli . Il protagonista ha una famiglia iperprotettiva, che l’ha cresciuto con un modello di prudenza e di sicurezza, che non lo ha mai spronato ad assumere i rischi. Non osare, altrimenti paghi il conto. Per questo quando Fabio del Colletto perderà il lavoro crederà di avere delle colpe che invece non ha. Il romanzo nel romanzo ha questa energia creativa data dalla lotta del protagonista contro l’eredità psicologica della famiglia che lo ha condizionato con il motto “impara a portare pazienza e a portare la tua croce”. Questa resistenza è l’aspetto più suggestivo e significativo del romanzo.

“I miei genitori non mi hanno mai picchiato. Neppure uno scapaccione. Quando, secondo i canoni di famiglia, mi comportavo male, piuttosto assumevano l'area delle vittime e si allontanavano scuotendo la testa. A me andava bene così, solo più tardi ho capito che sarebbe stato meno doloroso essere preso a ceffoni. Perdere il lavoro è traumatico, ma fu peggio dover ammettere che avevano ragione loro: a inseguire i sogni si rischia troppo” (cit. pag. 17)

La sconfitta si esprime a livello psicologico con gli attacchi di panico che tormenteranno Fabio del Colletto. La famiglia lo ha addestrato al controllo e ai pericoli ma, se si presenta una situazione nuova e diversa, va in crisi. Il sogno del giovane giornalista che ha sventato l’intrigo internazionale e che ha ricevuto addirittura una lettera del presidente americano Joe Biden che lo ringrazia e lo elogia, il sogno di vincere il Pulitzer s’infrangerà nella sua stessa rinuncia. E questo eroe perdente che ama volare ma che resta con i piedi ben piantati tra le pietre delle strade di Firenze ci piace moltissimo perché è un eroe pieno di paure, di dubbi, d’incertezze, proprio quel tipo di eroe “normale” che popolano la vera letteratura e non sono cliché della fiction stereotipata che il mercato editoriale ci vomita addosso in grande quantità.

“Il computer si sta mettendo in moto e, come al solito, non ha granché voglia di affrettarsi al servizio del diritto all'informazione. Intanto penso che l'idea che mi frulla per la testa abbia una lacuna grossa come il Monterosa e l'euforia se ne va. Questi alti e bassi, che mi capitano spesso, dovrebbero essere la prova della capacità di mettermi in discussione, ma non è così, in realtà cerco sempre le scorciatoie” (cit. pag. 69)

Foto relative alla presentazione del 19 marzo 2024 alla Libreria Feltrinelli Red di Firenze

A Firenze arriva l’Art Nouveau: il Museo degli Innocenti ospita fino al 7 aprile la mostra con oltre 170 opere dedicata ad ALPHONSE MUCHA

Thu, 14 Mar 2024 16:05:21 GMT

La mia arte, se così si può chiamare, si cristallizzò, divenne moda,

si diffuse tra fabbriche e laboratori col nome di “Stile Mucha”

e all’esposizione si è dovuto rimuovere un gran numero di oggetti

per prevenire le violazioni del diritto d'autore” ( Alphonse Mucha ).

Tra fine 800 e inizio 900 Parigi era considerata il centro del mondo dell'arte, la Belle Époque infondeva entusiasmo e gioia di vivere nella società e nell’arte. Alfonse Mucha diventa il più famoso e conteso artista dell'epoca dell’ Art Nouveau . Le sue opere, le sue illustrazioni, i poster teatrali e la nascente pubblicità danno vita a una nuova forma di comunicazione . Il suo stile è il più imitato. La sensuale bellezza delle sue donne entra nell'immaginario collettivo di tutti. È lo sguardo di una donna nuova che rivendica il diritto alla libertà e alla dignità. È l'inizio della modernità , di cui Alphonse Mucha, con un linguaggio mediato dai preraffaelliti, dalle xilografie giapponesi, dalla bellezza della natura, dalla decorazione bizantina e da quella slava, si fa portavoce. Le sue opere diventano subito famose in tutto il mondo.

Le Pietre Preziose , litografie a colori, 1900 - Sopra: Ametista e Topazio; sotto: Rubino e Smeraldo

Anche nella progettazione artistica, Mucha si avvale delle nuove conoscenze scientifiche, quelle teorie che indagano i meccanismi della percezione visiva, occhio-nervi-cervello. Partendo dall'osservazione della natura, determina quali sono le forme e le linee più piacevoli, le proporzioni equilibrate. “La natura visibile che cogliamo attraverso gli occhi ci circonda di forme ricche e armoniose. La meravigliosa poesia del corpo umano. E di quello animale. E la musica di linee e colori che promana dai fiori, foglie e frutti sono le più evidenti, maestre per lo sguardo e per il gusto” (Alphonse Mucha).

La mostra inizia con la sezione intitolata “Donne, Icone e Muse” , il soggetto principale dell'arte di Mucha, donne voluttuose e sensuali, ma allo stesso tempo caste e innocenti. L'antitesi dell'immagine della donna decadente e pericolosa, raffigurata dagli artisti tardo ottocenteschi. Donne come pietre preziose.

Alla celeberrima attrice parigina Sara Bernhardt si deve la nascita dello " stile Mucha" . Verso la fine del 1894 lei gli commissiona il manifesto per promuovere la commedia teatrale “Gismonda”. Mucha è un illustratore di libri di discreto successo ma del tutto sconosciuto nel campo dei manifesti pubblicitari. “La divina” rimane colpita dall'originalità delle sue composizioni e soprattutto dalla capacità di Mucha di ritrarre l'anima dei personaggi che Sarah Bernhardt deve interpretare.

Chiamata “La Divina” per la sua bellezza e per il suo talento straordinario, Sarah Bernhardt diventa celebre sui palcoscenici di tutto il mondo grazie all'intensità delle sue interpretazioni e alla presenza scenica magnetica. La sua voce e il suo animo ribelle affascinano sia il pubblico che il mondo letterario. Diventa l'amica di Edmond Rostand, di Sacha Guitry, di Victor Hugo, di Jean Cocteau che conia per lei l'espressione “un mostro sacro” e Mark Twain, di lei scrive, “ ci sono solo cinque tipi di attrici: quelle cattive, quelle passabili, quelle buone, quelle grandi, e poi c'è Sara Bernhardt ”

Medée , tragedia in tre atti composta nel 1898 da Catullo Mendes, è andata in scena per la prima volta il 28 ottobre 1898 a Parigi. L'interpretazione di Sarah Bernhardt nel ruolo di Medea è stata acclamata per la potenza drammatica e per la capacità di catturare l'angoscia e la disperazione del personaggio. Lo stesso pathos che Mucha riesce a trasmettere nel suo manifesto. Lui stesso scrive: “ si può ben dire che di rado un'anima sia stata più fedelmente esteriorizzata: ciascun lineamento del viso e ciascun movimento delle vesti era profondamente condizionato dalle sue esigenze psicologiche”. Mucha realizza anche i gioielli di scena, tra cui il bracciale a forma di serpente che si vede nel manifesto.

Gismonda , è un dramma in quattro atti scritto appositamente per Sarah Bernhardt da Victorien Sardou, uno dei principali drammaturghi del teatro francese dell'epoca. La prima si tiene il 31 ottobre 1894 al Théâtre de la Renaissance di Parigi. Oltre a Sarah Bernhardt, nel ruolo di Gismonda, la protagonista, anche Lucien Guitry nel ruolo di Almerio. La trama ruota intorno alla duchessa bizantina Gismonda che affronta sfide politiche e personali mentre cerca di proteggere il suo giovane figlio e il suo Ducato.

L'avvento del modernismo porta dei cambiamenti rivoluzionari nel concetto di arte. Anche la tradizionale nozione di bellezza viene messa in discussione e ampliata per accogliere idee nuove. In un periodo di grandi cambiamenti, Mucha cerca invece nell'arte un valore immutabile e universale . Scrive: “L'arte non può essere nuova. L'idea di arte moderna come moda passeggera è offensiva. L'arte è eterna come il progresso dell'uomo e la sua funzione è quella di accendere di luce il cammino del mondo. L'arte si trova in costante sviluppo ed è sempre qualche passo avanti all’umanità”.

Mucha è convinto che una bella opera costituisca “il simbolo del bene” e contribuisca a sollevare l'animo del pubblico e a generare una società migliore. Tutta la sua opera è pensata per riuscire ad arrivare alla comprensione della bellezza , unico modo per elevare la qualità della vita. Le forme aggraziate del corpo femminile e le sinuose linee della natura servono a guidare lo sguardo dell'osservatore verso il punto focale della composizione.

Mucha predilige i temi semplici e universali come le stagioni, i fiori e le ore del giorno, facilmente comprensibili anche da un pubblico non esperto. Le sue opere, dai disegni alle stampe decorative, saranno riproposte come calendari, cartoline, oggettistica, riprodotte in molte riviste d'arte sia in Francia che all'estero, diffondendo così lo “stile Mucha” ovunque. Il suo stile, divenuto di gran moda, influenzerà tutta l'esposizione internazionale di Parigi del 1900.

La fama come autore di manifesti, procura a Mucha numerose commissioni per la realizzazione di immagini pubblicitarie per negozi, confezioni di prodotti e oggettistica decorativa. Nel 1896, mentre è al lavoro sul poster per un profumo, gli viene chiesto di disegnare anche l'etichetta e la scatola per i flaconi.

Nello stesso anno Mucha inizia a collaborare con il celebre produttore francese di biscotti Lefèvre-Utile. Mucha crea una decorazione coordinata sia per le confezioni che per i manifesti, così da creare un messaggio pubblicitario uniforme, aumentandone la visibilità sul mercato, strategia ampiamente utilizzata dalla grafica contemporanea.

Nell'arco di vent'anni Mucha, divenuto il grafico più richiesto e copiato della Parigi di fine secolo , realizza circa 120 manifesti, molti dei quali sono considerati oggi delle vere e proprie icone dell'Art Nouveau. Mucha vuole trasmettere al pubblico un messaggio, non importa che sia per un prodotto commerciale o un messaggio sacrale, religioso o storico. Le attività pubblicitarie rappresentano per l'artista il terreno ideale dove sperimentare nuove modalità di comunicazione efficaci.

Bevande alcoliche, champagne, birre e liquori, detersivi, profumi, biciclette, sigarette: l'oggetto pubblicizzato passa in secondo piano. Protagonista è quasi sempre una fanciulla idealizzata ed elegante. Ieratiche figure femminili, con il loro sorriso ammaliante, incorniciate da dinamici contorni grafici evocano atmosfere seducenti . Il loro sguardo invita lo spettatore a entrare nel loro mondo e quindi ad acquistare il prodotto reclamizzato.

Tra il 1890 e il 1900 Mucha, sotto l'influsso del misticismo, dell'occultismo e della teosofia, coltiva un interesse crescente per la massoneria , la confraternita che propugna l'edificazione dell'umanità attraverso opere caritatevoli, solidarietà umana e la ricerca dei massimi valori intellettuali, morali e spirituali. Il 25 gennaio 1889 Mucha viene accolto nella loggia parigina del Grande Oriente di Francia, il più antico ordine massonico dell'Europa continentale. Il peso dello spiritualismo di Mucha e della filosofia massonica in particolare si manifesterà nell'opera visionaria in forma di libro: Le pater .

I Document décoratifs di Mucha pubblicati nel 1902 dalla Librarie Centrale des Beaux-Arts di Parigi è un manuale per artigiani, grafici e studenti d'arte in cui Mucha svela tutti gli aspetti del proprio lavoro. Nelle 72 tavole del volume si trovano non soltanto esempi di motivi decorativi pronti all'uso, ma anche un assortimento di bozzetti pensati per accompagnare il grafico lungo il processo della stilizzazione . Una guida su come trasformare i disegni naturalistici in motivi ornamentali applicabili al prodotto industriale. I bozzetti di Mucha danno prova della sua illimitata fantasia nel trarre nuove forme dalla natura e dal corpo umano.

Un’intera sezione della mostra è dedicata alla cultura bretone , nell’accezione intesa da Mucha come espressione dell'identità culturale e ideologica di un popolo. In questo periodo, Mucha si ritrae spesso con indosso una camicia ricamata della tradizione nazionale, simbolo dell'unità slava. Le sue opere sono dominate da elementi della madrepatria, le modelle indossano abiti di foggia slava, le opere sono piene di motivi floreali e botanici ispirati all'arte e all'artigianato della Moravia.

Di notevole importanza l’impegno di Mucha per la fotografia . Inizia a fotografare intorno al 1895, mentre studia all'accademia di Belle Arti di Monaco. A partire dagli anni di Parigi, le fotografie diventano una parte importante del suo processo creativo, tanto che, dall’ultimo decennio dell'Ottocento, Mucha raccoglie in un taccuino schizzi e disegni a completamento del suo approccio visivo alla realtà .

Gran parte delle foto di questo periodo sono immagini di modelle scattate nel suo atelier . Mucha lavora in maniera spontanea con le modelle che improvvisano le pose più diverse, per poi utilizzare le immagini come fonte di ispirazione per disegni e dipinti.

“Mio caro Mucha, mi chiedete di presentarvi al pubblico parigino. Bene, caro amico, seguite il mio consiglio: esponete le vostre opere ed esse parleranno per voi; io conosco il mio caro pubblico francese. La delicatezza del vostro disegno, l'originalità delle vostre composizioni, i bei colori dei vostri quadri e manifesti - tutto questo li sedurrà, e dopo la vostra esposizione predico la vostra fama. Le mie mani nelle vostre mio caro Mucha”. Sarah Bernhardt.

Alphonse Mucha viene coinvolto in una serie di mostre e progetti per l'esposizione universale di Parigi del 1900 . In qualità di artista ufficiale dell'Impero austro-ungarico gli viene affidato l'allestimento del padiglione della Bosnia Erzegovina. Mucha collabora con prestigiose aziende francesi, come le più antiche profumerie del paese e con il principale orafo gioielliere della capitale, Georges Fouquet, che lo incarica di disegnare un'intera collezione di gioielli per l'esposizione.

L'Expo del 1900 riscuote un successo incredibile. Vi partecipano 58 nazioni e viene visitata da 50 milioni di persone. Mucha riceve la medaglia d'argento per il padiglione della Bosnia Erzegovina, insieme all'ordine di Francesco Giuseppe, per il contributo dato all'Impero austro-ungarico in occasione della maggiore esposizione internazionale del secolo .

Nel periodo della permanenza di Mucha a Parigi, fra artisti e letterati hanno luogo accanite discussioni su come promuovere la riforma sociale mediante la diffusione dell’arte e della cultura. Tra le grandi fonti di ispirazione di questo dibattito troviamo William Morris e gli ideali del movimento inglese Arts and Crafts.

L'influenza esercitata dal movimento dell'arte per il popolo porta Mucha a realizzare i Panneaux decoratifs, un nuovo tipo di poster senza testo pubblicitario pensati esclusivamente a scopo ornamentale e lanciato nel 1896 con la serie Le stagioni . Scriverà Mucha: “Ero contento di fare arte per il popolo e non per i salotti privati: economica e alla portata di tutti, trovava casa presso le famiglie povere, come pure nelle cerchie più facoltose”.

La mostra dedicata ad Alphonse Mucha si conclude con la sezione relativa all’ EPOPEA SLAVA , un ciclo pittorico composto da 20 tele di grandi dimensioni (la più grande misura oltre 6 metri per 8) che raccontano i principali avvenimenti della storia slava tra il terzo e il ventesimo secolo. Il progetto viene presentato nel 1928 a Praga in occasione del decimo anniversario dell'indipendenza della nazione dal dominio austroungarico. Durante la Seconda guerra mondiale le tele vengono nascoste per preservarle dai sequestri nazisti. Oggi i dipinti sono esposti al castello Moravsky Krumlov nella Moravia meridionale.

A complemento dell’esposizione, infine, una sezione è dedicata allo sviluppo del nuovo linguaggio artistico nel nostro Paese: un omaggio al fiorentino Galileo Chini , uno dei protagonisti dell’Art Nouveau in Italia.

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Fri, 01 Mar 2024 11:44:50 GMT

Cammino per casa e mi sento trasparente, anzi faccio la trasparente perché non do fastidio, non mi lamento e nessuno si lamenta con me. Ottimo! ( Elena Giordano , A volte accade che )

Di solito ci metto un po’ di tempo per leggere un libro, ma questa storia mi ha preso e ho divorato in poche ore il romanzo di Elena Giordano . Sulle prime pensavo fosse il solito romanzo di esordio che si scrive in gioventù, sotto forma diaristica, sui primi amori, i primi turbamenti, le amicizie, le gioie, i dolori, vale a dire tutto il catalogo di emozioni stereotipate che popolano questo tipo di romanzi. Dopo le prime pagine, mi sono dovuto ricredere, non solo l’ho letto senza nessuna fatica, ma sono arrivato in fondo con piacere e con la convinzione che è una storia importante che ti lascia dentro qualcosa d’importante.

Innanzitutto, anche se è autobiografico, A volte accade che è scritto in terza persona e questo dà alla storia un taglio diverso, molto più attraente per un lettore qualsiasi. La caratterizzazione dei personaggi è realizzata con maestria, così come le ambientazioni: le descrizioni di Roma, della Riviera romagnola, di Parigi riescono a evocare quei luoghi. Approfondite e interessanti le relazioni tra la protagonista Alice e gli altri personaggi, dapprima con Emanuele, poi con Vittoria e Simone e infine con il "bellissimo e insolente" Edoardo, passando per la coppia Simone-Lorenzo, insomma questo A volte accade che non è il banale diario di un'adolescente ma un fine e dettagliato scavare nelle relazioni umane.

La storia d'amore tra Alice e Edoardo è struggente, soprattutto mi ha commosso il fatto che Edo ha aspettato che Alice fosse a Parigi, lontana da lui per mettere in pratica il suo intento, che non va rivelato per non fare spoiler. Azzeccata, per questo motivo, la scelta di mettere l'intervento di Marina Welby come postfazione e non prefazione.

Qual è stata la tua ispirazione per l’idea del romanzo?

Le amicizie, i viaggi, i dolori, le perdite, i ricordi e le varie esperienze di vita sono state il mio punto di partenza per la stesura del romanzo.

Quanto c’è di te in questa storia?

Ogni parola e pensiero che c’è in questo romanzo mi rappresenta. Ho scritto questo libro proprio per dar sfogo ai miei pensieri e alle mie emozioni. Anche la scelta di affrontare la tematica della malattia non è stata casuale. Ho provato anch’io da vicino il dolore di una malattia che ti costringe a rimanere a letto. Ho visto questa mattina negli occhi di mia nonna che purtroppo ormai non c’è più e l’ultimo ricordo che ho di lei è proprio quel letto in ospedale nel quale non poteva più muoversi né parlare. Da quando è iniziata la sua lotta contro una malattia degenerativa dei motoneuroni le sono sempre rimasta vicino. Ogni volta senza parlare, perché lei non poteva farlo, ci guardavamo negli occhi come per dire: “Questa non è vita!” Ed io soffrivo a vederla in quella condizione. Probabilmente per questo avevo bisogno di dare sfogo alle mie emozioni attraverso la storia di Alice ed Edoardo.

Come costruisci i tuoi personaggi e la tua trama?

Secondo me esistono due tipologie di scrittori: c’è chi si prepara gli avvenimenti prima di scrivere i capitoli e c’è chi si abbandona alla tastiera e lascia che siano i personaggi a suggerire la storia. Io faccio parte - per ora - di quest’ultima categoria.

Tra la tua trama e i tuoi personaggi, cosa è essenziale per te?

Per me è importante l’autenticità e la verità che l’autore deve mettere nei suoi discorsi. Perché non riuscirei a scrivere per i miei lettori qualcosa che non condivido.

Con quali personaggi ti relazioni più facilmente?

È come chiedere ad una madre quale figlio preferisce avere sempre al suo fianco. Ho creato io i personaggi del mio libro ed ognuno di loro per me è importante perché custodisce una parte di me che gli ho donato per crearli.

Qual è stata la scena più difficile?

Sicuramente la lettera finale che Edo scrive alla protagonista. In quella lettera mi sono sfogata mettendo su carta il dolore per i ricordi ed il dolore per chi mi ha lasciato troppo presto in questa vita. Scrivere la lettera però è stato per me una valvola di sfogo.

Ci sono personaggi nei tuoi libri che hanno somiglianze con te o persone che conosci?

Sicuramente la protagonista Alice è il personaggio che più mi rappresenta con le sue paure, le sue insicurezze ma soprattutto per il coraggio che scopre di avere alla fine della storia.

Cosa ti ha spinto a diventare una scrittrice?

Ognuno cerca una propria via di fuga dalla realtà che a volte ci intrappola e ci lascia senza aria. Per me la scrittura è una boccata d’ossigeno pura in un mondo che a volte sembra poco genuino e sincero. Scrivo quando sono triste per sciogliere il nodo della mia infelicità.

Progettista o improvvisatore?

Esistono due tipi di scrittori: chi pontifica avvenimenti, capitoli, caratteristiche e chi si siede e si abbandona alla tastiera per scoprire cosa diranno gli suggeriranno i suoi personaggi nella sua mente. Io faccio parte della seconda categoria.

Cosa hai provato nel vedere il tuo libro pubblicato? Un sogno diventato realtà?

È stato come svegliarsi da un sogno ma vedere il tuo sogno continuare anche nella realtà. Sono ancora tanto felice per questa prima pubblicazione. Resto con la speranza che possano esserci altre pubblicazioni in futuro.

I social media hanno un ruolo per te come autore?

Penso che i social siano un ottimo strumento per sponsorizzare le opere.

Qual è la tua esperienza con la pubblicazione del tuo libro?

Ho un buon rapporto con la mia Casa Editrice. Si è instaurato un bellissimo rapporto di lavoro tra me e Marco Marchese che non è solo l’editore delle Officine Editoriali da Cleto ma è anche un ottimo mentore!

Cosa stai cercando di ottenere con il tuo libro?

Vorrei far conoscere i miei racconti e le mie storie a più persone possibili. Vorrei creare una community di lettori da poter aiutare - o a cui far compagnia - con le mie parole.

Sviluppi i tuoi personaggi mentre scrivi o li conosci già prima di iniziare a scrivere?

Tutti i miei personaggi si sono presentati a me quando ho iniziato a scrivere i primi capitoli. Mentre scrivevo loro facevano il loro ingresso nella mia mente.

Cosa ti aiuta a concentrarti mentre scrivi?

Sicuramente la musica di sottofondo. Solitamente mi piace ascoltare una sinfonia di Mozart o di Beethoven oppure qualche canzone in lingua straniera. Quando scrivo evito le canzoni italiane per non distrarmi dalle parole che ho nella mente prima di scrivere.

Com’è il tuo spazio di scrittura?

Non ho una postazione fissa in cui scrivo. Mi piace cambiare. Il mio posto preferito per scrivere è però la casa di nonna, in particolare il suo giardino. La natura, i colori e il sole mi aiutano ad alimentare la mia creatività.

Qual è il tuo modo preferito di prenderti una pausa dopo aver scritto?

Senza alcun dubbio una bella pausa caffè con un libro da leggere per alimentare le mie idee e prendere ispirazione dai grandi autori classici!

Chi sei quando non scrivi?

Ho 21 anni e sono una studentessa universitaria presso la facoltà di Giurisprudenza a Bologna.

Preferisci scrivere ciò che senti che i lettori vogliono o ciò che trovi stimolante?

Scrivo per sciogliere il nodo della mia infelicità o per sfogare i miei pensieri. Quindi se scrivo, innanzitutto lo devo fare per me stessa.

Come determini i nomi dei tuoi personaggi?

Ho scelto i nomi con molta cura, come un genitore che pensa al nome per suo figlio. Alcune volte mi sono ispirata ai nomi delle persone che ho conosciuto, altre volte amo chiamare i miei personaggi come quelli degli altri libri che ho letto.

Quali libri stai leggendo ora?

Narciso e Boccardoro di Hermann Hesse

Consiglio vivamente di leggere A volte accade che di Elena Giordano anche per lo stile di scrittura: semplice, chiaro, diretto, con perfetto equilibrio tra dialoghi e parti descrittive. L’autrice è riuscita a scrivere di cose molto drammatiche senza usare termini strappalacrime, lasciando parlare i gesti e le azioni dei suoi personaggi, colpendo il cuore del lettore molto più in profondità e lasciandogli in dono qualcosa anche dopo che si è terminata la lettura.

Il Museo Novecento di Firenze confronta la fotografia di ROBERT MAPPLETHORPE con quella di Wilhelm Von Gloeden e alcune immagini dei Fratelli Alinari.

Sat, 24 Feb 2024 10:33:13 GMT

Non mi piace la parola “scioccante”.

Io cerco l’inaspettato (Robert Mapplethorpe).

Il Museo Novecento rende omaggio a uno dei più grandi esponenti della fotografia del Novecento tramite un raffronto inedito con gli scatti di Wilhelm Von Gloeden e alcune immagini dei Fratelli Alinari. Confronto che approfondisce alcuni temi comuni come spunti di riflessioni per vedere come cambiano i riferimenti artistici e morali dell’arte fotografica nel tempo.

Nei diversi autoritratti dei due artisti, presenti all’inizio della mostra, vi sono delle pose emblematiche. Mapplethorpe si autoritrae come Lucifero/Dioniso, l’angelo ribelle e il dio della metamorfosi, della tragedia. L’altro si autorappresenta ricalcando l’autoritratto cristico di Dürer o in altri casi come un profeta.

Robert Mapplethorpe nasce a New York nel 1946. Sembra che volesse diventare un musicista, ma decide di studiare pittura al Pratt Institute di Brooklyn. Nel 1968 conosce la cantante rock Patty Smith con la quale si trasferisce nel 1970 nel Chelsea di Manhattan, leggendario hotel nel quale hanno soggiornato per lunghi periodi cantanti, scrittori e artisti di fama mondiale. Influenzato dall’amico John McEndry, curatore della sezione di fotografia del Metropolitan of Art Museum di New York, comincia a interessarsi a questa forma di comunicazione e a collezionare vecchie fotografie. Inizialmente esegue montaggi con materiale fotografico vario, poi dal 1972 inizia a fotografare con una Polaroid.

I temi che predilige sin dagli inizi sono quelli che lo renderanno celebre in tutto il mondo: ritratti e nudi classici e fiori, tutti raffigurati in rigide composizioni con un livello di precisione tecnica e compositiva straordinaria. Suscita scalpore soprattutto per i suoi nudi in cui, con una durezza realistica arrogante e brutale, non sempre mitigata dalla composizione classicheggiante, tematizza erotismo e omosessualità. La libertà con la quale affronta questi temi, accompagnata dall’inclinazione a non nascondere la propria omosessualità, lo porteranno a diversi sequestri delle sue opere, ma anche alla fama e al riconoscimento universale della sua fotografia come forma di arte.

La mostra mette in luce il legame di Robert Mapplethorpe con la classicità, il suo approccio scultoreo all’immagine fotografica. Il profondo interesse per l'antico, La passione per i maestri che lo hanno preceduto e l'attenta comprensione della statuaria, in particolare dell'opera di Michelangelo, sono delle costanti nella ricerca dell'artista. Nelle sue composizioni, libere da ogni conformismo, i modelli figurativi del mondo classico e l'iconografia della tradizione cattolica rivivono sotto una nuova luce. Emerge con potente evidenza nelle pose atletiche e nella comprensione di masse muscolari trattenute e pronte a esplodere con grande energia. Lo spirito apollineo e la sensualità dionisiaca si combinano e si confondono nello studio del nudo maschile e femminile, così come nei ritratti e nelle nature morte, in particolare quelle dei fiori, in una ricerca di assoluta perfezione formale.

Appassionato collezionista di fotografie, Mapplethorpe conosce l'opera del Barone Wilhelm von Gloeden, con la quale ha forse la possibilità di confrontarsi ampiamente anche agli inizi degli anni Ottanta, grazie ai contatti con il gallerista Lucio Amelio, e a un soggiorno a Napoli, durante il quale si lascia suggestionare dal fascino disarmante delle rovine.

I soggetti, le pose, le atmosfere sospese evocate da entrambi i fotografi, attentamente studiate e ponderate nei casting e nelle scenografie, ci guidano alla scoperta di un'idea non convenzionale di bellezza e di Eros che accomuna queste due straordinarie personalità del mondo della fotografia, il nobile Wilhelm von Gloeden e Robert Mapplethorpe. Novanta gli anni che li separano, il primo nasce nel nord della Germania, nel 1856, il secondo a New York nel 1946 eppure i due lavori hanno molto in comune, entrambi interessati al nudo come espressione di bellezza del corpo, in particolare maschile, entrambi raffinati cultori della Grecità e dell'arte italiana del Rinascimento.

“L’arte non ha altro scopo che la bellezza e non vuol sentire nulla di morale” Wilhelm Von Gloeden, (Wismar, 16 settembre 1856 – Taormina, 16 febbraio 1931), è stato un fotografo tedesco attivo soprattutto in Italia. È noto soprattutto per i suoi studi di nudo maschile in ambiente pastorale di ragazzi siciliani, che fotografava assieme ad anfore o costumi ispirati all'antica Grecia, per suggerire una collocazione idilliaca nell'antichità che rimanda all'Arcadia. Da un punto di vista moderno, il suo lavoro è notevole per il suo uso sapiente e controllato dell'illuminazione, così come per l'elegante messa in posa dei suoi modelli. Alla perfezione artistica dei suoi lavori contribuirono anche l'uso innovativo dei filtri fotografici e di lozioni per la pelle di sua invenzione, una miscela di latte, olio d'oliva e glicerina per mascherare le imperfezioni della pelle.

La fotografia è un’arte che media; nasce dalla pittura e predispone al cinema. È una forma di comunicazione individuale ma sullo sfondo di una destinazione pubblica. È uno strumento e un linguaggio di passaggio fra due grandi tradizioni: quella consolidata da secoli di elaborazione artistico-pittorica e quella della legge dei grandi numeri della comunicazione di massa. Per entrambi il corpo umano rappresenta un importante parametro di riferimento. Per secoli ha costituito il nodo centrale della rappresentazione, la manifestazione più sublime della creazione divina, la nudità azzerava le istanze sociali, allontanando la distrazione e la copertura fuorviante dell’abito, per concentrarsi sul senso ultimo dell’esistere. L’uomo, la più alta espressione della natura, l’io e l’altro, si confrontavano attraverso la forma in un continuo adeguamento tra il reale e l’ideale.

Anche quando questo rapporto si anima di più coinvolgenti valenze espressive, colorando il soggetto di una nuova carica sensuale ed emotiva, e il corpo umano si trasforma da simbolo di perfezione in simbolo dell’amore, esso rimane il veicolo privilegiato e il banco di prova dell’idea del Bello, intesa non solo come una soluzione formale di ordine estetico, ma anche come regola morale e un modello di rapporto con il mondo.

Mapplethorpe ha sempre spinto i propri modelli ad acquisire coscienza come persona fisica, contribuendo a indurli a prendere in considerazione il loro ruolo come collaboratori paritari con una loro personalità che spesso supera quella del fotografo stesso, in modo che nessuna manipolazione intervenga a distruggere la peculiarità e l’integrità del linguaggio fotografico.

Conduce una vigorosa battaglia in nome dell’autonomia della fotografia, che rivendica uno status paritetico con le altre discipline artistiche in nome dell’unicità del suo contribuito al mondo della visione. L’istantanea e la poetica del frammento sono due contributi peculiari della fotografia alla storia del linguaggio. Grazie alla prima, essa si mette all’inseguimento del tempo e cattura delle realtà invisibili all’occhio. Grazie alla seconda, rovescia il rapporto tra particolare e insieme. L’inquadratura isola ma al tempo stesso esalta, insegnando a scoprire la bellezza nel dettaglio e a risalire da questa alla ricostruzione mentale dell’insieme.

L’esaltazione delle forme naturali, come per esempio nella serie delle Calle, serve a portare il focus sulla rivolta delle regole sociali cristallizzate, il segno della trasgressione e del superamento del dato meramente fisico e psicologico.

In Mapplethorpe il nudo ha perso ogni significato come categoria se stante. Esso diventa sempre più un elemento di confronto attraverso cui definire le regole di comportamento sociale e individuale. Fa parte di una schiera di autori (come Helmut Newton o Diane Arbus) che fanno largo uso della figurazione omologante – come, per esempio, la ripresa frontale – e si affannano a promuovere un modello di essere mutante, androgino, che combina elementi maschili e femminili di varia provenienza, ma quasi sempre secondo lo stereotipo estetico e lussuoso delle riviste in carta patinata.

Gli esseri umani sono fotografati nella loro diversità, nello scostarsi dalla "normalità" data per scontata, una normalità a volte messa in discussione dalla stessa natura, a volte da scelte personali. Tuttavia, l’approccio di Mapplethorpe non è mai voyeuristico piuttosto la consapevolezza della diversità non sminuisce i suoi soggetti, ma li esalta nella bellezza e nell’estetica classicheggiante. In molti dei suoi ritratti i soggetti si trovano nel proprio ambiente, apparentemente a proprio agio; oppure, all’opposto, isolati dall’ambiente, privi di una collocazione spazio-temporale. Quello a cui Mapplethorpe tende in ogni suo scatto è mettere lo spettatore a disagio dall'accettazione del soggetto e dei significati intrinsechi all’immagine stessa.

Mapplethorpe è uno tra i primi artisti ad affrontare in maniera radicale, addirittura brutale, il problema fra i sessi e i ruoli, rimasto per molto tempo immutato e incasellato in una dimensione puramente estetica.

La mostra sottolinea la volontà di mettere in risalto il legame tra l'arte contemporanea e l'arte antica, e non poteva essere diversamente in una città come Firenze in cui ogni cosa deve fare i conti con un passato straordinario e in cui l'arte contemporanea continua a fare un grande sforzo per ritagliarsi un ruolo di primo piano.

In queste foto i corpi, prevalentemente maschili, trasudano bellezza, perfezione anatomica, energia muscolare, per lo più di ragazzi neri per quanto riguarda Mapplethorpe, mentre i soggetti di von Gloeden sono adolescenti di aspetto efebico o giovani bianchi, pallidi e fragili. In entrambi gli artisti vi è uno spregiudicato erotismo, che si oppone con forza ai canoni classici della bellezza che hanno dominato la cultura occidentale dal Rinascimento in poi. Entrambi sono antiaccademici, nonostante gli archetipi scultorei e pittorici interiorizzati derivano dalla loro educazione religiosa cristiana. Che è anche un'educazione iconografica interiorizzata per lo studio della storia dell'arte europea religiosa. Nei due autoritratti dei due artisti che introducono la mostra, le pose sono emblematiche: Mapplethorpe si presenta come Lucifero/Dionisio, l'angelo ribelle, il Dio della metamorfosi, della tragedia; von Gloeden si raffigura come “Nazareno” e quindi quasi come un profeta. Le numerose fotografie di scultura dei fratelli Alinari fanno da trait d'union fra i due artisti.

La precedente mostra di Mapplethorpe tenuta quarant’anni fa nel Palazzo delle Cento Finestre in Piazza di Santa Maria Maggiore a Firenze, fu un vero shock: si veniva da un decennio di anni di piombo in cui era assistito a una cancellazione totale della fisicità, della corporeità, della bellezza del corpo maschile e femminile. Stava esplodendo l'Aids con tutte le sue paure. In quel momento particolare Mapplethorpe si permette di farci conoscere la fisicità esuberante ma luminosissima dei corpi maschili e femminili, non soltanto di neri, ma anche di gay, body builder, danzatori. Anche nell'attuale mostra emerge questo rapporto molto forte con il mondo della danza e del body building. In un momento come questo, di forte puritanesimo che censura perfino il Davide, o all’opposto di caduta in basso nella palude del perverso materialismo della pornografia, una visione luminosa e misteriosa come quella dell’arte fotografica di Mapplethorpe ci esalti e ci conduca verso la riscoperta del Bello.

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Fri, 16 Feb 2024 03:20:23 GMT

…tutte le fate avevano circondato la sua culla donandole una la bellezza, l’altra la grazia, un’altra lo spirito, una la scienza e l’altra il cuore… Una bambina geniale

(François-René de Chateaubriand)

Marie Laetitia Bonaparte Wyse Rattazzi nacque il 25 aprile 1831 a Waterford, in Irlanda. La madre, Laetitia, era figlia di Lucien Bonaparte, fratello dell’imperatore Napoleone , e moglie dell’ambasciatore britannico Lord Thomas Wyse. La coppia si separò nel 1828, dopo la nascita di due figli, Napoléon Alfred e William Charles. Laetitia si trasferì a Londra ed ebbe altri tre figli: Marie Laetitia, Adeline e Louis Lucien Napoléon. Il padre di Marie Laetitia era il capitano britannico John Studholme Hodgson, ma per evitare lo scandalo e garantire la legittimità della prole fu mantenuto il cognome Bonaparte-Wyse, nonostante la denunciata usurpazione da parte di Thomas, che rifiutò di riconoscere la paternità della bambina.

Principessa in virtù della linea di discendenza materna, trascorse la sua infanzia in Inghilterra, viaggiando spesso con la famiglia in Italia e in Germania, e trascorrendo le vacanze con i parenti presso Wiesbaden e Baden-Baden. Oltre al tedesco e all’inglese, imparò ben presto anche il latino, grazie a un’educazione attenta alla cultura classica . Si appassionò all’arte e alla letteratura e proseguì gli studi a Parigi fino a conseguire il diploma di insegnante per le scuole primarie e secondarie. Il 12 dicembre 1848 sposò il conte Frédéric Joseph de Solms. Ben presto, tuttavia, i due si separarono, sebbene in modo non ufficiale. Frédéric partì per l’America e Marie ebbe un figlio dal marchese Alexis de Pomereu, Alexis Napoléon Christian. Intanto a Parigi aveva aperto un salotto vivace e all’avanguardia , frequentato da intellettuali di primo piano come Eugène Sue, Alexandre Dumas, Eugène Scribe, Émile de Girardin, Jules Simon e altri scrittori e artisti che assunsero posizioni sempre più apertamente antinapoleoniche e filorepubblicane .

Nel 1851, ostile al colpo di Stato di Luigi Napoleone, Marie divenne uno dei suoi nemici più in vista, aggravando una posizione già particolarmente compromessa da forti liti interne alla famiglia. Il chiacchierato flirt con Napoleone III , i debiti e il lusso eccessivo, i suoi atteggiamenti eccentrici e poco attenti ai protocolli di corte la condannarono all’esilio . Fu accusata di essere una straniera e di usurpare il nome dei Bonaparte. Nel febbraio del 1853 ricevette l’ordine di abbandonare la Francia e ogni sua resistenza fu vana: prima scrisse una lunga lettera alla stampa per spiegare pubblicamente la sua posizione e rivendicare il coraggio delle sue opinioni; poi si appellò alla Corte del tribunale della Senna, ma perse il processo. Si trasferì quindi in Savoia , presso Aix-les-Bains, una delle cittadine più alla moda dell’epoca, dove rimase fino al 1863. Qui aprì un salotto presso lo Chalet de Solms, sul lac du Bourget.

La sua condizione di donna sola e la frequentazione di molti intellettuali di spicco alimentarono pettegolezzi e curiosità sul suo conto. Per l’opinione pubblica divenne una figura misteriosa e affascinante, spesso paragonata ai tanti modelli di femminilità eccezionale di cui lei stessa era ammiratrice: Madame de Staël, Émile de Girardin e George Sand. Gli aneddoti e le leggende di cui fu protagonista, le storielle provocatorie e gli scandali costruirono la sua immagine pubblica , ponendola al centro di un processo mediatico che segnò la sua vita e che la vide allo stesso tempo artefice consapevole. La sua passione per il teatro , la conoscenza delle dinamiche di potere e le sue amicizie letterarie furono tra le principali risorse che introdusse in questa battaglia mediatica. Si dedicò inoltre alla musica e alla pittura, componendo spartiti e realizzando quadri e disegni, anche se la sua attività principale rimase quella di scrittrice e drammaturga. Tra il 1862 e il 1866 scrisse cinque romanzi dedicati alla satira sociale.

La principessa era piuttosto alta. Aveva, come conveniva allora, un vitino da vespa, la gola, ben fatta, un po’ generosa, e le spalle scolpite. Le braccia delicate e rotonde, la mano perfetta, le dita affusolate. Si dice che avesse uno strano charme, a volte languido, voluttuoso e altezzoso; gli occhi, tagliati a mandorla, erano di un blu intenso, quasi nero; e siccome era leggermente miope le piaceva portare un occhialetto che metteva in risalto la sottigliezza del suo polso. (Rivista della Societé Savoienne di Aix-les-Bains, cit. da Caterina Perrone, pag.29)

I temi trattati spaziavano dalla reputazione delle donne, sottoposte al giudizio di un’opinione pubblica tirannica, alla natura fittizia e artificiosa dello scandalo e della celebrità, al matrimonio come mezzo di ascesa sociale. Pettegolezzi, frodi, ricatti, manipolazioni di notizie da parte della stampa e situazioni fortunate erano presentati come gli ingredienti base di un mondo che replicava costantemente lo star system . Nel costruire i suoi personaggi e le loro storie si lasciò influenzare dalle peripezie della sua biografia personale e rappresentò le sue eroine come icone romantiche e autentiche, spesso vittime di strategie macchinose ordite ai loro danni.

Il suo spirito critico si espresse anche nell’arte, con una serie di caricature raccolte in album, ispirate alle lezioni del maestro Honoré Daumier che aveva conosciuto a Parigi. Le sue figure erano sproporzionate, con teste grandi e corpi decisamente più minuti, e rappresentavano alcuni tra i protagonisti della politica del neonato Regno d’Italia : Bettino Ricasoli, Antonio Mordini, Emilio Visconti Venosta, Camillo Cavour. Amica e corrispondente di Daniele Manin e Vincenzo Gioberti, e grande ammiratrice di Giuseppe Garibaldi, il suo interesse per le questioni italiane si intensificò nel 1862, quando compose un poema dedicato al re Vittorio Emanuele per chiedere l’amnistia dopo i fatti di Aspromonte.

Nei suoi frequenti viaggi a Torino aveva aperto un salotto presso l’hotel Feder e nel 1863 sposò il ministro Urbano Rattazzi , appena poche settimane dopo la morte del conte de Solms. “è la prima gentilezza che mi fa da quando lo conosco”, dirà dopo la morte del marito. Con il nuovo matrimonio con Urbano Rattazzi, un matrimonio d’amore perché i due coniugi si amano davvero, alla cittadinanza inglese e francese, aggiunse così anche quella italiana. Dopo un periodo trascorso tra Torino e il lago di Como, dove Rattazzi aveva acquistato una villa per i soggiorni estivi, con il trasferimento della capitale italiana la coppia si spostò a Firenze.

Arrivata a Firenze, abituata a essere osannata nei salotti parigini, si aspetta uguale trattamento, ma i fiorentini sono in subbuglio per l’invasione di 30.000 piemontesi a seguito dell’organizzazione statale italiana, in una città che nel 1865 contava 118.000 abitanti. Prezzi alle stelle, problema abitativi per i parlamentari, militari, funzionari, burocrati e impiegati piemontesi che si trasferiscono in massa, con le rispettive famiglie, sulle rive dell’Arno. I “buzzurri” come li chiameranno in senso dispregiativo i fiorentini, porteranno anche vantaggi per la città, come ristoranti lussuosi, bar e cioccolaterie sontuose. Anche il barone Ricasoli non gradisce questa invasione e dice che per la città è come bere una tazza di veleno.

Quando la capitale italiana fu trasferita da Torino a Firenze, Madama Rattazzi non mancò di formare anche qui un circolo di collaboratori a lei vicino e le sue stravaganze in fatto di vestiario si fecero sempre più eccentriche. Ad un ballo comparve con una pelle di pantera molto succinta perché, diceva, voleva rappresentare Diana. Ma non è tutto: all’imbrunire del giorno si aggirava, insieme alla sua fedelissima dama di compagnia, tra le tombe del cimitero di san Miniato avvolta in lunghe vesti e veli neri. Le dame fiorentine non le perdonarono queste eccentricità e cominciarono a diffamarla ma lei, per niente remissiva, criticò sprezzantemente l’alta società fiorentina attaccandola nella satira Les chemins du paradis. Bicheville (Paris 1867).

I suoi comportamenti eccentrici e istrionici, la scelta di indossare nelle serate mondane abiti succinti e trasgressivi destarono scandalo e imbarazzo, mettendola ancora una volta al centro di pettegolezzi, antipatie e maldicenze, che trovavano un’ampia risonanza nei giornali.

Questa principessa de Solms è un tipo come fortunatamente non ne esistono in Italia. Molto bella, piena di spirito ma senza regole, né misura, né dignità, né buon senso. Scrive, parla e si veste magnificamente, ma su sei parole che dice, tre sono menzogne… A teatro si fa dare tre cuscini da mettere sulla poltrona per essere più alta della balaustra e si diverte a far cadere sulla platea un bouquet o qualche altra cosa per far voltare la gente (Barone Savio, cit. da Caterina Perrone, pag. 42)

Il suo salotto fiorentino si pose subito in concorrenza con quello di Emilia Peruzzi. Dice Caterina Perrone: “Emilia non si presenta come una intellettuale, il suo intento è piuttosto dare accoglienza e voce a chi, secondo il su punto di vista, lo merita. I suoi ospiti sono intellettuali, uomini politici, artisti, scrittori, giornalisti, non elezionati dal censo ma per il contributo che possono dare alla vita cultura della città; il suo obiettivo è favorire gli incontri e i confronti”. Marie Laetizia invece delle discussioni politiche preferiva i balli e le rappresentazioni teatrali, di cui era attrice e regista.

Nel salotto azzurro di Palazzo Guadagni uil giovedì sera Marie Laetitia invitava molte persone, ma tra questi pochi fiorentini. Sicuramente politici vicini al marito Urbano Rattazzi, ufficiali dell’esercito piemontese e tutto coloro a cui piaceva una serata movimentata e allegra. Si parlava francese, si ballava fino a tarda notte, in un tripudio di cornici dorate e di sontuosi lampadari di eleganza raffinata dei selezionati invitati. In una di queste sale di Palazzo Guadagni Caterina Perrone ha presentato il suo libro evocando con i suoi interventi appassionati e competenti l’atmosfera di eleganza e sontuosità. Raramente è possibile presentare le storie di un libro nei luoghi dove quelle storie sono avvenute più di un secolo prima. Caterina Perrone ha fatto questo graditissimo regalo a tutti i convenuti alla sua presentazione.

Per concludere sentiamo cosa dice di se stessa Marie Laetitia: “Ho molto cuore e abbastanza spirito, ho poca testa e una grande goffaggine. Sono buona prchè è una grazia femminile e io voglio romanere donna… non sono abbastanza religiosa da perdonare, e neanche dimenticare le offese. Insomma ho delle grandi qualità e dei grandi difetti. Tra le mie qualità c’è la volontà di non sembrare perfetta. All'inizio della mia vita ero benevolente, senza essere banale, il mio spirito era portato a vedere il lato bello delle cose. Più tardi sono cambiata, ho perduto questa benevolenza, questo bisogno, questo desiderio di amare; a contatto continuo con il mondo sono portata non alla malevolenza, ma a vedere le persone e le cose sotto il loro aspetto peggiore o ridicolo... Sono dunque un'amica sincera, ma per contro una nemica pericolosa: non perdono mai e non dimentico mai.” Cit. Caterina Perrone, pag, 75

CAVALCATA FANTASTICA, importante monografica dedicata al maestro del futurismo italiano FORTUNATO DEPERO ospitata al Palazzo Medici Riccardi di Firenze

Thu, 08 Feb 2024 12:09:38 GMT

È ora di finirla con il riconoscimento dell’artista dopo la morte o in avanzata vecchiaia. L’artista ha bisogno di essere riconosciuto, valutato e glorificato in vita,

e perciò ha diritto di usare tutti i mezzi più efficaci ed impensati per la réclame

al proprio genio e alle proprie opere (Fortunato Depero).

L’appartenenza di Fortunato Depero al Futurismo italiano è ufficialmente sancita nella primavera del 1915 in una lettera indirizzata a Giacomo Balla da Umberto Boccioni e firmata anche da Filippo Tommaso Marinetti, Luigi Russolo e Carlo Carra: Caro Balla, siamo lieti di comunicarti che di comune accordo abbiamo deciso di mettere il nome di Depero tra il gruppo dei pittori e scultori futuristi. Crediamo che questo farà piacere a Te che con tanta abnegazione ed entusiasmo scopri e incoraggi i giovani, e spingerà Depero a continuare il suo lavoro con sempre maggior coraggio .

Anche se si tratta di un riconoscimento tardo, rispetto alle tappe storiche del primo futurismo, il contributo di Depero all’elaborazione delle teorie del movimento futurista italiano, soprattutto dopo la morte di Boccioni, è stato fondamentale. La scrittura, insieme a Balla, del Manifesto di ricostruzione futurista dell’universo del 1915 sarà il punto di partenza della nuova ondata artistica che supererà ampiamente la fine degli anni Venti e che, per Depero in particolare, determinerà l’indirizzo di tutta la sua produzione artistica fino alla morte, avvenuta nel 1960.

Depero era nato nel 1892 a Fondo nella Valle di Non, un paesino del Trentino che in quegli anni è ancora sotto il dominio dell’impero austroungarico e per la sua particolare posizione geografica si presenta come punto di confluenza tra la civiltà nordica e quella mediterranea. Alla vigilia della prima guerra mondiale, che vedrà l’annessione del Trentino all’Italia, questa zona sarà percorsa da forti tensioni irredentiste che, in ambito artistico, metteranno in contrasto netto i modelli dello Jugendstil tedesco con quelli del Futurismo italiano, quest’ultimo fucina straordinaria per gli ardori interventisti della giovane generazione di artisti italiani. Depero conosce entrambi i modelli e porterà con se, almeno fino al 1913, segni molto evidenti dell’influenza del modello Jugend e del tardo-simbolismo nordico e della cultura tedesca, culla dell’espressionismo.

Giunto a Roma sul finire del 1913, la sua ricerca pittorica si apre a un totale rinnovamento in nome del Futurismo e delle sue teorie estetiche, teorie che rappresentavano, nell’Italia degli anni del primo Novecento, l’unico fronte di opposizione alla cultura accademica e conservatrice del XIX secolo.

Depero è catturato dalla novità del dinamismo plastico che gli consente di rappresentare le infinite possibilità del movimento della forma. Affronta con maestria il gioco della scomposizione dei volumi e insegue l’idea della simultaneità della visione , impegnandosi nella rappresentazione del movimento anche per mezzo dell’uso della tecnica pittorica particolare del segno-luce.

Il peculiare futurismo di Depero lo porterà ben presto a tralasciare il rigido rigorismo plastico di Boccioni, per collocarsi nella via aperta da Balla, dove si enfatizza la virtualità pittorica , la tensione all’astrazione formale, la propensione all’anti-pittura dada e la forte inclinazione verso l’immaginario surreale. Di tutto questo è chiara la testimonianza nel manifesto scritto con Balla nel 1915: Ricostruzione futurista dell’universo.

L’importanza di questo manifesto è fondamentale, non soltanto per la storia del movimento futurista italiano degli anni Venti e Trenta, ma anche per lo sviluppo delle avanguardie artistiche del secondo dopoguerra. Il manifesto contiene un programma di rifondazione totale dell’esistenza umana, basato su un nuovo rapporto con l’estetica e i prodotti dell’arte, che diventano parte integrante della vita dell’uomo.

Osservando i quadri di Fortunato Depero, non si ha l’impressione di un rappresentazione plastico-dinamica delle forme in senso strettamente boccioniano, né di una loro fluidificazione nello spazio, piuttosto ci si trova di fronte all’invenzione di una forma astratta nuova , decisamente strutturata in piani sovrapposti, percorsa al suo interno da tensioni e traiettorie centripete, che non si liberano nella potenzialità del vuoto cromatico che le circonda.

La sperimentazione astratta interessa un breve periodo e comunque non esaurisce la ricerca artistica di Depero, arricchita contemporaneamente da un vasto repertorio iconografico fatto da schizzi e disegni, piccole tele a olio ancora segnati dall’esperienza xilografica dell’espressionismo tedesco. Nonostante quest’aria di déja vu, questi manichini, pupazzi, automi, giocattoli, pagliaccetti sono già in nuce il futuro repertorio iconografico, della pittura in primo luogo, ma anche del teatro, della pubblicità, della scultura, tutti gli ambiti in cui l’artista s’impegnerà fino alla morte.

L’interesse per la scomposizione delle figure e per la simultaneità della visione diventa una specie di compiacimento atemporale e metafisico. Nei quadri di Depero la finzione prospettico-spaziale rivela una misurazione emozionale e non matematica dello spazio, rovescia il significato simbolico tradizionale della prospettiva classica, inteso quale mimesi della realtà, creando uno spazio metafisico e surreale, dove le false prospettive servono a evocare la terza dimensione che è lo spazio del doppio e dell’ombra.

Rientrato in Trentino, Depero apre a Rovereto una Casa d’arte , una piccola impresa artigianale che opera nel settore delle arti applicate e che basa la filosofia della sua produzione sul principio dell’integrazione dell’arte alla vita, così come da lui ampiamente teorizzato nel manifesto del 1915.

L’impegno della Casa d’arte si fonda pertanto sulla necessità di attribuire qualità estetica agli oggetti di uso comune. Depero progetta una serie di prodotti che sono l’equivalente, dal punto di vista creativo, delle sue straordinarie invenzioni pittoriche.

Nasce così l’inconfondibile “stile Depero” che entra nelle case borghesi sotto forma di arazzi, cuscini, tarsie in stoffa, mobili, giocattoli, stoviglie. Uno stile caratterizzato da una decisa geometria delle forme, che s’ispira a motivi decorativi vegetali e animali, fortemente stilizzati, mescolati in una festosa colorata sarabanda con manichini, marionette, automi e robot, ripresi dal suo vasto repertorio teatrale .

Tra le maggiori imprese della Casa d’arte, oltre ai numerosi studi di grafica pubblicitaria, va ricordato il progetto e la realizzazione del Cabaret del Diavolo , un locale noto ai frequentatori della Roma notturna, aperto nei sotterranei dell’Hotel Élite des Étrangers nel 1922, purtroppo distrutto dopo poco tempo e testimoniato da rare fotografie d’epoca e qualche piccolo disegno, ma descritto ampiamente da esaurienti fonti bibliografiche. Nel Cabaret Depero tenta di realizzare una visione grandangolare dello spazio scenico, introducendo non pochi elementi tratti dalle sue esperienze teatrali. La vitalità delle decorazioni e degli oggetti si confronta apertamente con l’uomo che partecipa come elemento dinamico per eccellenza della scena e dello spettacolo. Ancora una volta, l’estensione della sua creatività ad ambiti estranei alla pittura dimostra la sua gioiosa , ironica e dissacratoria volontà di rinnovare il mondo e la sua immagine.

Tra il 1922 e il 1927 nella pittura di Depero avviene una sorta di recupero della sobrietà, attraverso un certo costruttivismo formale che lo apre allo studio dei principi dell’“archiettura della luce” che, con la sua radialità conica, governa nelle opere di questo periodo il ritmo dei piani prospettici, reinterpretando in una nuova forma il tema del dinamismo plastico.

Nel 1927 con l’aiuto dell’amico Azari, Depero pubblica il suo famoso Libro imbullonato di Depero futurista , nel quale riassume tutta la sua attività dal 1913, esempio geniale di innovazione tipografica e della comunicazione pubblicitaria.

Il settore pubblicitario ed editoriale interessa moltissimo Depero che ha al suo attivo numerose campagne per prodotti di vario genere, tra cui non si può non ricordare quelle per il Bitter e il Cordial Campari. Nei manifesti pubblicitari abbandona ogni soluzione pittorica e spinge colori e forme in una sintesi dinamica di grande potenza comunicativa, ottenuta per lo più con l’assemblaggio di forme geometriche basiche, con i colori puri o l’uso del bianco-nero. Il messaggio pubblicitario è affidato a una grafica nitida e essenziale , con slogan spesso ironici e capaci di procurare un curioso spaesamento nel pubblico.

Verso la fine degli anni Venti, Depero si trasferisce a New York , attratto da quell’idea di modernità che aveva ispirato tutta la sua opera, fino a quel momento. Il soggiorno durerà oltre due anni, dal settembre del 1928 agli ultimi mesi del 1930 ma, sebbene la sua attività nel settore grafico e in quello dell’arte applicata sia stata molto intensa, egli non dipinge nessun quadro di rilevante interesse. Realizza copertine per riviste come Vogue, Vanity Fair, Macy’s; progetta manifesti pubblicitari; soprattutto ritrova il vecchio amore per la scenografia teatrale, lavorando a seguito di alcune commissioni ricevute dal Direttore del Roxy Theatre.

A New York il mito futurista della metropoli, con il caos assordante dei suoi rumori, odori e colori, sembra appagare la sua ansia di ricerca . L’avventura newyorkese diventa il soggetto preferito delle opere dipinte dopo il rientro in Italia, e già alla fine del 1930, realizza quadri di mirabile sintesi plastico-espressiva, ispirati al tempo trascorso nella metropoli.

Nel corso degli anni Trenta, nonostante la Casa d’arte sia chiusa da tempo, l’nteresse per il settore dell’ arte applicata è sempre vivo in Depero e rafforzato da alcune importanti commissioni per la decorazione di edifici pubblici. Lascia spazio all’iconografia stereotipata, spesso meramente decorativa, che lo aveva reso celebre, mantenendo inalterato il rigore plastico costruttivo delle forme e la genialità del tessuto cromatico.

Il secondo conflitto mondiale costringe Depero a un forzato isolamento in un piccolo paese vicino a Rovereto. Lavora molto anche se la difficoltà di reperire buon materiale per il disegno e la pittura a olio lo costringe a utilizzare le parti non dipinte di molti quadri degli anni precedenti alla guerra.

Alla fine del conflitto, progetto un nuovo viaggio in America . Parte nel 1947 e si stabilisce in una cittadina vicino a New York. L’esperienza non lo porterà alle soddisfazioni della volta precedente e, dopo due anni, deluso, tornerà in Italia.

Sopravvissuto a molti amici futuristi, Depero assite, nel decennio seguente ai tentativi di “storicizzazione” del movimento futurista. Nel 1950 partecipa alla prima grande mostra che l’Europa dedica alle avanguardie italiane, “Futurismo e pittura metafisica” organizzata dalla Kunsthaus di Zurigo. L’esposizione presente opre di Balla, Boccioni, Carrà, Severini, Baldassarri, Dottori, Prampolini, Russo, Sant’Elia, Soffici.

Sempre nel 1950 Depero pubblica il Manifesto della pittura plastica nucleare , dissertazione sulla stilizzazione aerodinamica delle forme in velocità nello spazio, riprendendo con entusiasmo e continuità spirituale le idee e le teorie degli anni Dieci e Trenta.

Fino alla morte, avvenuta nel 1960, Fortunato Depero ha interpretato il suo ruolo di geniale inventore e teorico, cercando di applicare, come ha sempre fatto, anche alla propria vita i principi della Ricostruzione futurista dell’universo che erano stato scritti e dedicati ai giovani “pazzamente temerari” come lui.

BRIC A BRAC Quando i libri si compravano in lire

Sun, 04 Feb 2024 18:22:30 GMT

Giocatori dell'autore italoamericano Don Delillo

racconta la vita di Lyle e Pammy, una coppia sposata

di yuppies newyorkesi, annoiati nella loro vita coniugale e lavorativa.

Romanzo del 1977 nel quale per la prima volta Don DeLillo affronta il tema del terrorismo . “Tutti i miei romanzi hanno un elemento di confusione e di violenza, un senso del pericolo moderno,” spiega in un’intervista a Fernanda Pivano del 1988 in occasione dell’uscita di Libra, il best seller che racconta l’assassinio di John Fitzgerald Kennedy, “parlano di protagonisti che vivono ai margini di un momento pericoloso, in un mondo di ambiguità, guidato da una segreta manipolazione della storia”.

Spesso DeLillo racconta le ossessioni, le manie, le paure della società americana e della loro mitizzazione a fini propagandistici. In lui c’è un tentativo di smitizzazione attraverso la satira, con una scrittura frammentata e rapida, che lo trascina in un’atmosfera apocalittica (in quei tempi si viveva nell’incubo della guerra nucleare tra le superpotenze) e lo avvicina agli scrittori sperimentali postmoderni.

La convinzione di Don DeLillo che i sistemi di energia della fisica possano essere connessi a sistemi di pensiero della metafisica, entrambi tesi a creare l’illusione di un universo ordinato, lo hanno fatto accomunare a Thomas Pynchon e a Paul Auster, scrittori post moderni il cui sodalizio non è soltanto artistico ma anche basato su una forte e sincera amicizia.

Giocatori racconta la vita di Lyle e Pammy, una coppia sposata di yuppies newyorkesi, annoiati nella loro vita coniugale e lavorativa. Per sfuggire alla noia Pammy va a fare un viaggio nel Maine con una coppia omosessuale e diventa l’amante di uno di loro che alla fine si suicida. Lyle, agente di cambio che ha assistito all’assassinio dell’amico George nell’ingresso della Borsa di New York per mano di un terrorista, comincia una relazione con Rosemary, segretaria di un collega, e trova nella sua casa una fotografia in cui la donna è ritratta con l’amico assassinato e l’assassino. Si lascerà coinvolgere dal mistero e diventerà agente segreto nella doppia versione di cellula terrorista e informatore dell’FBI.

Per capire l’intrico della trama, meglio affidarsi alle parole di DeLillo rilasciate sempre a Fernanda Pivano: “ Questi due personaggi non hanno interesse in se stessi: sono interessati ad altre due persone ma non a se stessi; per questo cercano una doppia vita, una vita sola non è abbastanza per loro. Così ci sono due trame segrete: quella di Lyle e dei terroristi e quella di Pammy e della sua storia d’amore segreta. C’è un tema centrato sul doppio: il libro si raddoppia in se stesso, contiene una struttura circolare ”.

Uno degli aspetti narrativi di maggior rilevanza in questo romanzo è quello del dialogo . Attraverso questa tecnica l’autore ha modo di enfatizzare il suo senso dell’humor, la sua intelligenza narrativa, il suo stile incantatore. È il dialogo, quello banale, quotidiano tra i vari personaggi, che ha un grande fascino perché DeLillo lo ha realizzato con la massima cura: “I l piacere sensuale della banalità era un argomento degno della ricerca più approfondita ”, dice. Con il dialogo l’autore modella la realtà della storia, abilissimo nell’utilizzare le frasi tronche e la frammentazione verbale tipica del romanzo post-modernista americano.

Sempre in un’intervista a Fernanda Pivano, DeLillo, in merito alla particolare cifra stilistica del romanzo, dichiara: “ Per me scrivere significa cercare di realizzare un linguaggio interessante, chiaro, bello... Il lavoro sulle frasi e sui ritmi è probabilmente la cosa più soddisfacente che faccio come scrittore. Secondo me, a un certo punto, lo scrittore può cominciare a conoscersi attraverso il suo linguaggio…. Nel corso degli anni riesce possibile a uno scrittore prendere forma come essere umano attraverso il linguaggio usato… Naturalmente questo è una campo misterioso e soggettivo” .

In Giocatori c’è anche una trovata strutturale interessante e originale. Il romanzo ha un prologo e un epilogo che potrebbero essere dei racconti a parte. In un intervista a una rivista americana DeLillo ha spiegato il prologo intitolato Il film : “Scrivere significa tentare di far procedere l’arte… procediamo a piccoli balzi. Tutti i personaggi principali, sette, sono introdotti in modo astratto. Non hanno nomi. I loro rapporti non sono sempre chiari. Sono su un aereo, guardano un film, ma tutti gli altri sedili sono vuoti. Sono isolati, al di sopra del racconto, in attesa di essere nominati. È il romanzo in miniatura. Possiamo chiamarla narrativa pura nel senso che i personaggi sono stati momentaneamente separati dall’apparato della narrazione. Sono ancora idee, forme vaghe .”

Il prologo contiene un tema caro a DeLillo: l’indifferenza, la noia, una certa inconsapevolezza con cui i personaggi vivono la loro esistenza demotivata da ambiguità non risolte, personaggi come “gente ridicola che fa cose orribili a persone totalmente sciocche”.

Secondo lo scrittore americano John Updike: “Don DeLillo, come si diceva di una volta degli atleti, ha classe, – dichiara in un’intervista per il New Yorker – è originale, versatile, minuzioso. Dedica ai fenomeni umani la matematica oggettiva e le minuzie spaziali delle particelle della fisica. Nella nostra vita quotidiana intricata, della tecnologia, legge le sinistre ambiguità, la fluttuante bruttura della recente storia d’America.”

Sempre a Fernanda Pivano, Don DeLillo ha dichiarato che “ questo libro è un attacco alla nostalgia, è un attacco al romanzo che parla dell’infanzia, al romanzo della vita di villaggio, al romanzo confessionale, in altre parole è un romanzo basato su una visione sociale ”. L’elemento della violenza e quello dell ’ambiguità sono centrali nel metaromanzo apocalittico , al quale possiamo annoverare Giocatori. Il senso del pericolo che si vive nel nostro tempo, la manipolazione segreta praticata sulla storia, così come la denuncia William Burroughs, che non la considerata praticata solo sulla storia ma su tutti gli esseri umani.

Dice DeLillo: “considero la violenza contemporanea una specie di risposta sardonica alla promessa di appagamento consumistico in America. Questi uomini e queste donne non possono uscire dalle loro stanze minuscole e devono organizzare la loro disperazione e la loro solitudine e spesso finiscono col farlo utilizzando mezzi violenti. Vedo questa disperazione sui pacchetti dai colori sgargianti e nella felicità del consumatore e in tutte le promesse che la vita americana ci fa giorno per giorno e minuto per minuto dovunque andiamo.”

Sempre sul senso di alienazione e di sradicamento , tematiche ricorrenti nei suoi romanzi, DeLillo dichiara: “Molti personaggi moderni hanno un’esistenza piatta di proposito, e non esistono in un luogo preciso. Non c’è un forte senso del luogo. Io sento la necessità e lo stimolo a creare una specie di spessa superficie intorno ai miei personaggi. Credo che tutti i miei romanzi abbiano un forte senso dello spazio. Ma nella narrativa contemporanea, in generale, c’è un forte senso che il mondo di Beckett e di Kafka sia ridisceso sull’America contemporanea perché i personaggi hanno l’aria di vivere in un ambiente teorico più che reale.”

Per il finale occorre affidarsi sempre alle belle parole dell’autore:

“Secondo me la mia opera è sempre stata ispirata dal mistero;

la risposta finale, se esiste, è fuori dalle mie pagine.

I miei libri hanno sempre un finale aperto.

Forse è il mistero a ordire le mie storie, più dell’occulto,

dentro e fuori delle mie pagine”.

UNTRUE UNREAL mostra antologica dell’artista indiano Anish Kapoor a Palazzo Strozzi di Firenze

Thu, 18 Jan 2024 12:05:24 GMT

La mostra antologica Untrue Unreal dell’artista indiano Anish Kapoor, allestita nelle sale di Palazzo Strozzi a Firenze, a meno di un mese

dalla sua conclusione, ha superato i 100.000 visitatori

e può essere riassunta attraverso tre elementi chiave:

stupore, plasticità e il nero più nero di tutti.

“Attraverso opere storiche e recenti, tra cui una nuova produzione specificatamente ideata in dialogo con l’architettura del cortile rinascimentale, la mostra di Anish Kapoor "Untrue Unreal" rappresenta l’opportunità di entrare in contatto diretto con l’arte di Kapoor nella sua versatilità, discordanza, entropia ed effimerità. Palazzo Strozzi diviene un luogo concavo e convesso, integro e frantumato allo stesso tempo, in cui il visitatore è chiamato a mettere in discussione i propri sensi. Nell’arte di Anish Kapoor, l’irreale ( unreal ) si mescola con l’inverosimile ( untrue ), trasformando o negando la comune percezione della realtà, invitandoci a esplorare un modo in cui i confini tra vero e falso si dissolvono, aprendo le porte alla dimensione dell’impossibile” (Alberto Galansino, curatore della mostra).

“Mio padre mappava l’ignoto” ha dichiarato Anis Kapoor. L’influenza paterna è determinante per capire le sue opere. Prem Kapoor era un uomo di mente aperta e curiosa. Ha fondato una società di import-export che commerciava prodotti tra l'India e altri paesi del mondo. Era sempre alla ricerca di nuove opportunità imprenditoriali e di modi per espandere i suoi orizzonti mentali. Questa continua ricerca ha influenzato l’approccio all’arte del figlio Anis, sempre alla scoperta di nuove forme e techiche e le cui opere suscitano stupore e inquietudini, mettendo in discussione ogni certezza e sollecitando lo spettatore ad accogliere la complessità.

Sempre alla ricerca del nuovo, la "mappatura dell’ignoto" di Anis Kapoor si concretizza nelle opere Non-object black , realizzate con uno speciale materiale, Il Vantablack , che suscita una sensazione quasi mistica con lo spazio circostante e con l’osservatore. Un invito inquietante a inabissarsi nelle profondità della materia e negli anfratti delle nostre oscurità . Il Vantablack è un materiale composto da nanotubi di carbonio disposti in modo che, quando la luce li colpisce, viene assorbita e trasformata in calore. È in grado di assorbire il 99,965% della luce visibile, rendendolo il materiale più nero mai creato. Anish Kapoor ha ottenuto l'esclusiva per l'uso del Vantablack in campo artistico.

Le opere realizzate con questo materiale hanno un effetto sorprendente, creando un'illusione di profondità e di vuoto . Il Vantablack ha anche applicazioni pratiche in diversi campi, come l'astronomia, l'ingegneria e l'ottica; può essere utilizzato per costruire telescopi molto sensibili con lenti che concentrano la luce in modo più efficiente. Tuttavia, il Vantablack ha anche alcuni limiti: è molto fragile, può essere facilmente danneggiato, è molto costoso. Le sue applicazioni artistiche e pratiche sono ancora in fase di esplorazione.

Tenendosi alla larga da categorizzazioni semplicistiche e caratterizzandosi per un linguaggio artistico peculiare che fonda pittura, scultura e forme architettoniche, Anis Kapoor unisce spazi vuoti e pieni , superfici assorbenti e riflettenti, forme geometriche e biomorfe, invitandoci a esplorare i limiti e le potenzialità del nostro rapporto con il mondo che ci circonda e a riflettere su dualismi come corpo e mente, natura e artificio.

Le sue opere obbligano lo spettatore a esperienze sensoriali forti , sia visive che tattili; soltanto in queste immersioni artista-fruitore è possibile compenetrare in profondità la cifra stilistica di Anis Kapoor. Questa compenetrazione è, purtroppo, limitata nella location fiorentina di Palazzo Strozzi, luogo strutturalmente poco flessibile per l’arte moderna, essendo un perfetto esempio di dimora familiare del Cinquecento. Gli artisti contemporanei che sono passati dalle bianche sale del Palazzo rinascimentale, come Ai Weiwei, Olafur Eiliasson o Jeff Koons, sono rimasti invischiati in una serie di confini che hanno arginato la loro creatività, come spazio limitato o preziosità architettonica-strutturale del Palazzo, mettendo in risalto l’assoluta necessità della realizzazione a Firenze di un vero e proprio museo di arte contemporanea, magari fuori dalla zona Unesco.

Il percorso della mostra si articola in otto sale e propone opere storiche o di recente produzione che provano a dialogare con l’architettura del palazzo e con il pubblico. Palazzo Strozzi diviene un luogo quasi spirituale, dove gli opposti convivono e le percezioni sono messe alla prova . La realtà viene lasciata alle spalle e si varca la porta dell'impossibile, dell'inconsueto, dell'ignoto per mezzo dell’uso di materiali vari come pigmento, acciaio, pietra, cera e silicone, che vengono manipolati a tal punto da creare una dimensione atemporale e immateriale .

Dopo l’ingresso, al centro del cortile, troviamo il Void Pavillion VII , specificatamente ideato per il cortile di Palazzo Strozzi. Una forma quadridimensionale che si pone come punto di partenza e di arrivo nel percorso artistico della mostra. Al suo interno sono collocate tre forme rettangolari vuote, in cui lo sguardo dello spettatore s’immerge in un’esperienza meditativa su spazio, prospettiva e tempo, che sconvolge la razionale struttura geometrica e l’emblematica armonia dell’edificio rinascimentale.

La prima opera che s'incontra al piano nobile è l’iconica Svayambhu , termine sanscrito che definisce ciò che si genera autonomamente, corrispettivo delle immagini acheropite cristiane non dipinte da mano umana. L’opera, metafora della nascita , si pone in dialogo con gli altri lavori di forte impatto presenti nelle sale successive, come Endless Column , una monumentale colonna in pigmento rosso, e Non-Object Black , caratterizzato dall’uso del Vantablack, materiale altamente innovativo.

Lo stupore e il disorientamento aumentano di fronte all’opera A Blackish Fluid Excavation , una grande scultura in acciaio e resina che, con la sua imponente massa e plasticità, evoca tutta la tensione erotica di un organo sessuale. To Reflect an Intimate Part of the Red , è una delle opere più significative e suggestive di Kapoor, nella quale forme in pigmento giallo e rosso sembrano emergere dal pavimento.

Vertigo , Mirror e Newborn sono tre opere, esposte all’interno della sala degli specchi, che negano o deformano lo spazio, provocando uno stato di indefinitezza della realtà. A conclusione del percorso espositivo troviamo la sala dedicata all’opera Angel , grandi pietre di ardesia ricoperte da strati di pigmento blu intenso, in richiamo all’idea di purezza, che annulla totalmente la massa e la pesantezza della pietra.

“Il fruitore interviene a colmare i vuoti semantici” diceva Umberto Eco. La ricerca artistica di oggi si sforza, talvolta cogliendone l’essenza più profonda altre volte per tentativi, di definire la società contemporanea e a delinearne possibili scenari futuri. Accanto ai nuovi orizzonti tecnologici, all’ipercomunicazione e alla moltitudine di scambi che annullano o riducono drasticamente le barriere geografiche e culturali, l’artista contemporaneo cerca di rintracciare il senso dell’esistenza di sé nel rapporto con il mondo e con il pubblico fruitore della sua opera. Spesso, il risultato è un’ipertrofia di linguaggi, che spesso rischiano di reiterarsi al punto da scadere nella sterilità, mentre più raramente sono in grado di formulare soluzioni originali, comprensibili e accattivanti per il pubblico. Questo limite pare non abbia condizionato l'opera di Anis Kapoor.

Sebbene abbia sempre avuto un ruolo attivo nella decodificazione dell’oggetto estetico, oggi lo spettatore sembra occupare una posizione prioritaria nel rapporto con l'arte ma, non di rado, si riscontra in lui una sensazione di frustrazione nell’aggirarsi tra le opere d’arte contemporanea a causa di un lessico settoriale e di una frammentazione dei valori di riferimento che, invece, i mezi di comunicazione di massa riecono a sintetizzare, accordando gusti, stili e interessi del pubblico.

Nonostante gli sforzi degli artisti e dei mediatori – dal curatore al critico, dall’operatore didattico alla guida – il cortocircuito è innegabile. L’artista contemporaneao impiega tutte le sue forze per incontrare il pubblico, non riuscendo a volte a trovare un lessico condiviso . Una negoziazione non semplice, suscettibile di adattamenti continui e riformulazioni complicate, anche per la grande quantità di opere prodotte. Il successo è un'incognita dove il ruolo del critico, del divulgatore, del mercato e delle istituzioni si rivela determinante. Difficilmente l’opera catalizza i desideri del pubblico, perchè soddisfatti attraverso altri sistemi, tra tutti, il cinema che, con la sua vocazione spettacolare e popolare, supera teatro, arte e letteratura.

Nonostante ciò, l’arte rappresenta ancora uno dei riti più radicati, sebbene non sempre esperiti con consapevolezza. La partecipazione del pubblico alle grandi mostre d'arte nasce in seguito ai processi di democratizzazione che investirono le istituzioni museali tra gli anni ’60 e ’70, i quali se da un lato hanno aperto i battenti a fasce più larghe di visitatori, al contempo hanno imposto una riflessione, ad oggi tutt’altro che chiusa, relativa all’accesso delle masse all’arte e dunque alle sue possibilità (o impossibilità) di comprensione. Ciò implica l’estensione del problema all’arte in generale e non, come più spesso si afferma sulla scia del «senso comune», specificamente all’ arte contemporanea .

Questa riflessione sul rapporto tra artista e spettatore, tra arte e fruitore, va fatta in particolare per la mostra antologica di Anish Kapoor, il quale propone il suo percorso artistico con il preciso obiettivo di creare spazi immersivi che sfidino le apparenze e inducano l’osservatore a ricercare la propria verità attraverso l’interazione con le opere, le quali acquisiscono vita propria solo se messe in relazione con lo spazio espositivo e lo spettatore. Non a caso Kapoor sostiene che “il cerchio si conclude solo con lo spettatore”.

Il rapporto tra l’arte di Anis Kapoor e l’architettura di Palazzo Strozzi è, senza dubbio, il confronto principale ma, al tempo stesso, quello più delicato e non privo di incertezze. La dimora rinascimentale è simmetrica e rigorosa, e realizzare una mostra all’interno delle sue sale non è facile. Il contrasto tra la simmetria e la rigidità delle sale e la plasticità delle opere dà vita a ciò che in questo caso qualcuno ha definito un “ Rinascimento contemporaneo” . A fare da collante ai due opposti è senza dubbio il colore, un vero fenomeno immersivo dotato di vita propria , che riesce ad unire le forme plastiche allo spazio. La scelta di accostare colori cromaticamente vivaci ad opere che trascendono la propria materialità riesce a rendere questo confronto-scontro tra l'arte di Anis Kapoor e il palazzo rinascimentale meno banale e limitante.

Più è difficile dare un significato ad un’opera, più sarà considerata eccezionale; più crea choc visivo, più sarà apprezzata. La mostra di Anish Kapoor riesce a rompere gli schemi: la scelta di stupire il pubblico e di renderlo un elemento attivo all’interno del confronto con le opere d’arte risulta una scelta intelligente e al passo con i tempi, visto che oggi il pubblico è sempre più abituato ad una comunicazione che predilige l'immediatezza espressiva.

Untrue Unreal si pone l’obiettivo di stordire il pubblico, di sovraccaricarlo di riflessioni e contrasti, per la gran varietà di materiali utilizzati, per l’alternarsi in maniera quasi ossessiva della ricerca dell’effetto, della distorsione della realtà effettuata dallo specchio. Il tutto inserito all’interno di uno equilibrio molto precario tra opere e ambiente, le prime esageratamente dinamiche, il secondo rigidamente stabile. Il risultato è quello di trasformare il percorso espositivo in un labirinto d’intrattenimento , in una sala delle meraviglie, più adatto alla ricerca del selfie piuttosto che a una riflessione vera e propria.

Se si cerca di andare oltre la forma e di proiettare l’intera ricerca artistica di Kapoor nel continuo dialogo degli opposti, nel riadattamento delle forme agli occhi dello spettatore e nelle innumerevoli diversità che ne scaturiscono, possiamo individuare questo dinamismo come elemento potente e suggestivo nella poetica artistica di Anis Kapoor, superando le scelte più mainstream ed elevandosi come una tra le più libere in assoluto.

Anish Kapoor ha dichiarato in passato, e continua a farlo, di non avere “niente da dire” con la sua arte; tuttavia è proprio con questo atteggiamento che spalanca le porte alla pura libertà di interpretazione . Egli pone dinanzi ai nostri occhi opere liquide, che si adattano al contenitore che le accoglie e alla visione di ogni singolo osservatore, il quale diventa l’innesco che attiva l’opera che esiste soltanto in un tempo e in uno spazio in cui esiste anche il pubblico.

Di fronte all’incontro tra l’irreale e l’inverosimile, non tutte le opere riescono a mettere veramente in discussione i sensi del visitatore; tuttavia è proprio la scelta di soffermare l’attenzione nei confronti della materia delle opere, vera e propria unione di spirito e carne, e di utilizzare immagini archetipiche e preculturali, slegate da qualsiasi preconcetto, a rendere la mostra nel complesso coinvolgente ed interattiva, anche per gli spettatori più scettici e distanti dal mondo dell’arte contemporanea.

Le foto sono della Digital Artist Helene Weifner

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Sat, 13 Jan 2024 15:17:42 GMT

TUTTO IL MONDO È PAESE

thriller gentile di ANDREA ZAVAGLI

Siamo nel genere giallo , con tutti gli elementi classici, ma senza scene particolarmente violente o addirittura splatter, come siamo abituati nel noir di oggi. Ecco perché mi piace definire Tutto il mondo è paese di Andrea Zavagli un thriller gentile, più che altro per lo stile di scrittura garbato, privo di esagerazioni o forzature, a volte utilizzate da autori meno raffinati di Zavagli, per sostenere la trama o mantenere la suspence a livelli elevati. Per tenere il lettore inchiodato alla lettura l’autore, anche nel raccontare scene violente o nel descrivere particolari scabrosi, utilizza una ricercatezza verbale e un'eleganza stilistica particolarmente raffinata.

Soltanto qualche accenno alla trama, perché si tratta di un giallo classico, dove le tessere del puzzle, inizialmente tutte mescolate, vanno gradualmente al loro posto, attraverso le capacità deduttive dell’investigatore . La vicenda è ambientata in Palazzetto sul Rovere, un paese immaginario soltanto nel nome, perché si tratta di Palazzuolo sul Senio, situato alle pendici dell'Appennino Toscano, dove Andrea Zavagli ha trascorso buona parte del periodo di lockdown durante la pandemia. La quiete del paese viene interrotta dal ritrovamento del corpo di una ragazza nel parco giochi. Massimiliano Manfredi, un agente di polizia del commissariato di polizia insediato per errore in un paese così piccolo, e il suo fido agente Lazzerini, vengono chiamati ad indagare sulla morte della giovane .

L’ incipit è da citare perché serve per accendere un faro sulla vicenda : “ Un leggero soffio d'aria nel collo la svegliò. Fin da quando era bambina, non apriva mai subito gli occhi. Cercava di ritardare il più possibile l'impatto con la realtà, per continuare a fantasticare sotto le coperte. Con fastidio si rese conto, però, di non riuscire a ritrovare il tepore del letto; anzi, avvertiva una sensazione di freddo. Non le sembrava di aver bevuto molto la sera prima, eppure sentiva la testa pesante e un sapore dolciastro in bocca. Per cambiare posizione e recuperare un po’ di calore, cercò di spingersi con le gambe, ma i piedi si erano intrecciati nelle lenzuola, e non riuscì nemmeno a girarsi su un fianco, solo a dondolarsi. La serata appena trascorsa doveva essere stata una di quelle che il giorno dopo lei definiva “complicata”. Si rese conto del perché aveva freddo: le lenzuola umide di sudore erano tutte intirizzite. Tentò di nuovo di spostarsi ma non riusciva a muovere nemmeno le braccia. Le sentì bloccate sotto il corpo, e per questo non ce la fece a voltarsi. Non riusciva a ricordare niente di particolare, ma si stava convincendo che la sera prima doveva essere stata davvero “molto complicata”.

Due persone sono state di grande importanza nella vita di Andrea Zavagli per spingerlo alla scrittura e la cui influenza si ritrova nelle sue opere. La prima è suo padre Bruno , figura ingombrante, con il quale Andrea non è mai voluto entrare in competizione ma di cui ha subìto tutto il fascino: uomo di grande spessore nel mondo della cultura, ha scritto numerosi libri per i tipi di Mursia, Sansoni, Bonechi; appassionato di scherma e di sport della montagna, ma soprattutto di auto d’epoca, ha fondato scuderie automobilistiche che hanno partecipato a numerose gare internazionali con prestigiosi risultati; fervente tifoso della Fiorentina, ha partecipato attivamente alla vita della squadra viola, come componente del Consiglio Direttivo durante la presidenza Befani che regalò alla Fiorentina il primo scudetto nel 1956. Uomo poliedrico e di grande spessore intellettuale, al punto che suo figlio Andrea ha deciso, una volta morto, per degnamente tramandare la sua memoria, di creare un sito per la conservazione della memoria storica delle svariate iniziative di Bruno Zavagli.

L’altra persona che è importante per capire la scrittura di Andrea Zavagli e la compagna Nicoletta Manetti, poetessa, scrittrice, pittrice, “artista a tutto tondo” come lui ama definirla, con una punta di rispettosa e ammirata ironia. Nicoletta lo ha sempre stimolato, fornendogli idee e spunti, opportunità per la partecipazione a concorsi letterari che poi si sono rivelati trampolini di lancio per opere più complesse e strutturate; standogli vicino quando è stato ricoverato in ospedale per molti mesi, situazione che per molti sarebbe stata debilitante, mentre Andrea ha utilizzato il lungo periodo di inattività dovuto alle cure, per sviluppare al meglio la propria produzione letteraria.

Infatti, l’idea di Tutto il mondo è paese è venuta proprio a seguito della pandemia. Precedentemente, esistevano tre racconti del 2019 nei quali era già presente il Commissario Manfredi; uno di questi arrivò in finale al concorso “Appuntamento in nero” organizzato da Trezzano Noir e così, durante l’isolamento dovuto all’emergenza sanitaria e in seguito alla lunga degenza ospedaliera, quel materiale fu ripreso e ristrutturato per essere trasformato nel primo romanzo giallo.

E non poteva che essere un romanzo di genere giallo: moltissimi libri degli autori classici più importanti, sia del secolo scorso che quelli attuali, sono presenti nella libreria paterna; le influenze vengono anche delle molte serie televisive di Maigret con Gino Cervi o di Nero Wolfe con Tino Buazzelli; infine, durante la permanenza forzata per la pandemia a Palazzuolo sul Senio, nella biblioteca del paese , Andrea ha trovato una ricchissima serie di gialli che ha letto tutti, da Maurizio De Giovanni a Fred Vargas, dagli autori scandinavi ad Agata Christie.

Ma il giallo di Andrea Zavagli è un genere tutto suo, originale e particolare, ecco perché Tutto il mondo è paese ha partecipato con successo a numerosi premi letterari. In questo romanzo si utilizzano le architetture classiche della trama del giallo, ma si lascia libero sfogo alla fantasia per stravolgerle. Il risultato è uno scavo psicologico sulle personalità dei numerosi personaggi, tutti equivalenti da un punto di vista d’importanza.

L’unico che emerge con una certa predominanza è il Commissario Manfredi. Infatti l’autore è già al lavoro per un sequel dove il Commissario sarà ancora alle prese con un’indagine complicata. Andrea Zavagli ha ereditato da suo padre Bruno l’eclettismo letterario . In passato ha scritto di tutto, dalle poesie, alle sceneggiature, dai racconti brevi, ai testi teatrali. In futuro, oltre alla nuova avventura del Commissario Manfredi, pare che verranno alla luce alcuni romanzi brevi, di cui non vorremmo perdere la possibilità della recensione in anteprima.

Le immagini sono relative alla presentazione del libro il 14-04-2023

Edi House, Piazza Fra' Girolamo Savonarola, Firenze

WORLD PRESS PHOTO 2023 concorso internazionale di fotogiornalismo

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Thu, 28 Dec 2023 19:25:54 GMT

Il concorso premia le migliori fotografie del mondo,

che documentano eventi attuali,

storie importanti e momenti dimenticati.

Questo libro è una testimonianza e un'occasione di approfondimento, se pensiamo che la Cultura Fotografica e la forza delle immagini siano un momento di riflessione che può aiutare, se non a fermare, a porre l'attenzione sui conflitti che stanno devastando le varie parti del mondo e sui cambiamenti climatici che stanno sconvolgendo il nostro pianeta e il nostro avvenire.

Il World Press Photo è uno dei concorsi di fotogiornalismo più prestigiosi al mondo. Le foto vincitrici del concorso vengono esposte in tutto il mondo e vengono utilizzate per informare e sensibilizzare il pubblico su importanti questioni sociali. Nel 2023 il concorso ha ricevuto oltre 60.000 fotografie da 3.752 fotografi provenienti da 127 paesi. La giuria ha selezionato 24 vincitori, che raccontano innumerevoli storie di ogni tipo, di guerra, di cultura, d'identità, di migrazione, sia ricordi del passato perduto che scorci di futuri vicini e lontani.

Il concorso World Press Photo del 2023 coinvolge sei regioni in tutto il mondo : Africa, Asia, Europa, Nord e Centro America, Sud America, Sud-Est asiatico e Oceania. Le proposte vengono giudicate e premiate nelle regioni in cui si realizzano le fotografie e i reportage, piuttosto che in base alla nazionalità del fotografo. Ogni regione prevede quattro categorie basate sul formato: Foto singole, Reportage, Progetti a lungo termine e Open format. Queste categorie accolgono testimonianze visive che documentano determinati momenti di cronaca, eventi e conseguenze, nonché questioni o soluzioni sociali, politiche e ambientali.

Joumana El Zein Khouri, Direttrice esecutiva della World Press Photo Foundation dice che: “ se dovessi riassumere il lavoro della giuria del 2023 in una parola, sarebbe “commovente”. Le lacrime versate dai membri della giuria, gli incubi che hanno avuto, i dibattiti che hanno condotto, il comportamento che hanno mantenuto e che hanno richiesto dai fotografi e soprattutto il rispetto che hanno mostrato verso ogni singola fotografia attraverso tutto il tempo che hanno impiegato a discuterle, dimostrano che c'è ancora speranza per l'umanità . Una speranza che stavo cominciando a perdere dopo aver convissuto con le migliaia di immagini negli ultimi tre mesi” .

La foto dell’anno che ha vinto il Wold Press Photo è del fotografo e giornalista ucraino Evgeniy Konstantinovich Maloletka. Questa foto è stata scelta per rappresentare l'assurdità e l'orrore della guerra. Secondo la motivazione della giuria, la foto di Maloletka è una rappresentazione accurata degli eventi dell'anno scorso e una prova dei crimini di guerra commessi contro i civili ucraini da parte delle forze russe, un vero e proprio attacco al futuro dell’Ucraina .

La foto raffigura Iryna Kalinina, una donna incinta gravemente ferita, che viene trasportata fuori dall'ospedale di Mariupol, dopo che è stato colpito dagli attacchi aerei russi il 9 marzo 2022. Il suo bambino, chiamato Miron (nome che in ucraino significa “pace”) è nato morto e mezz’ora dopo anche Kalinina è deceduta. La sua storia è stata citata dalla propaganda russa che ha diffuso voci infondate secondo cui Kalinina e altre donne ferite nell'attacco erano in realtà attrici.

Vincere il premio World Press Photo of the Year è significativo per diversi motivi:

Riconoscimento di eccellenza : questo è considerato uno dei premi più prestigiosi e ambìti nel fotogiornalismo. Porta alla ribalta internazionale immagini che non soltanto raccontano avvenimenti significativi dell'anno ma rappresentano anche questioni, situazioni o eventi di grande importanza giornalistica. Questo riconoscimento dà valore al lavoro del fotografo e porta l'attenzione globale sull'oggetto dell'immagine.

Influenza sulla società: il premio World Press Photo spesso porta ad una maggiore consapevolezza e discussione sui soggetti delle immagini vincitrici. Ciò può influenzare l'opinione pubblica verso cambiamenti politici e sociali e soprattutto verso una maggiore comprensione delle questioni globali. D a non sottovalutare la ricompensa finanziaria : i vincitori ricevono un premio in denaro che può fornire un supporto significativo al fotografo, consentendogli di continuare il proprio lavoro. Infine il premio aiuta a promuovere l'importanza del fotogiornalismo e il suo ruolo nel trasmettere al pubblico le realtà del mondo . Serve a ricordare il potere della narrazione visiva di informare, educare e ispirare con la massima obiettività, caratteristica del mezzo fotografico.

Una donna iraniana è seduta in una piazza trafficata di Teheran sfidando la legge sul hijab obbligatorio, il 27 dicembre 2022 pochi giorni dopo la morte di Masha “Jini” Amini, una donna curda di 22 anni, presa in custodia dalla polizia religiosa della Repubblica islamica per avere presumibilmente violato la legge sull'hijab obbligatorio. Le proteste di massa in Iran sono iniziate dopo l'arresto e la morte di Masha. “Stavo camminando attraverso Keshavarzi Boulevard – dice la donna ritratta nella foto - q uando vidi una folla di uomini e donne, giovani e vecchi, che cantavano uno slogan che non avevo mai sentito prima: “donna, vita, libertà” mi fece aprire gli occhi, era davvero commovente".

Ahmad Halabisez (Iran, 1984) è un fotogiornalista freelance, un narratore

visivo che si concentra su questioni sociali, con progetti personali e documenti,

soprattutto sull'impatto dei conflitti in Medio Oriente.

Nonostante violenti attacchi contro i manifestanti, le proteste si sono diffuse rapidamente in tutte le regioni del paese, coinvolgendo tutte le fasce di età e le classi sociali per dimostrare la loro posizione al governo. Le donne in Iran sono uscite in pubblico senza indossare l’hijab, trasformando la vita quotidiana in un atto di disobbedienza civile.

Le foto di questo articolo sono state fatte durante la mostra organizzata da Photolux nel Palazzo Ducale di Lucca dal 25 novembre al 17 dicembre 2023

IL SEGNALIBRO DELL’ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Fri, 15 Dec 2023 11:42:59 GMT

L’ULTIMA ALCHIMIA

romanzo noir di SILVIA ALONSO

Non è facile classificare L’ultima alchimia di Silvia Alonso , perché l’autrice spazia con maestria e raffinatezza nei vari generi, il noir, il thriller, l’erotico . Se qualcosa accomuna i tre generi è l ’assenza di volgarità o di banalità stereotipate . L’atmosfera ricreata è a volte ironica e divertente, altre tesa e intrigante, ma sempre ben ricreata come quella della Milano notturna e trasgressiva, popolata dalle "Regine della notte”, che hanno il ruolo delle dominatrici e che giocano con le torbide fantasie maschili. Questa componente fornisce un elemento di tensione e intrigo fondamentale per un romanzo noir.

Il primo capitolo immerge il lettore nell' ambiente bondage con tutti gli elementi classici. Una signora dominatrice, una bellissima giovane sottomessa, uno slave angelicato. Non manca tutto l'armamentario tipico del bondage (fruste, maschere, bende per gli occhi, lacci, catene) necessario per eseguire il rituale d'iniziazione, praticato con frasi in lingue sconosciute, riferimenti a sciamani indiani, danze profane, dolore provocato da cera bollente sulla pelle o cubetti di ghiaccio serrati tra i pugni. Tutto questo per arrivare all'atto sessuale finale che conclude il rito di iniziazione.

La protagonista Maddalena Santacroce (detta Maddy), una giovane ballerina di pole dance laureata in lettere, viene d’urgenza convocata dal Commissario Bellavista perché la sua migliore amica, Cristiana Carofiglio, praticante mistress, è la principale sospettata dell’uccisione di Mattia D'Angelo, un ex acrobata del Circo di Montecarlo, ritrovato morto per asfissia a causa della pratica del bondage durante un gioco erotico estremo, praticato nella trasgressiva discoteca milanese Infernum .

L'interrogatorio farà luce su molti aspetti torbidi della vita di Maddalena e dell'amica Cristiana. Soprattutto per le pratiche del bondage, come dice la protagonista: Abbiamo una religione fondata sul mito della sofferenza e quindi c'è chi sublima. Lei, essendo appunto Cristiana di nome e di fatto, esercitava la professione convinta che ci fosse un che di mistico. Qualcosa di intrinsecamente redentore, in cui vedeva una specie di missione. Insomma: pareva lo facesse cristianamente, se così si può dire.

Le spiccate doti di Maddalena di femme fatale le permettono di irretire completamente il Commissario Bellavista e l'interrogatorio ribalterà il ruolo, lei carnefice, lui vittima, così come è accaduto nella scena dell’interrogatorio di Sharon Stone in Basic Instinct . Quando Maddalena lascerà il commissariato penserà che: “Sembrava che io e Cristiana avessimo un alibi, molto debole e precario, ma per il momento poteva reggere” .

La storia è ambientata nella Milano notturna, dove le protagoniste sono le "Regine della notte", ballerine di pole dance e mistress per le quali gli uomini farebbero follie. Il commissario intuisce che l'omicidio potrebbe essere legato a una visione esoterica del mondo sadomaso, con abbondanza di forti emozioni fisiche e scariche adrenaliniche, tipiche delle pratiche di BDSM. Questo permette al romanzo di tenere il lettore inchiodato alla lettura fino alla fine, un misto di noir, thriller ed elementi erotici, con un'atmosfera di mistero e suspense. Non manca anche la satira elegante e pungente, soprattutto per l’umorismo che contraddistingue il personaggio Maddalena nei suoi innumerevoli dialoghi con il Commissario Bellavista, detto il bavoso, che non riesce ad allontanare i suoi incubi e le sue angosce, altro elemento importante per creare tensione e mistero nella storia.

IL SEGNALIBRO DELL'ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Sat, 21 Oct 2023 15:44:29 GMT

LA DIMORA DEGLI DÈI

romanzo di esordio

di Martina Galletta

Scrivere la sinossi di un romanzo thriller è sempre cosa ardua e pericolosa, ci può scappare il morto, cioè la rivelazione, magari non voluta, di qualche dettaglio importante che svela la trama anzitempo, errore imperdonabile per il recensore. Ecco perché, per non cadere in trappola, riporto fedelmente la sinossi pubblicata in quarta di copertina:

Dicembre 1938: la Germania nazista ha da poco annesso l’Austria. Britta, giovane figlia di un ricco industriale austriaco, raggiunge un lussuoso albergo al confine tra Svizzera, Germania e Austria insieme al padre e al fidanzato, astro nascente del Partito nazionalsocialista. Sono diretti in Germania, dove il loro matrimonio è l’evento mondano più atteso del Reich. Britta vorrebbe un destino diverso da quello impostole dalla società e dalla famiglia. Una nevicata eccezionale costringerà gli ospiti a trattenersi nel resort. E, tra omicidi, furti, cene luculliane, autopsie, amori discutibili e continui colpi di scena, la luce sinistra del nazismo si avvicina sempre di più, proiettando la sua ombra sull’albergo e sui suoi ospiti e rivelandone la vera natura.

L’autrice, Martina Galletta è personaggio poliedrico che ha soltanto tre cose in testa, parole sue: il teatro, la musica e la scrittura. E scusate se è poco! Ci sarebbe piaciuto che fosse anche collezionista di francobolli e amante della cucina del Suriname, ma chissà prima a poi che non lo diventi. Per ora si limita, e di nuovo mi affido alla biografia ufficiale, a coronare il suo: sogno di fare l’attrice diplomandosi, ancora giovanissima, alla Scuola d’Arte Drammatica Paolo Grassi. Da allora lavora nei più prestigiosi teatri italiani: dal Piccolo Teatro di Milano, al fianco di Giulia Lazzarini e Andrea Jonasson, al Teatro Argentina di Roma, dal Teatro Bellini di Napoli al Teatro dell’Elfo di Milano. Roberta Torre la sceglie per il suo premiatissimo film I baci mai dati , che sbarca al 67° Festival di Venezia; Luca Manfredi la trasforma in Giulietta Masina nel film Permette? Alberto Sordi. Anche la musica accompagna il suo percorso: compone ed esegue la colonna sonora dello spettacolo Lezione da Sarah , dove recita al fianco di Galatea Ranzi. Canta e suona fisarmonica, sintetizzatore e pianoforte.

E la scrittura? Ha sempre amato, fin da bambina, scrivere poesie, racconti e copioni teatrali. Adesso, sfruttando la forzata immobilità casalinga durante la pandemia, ha scritto il suo primo romanzo e dobbiamo riconoscere che il talento non è dovuto soltanto alle altre due muse (teatro e musica) ma anche a quella della scrittura perché il thriller ha tutti gli ingredienti per un piatto molto ben cucinato e dal sapore forte e gustoso. Assaggiare (cioè, leggere) per credere.

Vediamo in particolare quali sono questi ingredienti ben amalgamati l’uno a all’altro nella realizzazione di un romanzo dal costrutto narrativo ben strutturato, scorrevole e piacevole.

Innanzitutto, una minuziosa ricostruzione storica degli avvenimenti , ma non dal punto di vista del saccente storico, ma della brava scrittrice che riesce, con i particolari oggettivi della ricostruzione storica, a portare il lettore in quel determinato periodo, suggerendo particolari atmosfere, evocando determinate emozioni, osservando le ambientazioni con il distacco del narratore, ma con la passione di chi ama abitare il mondo magico della narrazione, come Martina dimostra, già da questa opera d’esordio.

In secondo luogo, la struttura classica del giallo, probabilmente mutuata dalle letture frequenti dei gialli di Agata Christie, tiene il lettore incollato alla lettura fino all’ultima pagina perché i misteri si risolvono a uno a uno con lo scorrere della storia, ma soprattutto con l’osservazione sotto la lente d’ingrandimento dell’investigazione di ogni minimo particolare, anche quello che solo apparentemente risulta essere insignificante. La trama è intricata, ma alla fine, dal grande salone dell’albergo dove i personaggi si ritroveranno tutti insieme, usciranno vincitori e vinti, salvati e dannati, innocenti e colpevoli, con l’amore che, come spesso accade, è salvifico e serve come redenzione.

In terzo luogo, la profilazione dei personaggi, tutti perfettamente delineati con le loro caratteristiche e peculiarità che li fanno amare o odiare. Su tutti spicca, con una punta di riconosciuta e giustificata vanità dell’autrice, la bellissima protagonista Britta che non è soltanto affascinante, ma anche colta, determinata, appassionata. Ci se ne innamora subito, per la sua eleganza, la sua raffinatezza, ma anche il suo senso di giustizia testardamente perseguito. Ho parlato di vanità femminile: che c’è di male? Martina Galletta è Britta, è altrettanto affascinante, colta e testarda, nel senso letterario del termine. Se un domani questo romanzo raggiungesse le sale cinematografiche Britta non potrebbe essere impersonificata che da Martina Galletta.

Infine, da notare che l’autrice è riuscita anche nel non facile compito di evocare la Storia con la maiuscola e lo ha fatto creando uno sfondo, in cui vanno a confluire tutte le varie microstorie dei personaggi e lo sviluppo della trama del mistery, nel quale incombe la minaccia mondiale del nazismo, della guerra, della morte. Qualcuno ha accostato questa evocazione del dramma della Storia alle opere brechtiane, forse non era questo l’intento dell’autrice che non ha voluto troppo rivestire di tragedia il suo romanzo. Semmai, qui viene prepotentemente fuori il teatro, la messinscena, come dice il critico teatrale Andrea Porcheddu, nella prefazione al romanzo: Martina Galletta allestisce questa partitura noir come fosse uno spettacolo. Nella sapienza dei dialoghi cova una vera e propria regia teatrale. Non si tratta, dunque, dell’autore onnisciente che dispensa indizi e gioca e gioca con il lettore, quanto di un regista alle prese con la materia viva del palcoscenico, con personaggi che improvvisamente prendono vita propria, che si animano nell’immaginario di chi scrive e di chi dirige attori e attrici in scena.

Martina Galletta, pur ambientando il suo romanzo nel periodo cruciale a cavallo delle due guerre mondiali, periodo carico di drammi sociali e umani di grande rilevanza, riesce a dotarlo di una gustosa leggerezza fatta di ironia, di buon gusto letterario, di piacevolezza da romance di qualità.

Un esordio letterario davvero ben riuscito!

Le foto di questo articolo sono relative alla presentazione del romanzo di Martina Galletta al Giardino delle Rose di Firenze il 29 settembre 2023 a cura di Sylvia Zanotto e Nicoletta Manetti

CHILDREN di Steve McCurry

Thu, 12 Oct 2023 20:44:52 GMT

La prima mostra tematica dedicata all’infanzia del celeberrimo fotografo americano realizzate in quasi mezzo secolo di attività e che ritraggono bambini da ogni angolo del mondo in scene di vita quotidiana in contesti non sempre piacevoli.

Steve McCurry è un testimone. Il suo impulso al racconto gli dà, ancora oggi, l’energia per continuare a cercare e l’ottimismo per non smettere mai di credere che arriverà a completare la sua missione.

L’Istituto degli Innocenti di Firenze, da oltre seicento anni si occupa di tutelare promuovere e i diritti dell’infanzia. Progettato da Filippo Brunelleschi, fu pensato per dare l’opportunità di un futuro ai bambini, affidati alle cure della comunità e la cui storia è rappresentata nel Museo degli Innocenti. Quale luogo migliore, pertanto, per ospitare le fotografie di Steve McCurry, le cui tematiche relative all’infanzia sono centrali nell’opera di stampo umanista del grande fotografo americano. Non a caso, la sua fama planetaria è partita dal celeberrimo scatto del 1984 che ritrae una bambina afghana in una scuola di un campo di rifugiati, foto che da sola ripaga la visita della mostra, anche se le ampie sale del Museo degli Innocenti ospitano un gran numero di fotografie, al punto che si può ritenere, senza iperboli, di trovarsi di fronte a una delle più vaste rassegne di fotografie di Steve McCurry dedicate all’infanzia.

La mostra di Firenze ha proposto una straordinaria serie di ritratti, immagini di guerra e di poesia, di sofferenza e di gioia, di stupore e di ironia. I bambini di Steve McCurry provengono da tutto il mondo , non soltanto dalle zone di guerra; tutti diversi per etnia, tradizioni, abiti ma accomunati dalla stessa gioia di vivere e di giocare anche in contesti difficili, pericolosi, degradati. La loro gioiosa energia fa da contrasto alla cupezza dell’ambiente che li circonda , irradiando una luce di speranza che rischiara quei luoghi cupi e inquietanti.

«Scattare una fotografia che poi verrà pubblicata e diffusa significa mostrare a una fetta di mondo che non è testimone diretto, qualcosa che altrimenti non avrebbe mai visto. È un modo per fare aprire gli occhi, per mettere di fronte a una realtà distante chi non è abituato a pensare al di fuori dei propri confini. Per rendere edotti. Chi ha visto non può più dire di non sapere» . Steve McCurry

Le immagini più toccanti, e infatti sono tra le più premiate , sono quelle che ritraggono i bambini in zona di guerra, che giocano con la carcassa di un carro armato o che hanno dimestichezza con fucili e munizioni, una realtà purtroppo molto più diffusa di quello che si possa pensare. Infatti, secondo l’organizzazione internazionale Save the Children un bambino su sei è costretto a vivere in zone di guerra ed è testimone involontario di eventi traumatici che lo segneranno per tutta la vita, secondo alcuni studi ancora quando si trova nell’utero della madre.

“La visione dell’infanzia di McCurry è variegata e diversificata, come i bambini di tutto il mondo. Ma, a prescindere da dove punta il suo obiettivo, il filo conduttore è questo: finché ci sono bambini c’è speranza”. Dalle foto emerge potente “l’eterna resilienza dei bambini…presenza vivida negli scatti di Steve McCurry, che ha catturato il desiderio e la capacità di trovare gioia anche nelle condizioni più difficili. Il gioco come necessità si manifesta in innumerevoli modi, come nella foto dei bambini che si arrampicano sul carro armato arrugginito, trasformando uno strumento di morte in una fonte di divertimento. Questi bimbi non sono mossi né da un’ideologia né da una filosofia: stanno semplicemente convertendo una terribile arma in un giocattolo…” (Owen Edwards, critico fotografico).

Nel corso di tutta la sua carriera ha esplorato gli ambiti più remoti del pianeta, realizzando reportage dalle zone di guerra, seguendo spedizioni umanitarie, alla ricerca di qualcosa che con il tempo si è trasformata nel suo unico obiettivo: l’essenza dell’umanità, intesa come genere umano. La sua ricerca lo ha portato a scavare tra le immagini di un mondo non sempre piacevole, ma sempre meritevole di essere raccontato. Ha cercato la bellezza negli slum indiani, la spiritualità sulle creste himalayane, la resilienza negli occhi verdi delle ragazze afghane.

La foto ragazza afgana è la più celebre del fotografo americano. Il volto della ragazza è stato immortalato in un campo profughi in Pakistan nel 1984. Per 17 anni la sua identità è rimasta sconosciuta, fino al momento in cui, nel 2002, la donna è stata rintracciata da McCurry e un team di National Geographic, il suo nome è Sharbat Gula.

Il primo piano della ragazza è incorniciato da un velo rosso, dal quale spuntano i capelli bruni, e uno sfondo verde. Questo contrasto di colori conferisce una grande profondità e magnetismo. Gli occhi verde ghiaccio di Sharbat Gula sembrano rivolgersi direttamente allo spettatore che viene catturato da quello sguardo evocatore di rabbia, vulnerabilità e paura. Questa immagine è diventata il simbolo universale delle difficoltà affrontate dai rifugiati in tutto il mondo, strumento attraverso il quale raccontare una realtà toccante e drammatica.

Dall’India all’Afghanistan, dal Tibet al Messico, dalle Filippine al Libano, dal Pakistan alla Birmania, dal Madagascar allo Yemen, dal Giappone fino all’Italia, le suggestive immagini della mostra Children del Museo degli Innocenti, ritraggono bambini con stili di vita ed espressività diverse, ma che parlano un linguaggio universale: quello della resilienza, della solidarietà, della aggregazione. Bambini che vivono nelle grandi metropoli ma anche nei villaggi rurali, che combattono una lotta giornaliera contro un destino avverso che li tiene lontani dal gioco e dalla spensieratezza, cosa che dovrebbe essere diritto di ogni bambino e che invece la vita ha condannato a un destino di profugo o di lavoratore sfruttato.

Steve McCurry è considerato da oltre mezzo secolo una delle voci più autorevoli nel panorama della fotografia internazionale. Universalmente riconosciuto come maestro del colore, per l’abilità di creare immagini perfettamente equilibrate da un punto di vista cromatico e che mantengono un’alta drammaticità per la capacità di isolare dal contesto soltanto alcuni elementi che fanno parte del tema che il fotografo ha in mente.

Il risultato è un’immagine che ha tutta la drammaticità dello scatto di reportage, ma anche la pittoricità di un quadro che ti invita alla riflessione . Lo scatto fotografico è la riproduzione di un tempo infinitamente breve, mentre le foto di Steve McCurry diventano momenti immortali proprio per la loro pittoricità, per l’accuratezza della ripresa, in molti casi il risultato di ore di attesa, alla ricerca della migliore luce, del miglior movimento del soggetto, del miglior contrasto cromatico. Steve McCurry un Vermeer della fotografia, per la capacità di costruire armonia all’interno dell’immagine, sia come distribuzione degli spazi, dei pieni e dei vuoti, sia come accostamento dei colori.

Steve McCurry è un narratore visivo della storia, della cultura e della condizione umana del nostro tempo. Il suo approccio alla fotografia è prevalentemente antropologico: non è alla ricerca di scatti che riescano a stupire, piuttosto di quelli che raccontino una storia. Un racconto vissuto in diretta attraverso l’esplorazione del mondo che fa da oltre mezzo secolo.

C’è una qualità contemplativa o meditativa nella fotografia

che trovo sia una sorta di stato pacifico.

Adoro poter viaggiare per il mondo

e sperimentare culture e paesaggi diversi.

Steve McCurry

Presentiamo alcune foto della mostra di Steve McCurry a Villa Bardini (Firenze) nel 2018

Ecco altre fotografie presentate alla mostra di Steve McCurry a Villa Bardini (Firenze) nel 2018

Yan Pei-Ming, pittore di storie, la più grande mostra dedicata in Italia all’artista franco-cinese.

Fri, 28 Jul 2023 18:35:12 GMT

Fino al 3 settembre 2023, Palazzo Strozzi a Firenze presenta oltre 30 monumentali tele di Yan Pei-Ming che uniscono storia e contemporaneità, realtà e immaginazione, soggetti intimi e personaggi pubblici per riflettere sulla condizione umana, sulla morte e sulla drammaticità degli avvenimenti storici.

Piango il nostro tempo e sono felice di viverci

(Yang Pei-Ming)

A cura del direttore di Palazzo Strozzi Arturo Galansino, la mostra presenta più di 30 opere che testimoniano l’originale cifra stilistica dell’artista da sempre attento alla relazione tra immagine e realtà, in un continuo scorrere e mescolarsi tra vita personale e storia collettiva, tra Oriente e Occidente.

Ha cominciato a lavorare negli anni Ottanta, anche se la pittura figurativa non era di moda, perché era con questo linguaggio che si sentiva a proprio agio e da allora ha sempre utilizzato questa forma di espressione. Da giovane, in Cina, non aveva la possibilità di trovare modelli a disposizione per essere ritratti, allora chiedeva ai membri della sua famiglia di posare per lui. Ne è nata una galleria che rappresenta un universo personale molto intimo e che ha segnato per sempre la cifra stilistica dell’autore.

Cresciuto durante la rivoluzione culturale, ha avuto la sua fortuna con i ritratti di Mao-Zedong. Come dice l’autore, nessuno conosceva Yan Pei-Ming ma tutti conoscevano Mao; questo gli ha permesso una certa notorietà e la possibilità di allargare i suoi orizzonti, che in gioventù si limitavano agli autoritratti e alle opere riguardanti la propria famiglia.

Determinante, per la sua formazione, il viaggio ad Amsterdam nei primi anni Ottanta, per studiare gli autoritratti di Rembrandt, Picasso, Van Gogh. Si convince che attraverso l’autoritratto sia più semplice rappresentare il modo con cui un pittore esprime il proprio linguaggio. La mostra di Palazzo Strozzi si apre infatti con un autoritratto, Nom d’un chien! Un jour parfait , per la prima volta affiancato da un oggetto del suo studio, fatto da scarti delle tempere dei suoi dipinti, la cui tridimensionalità mette in risalto la matericità del suo lavoro. “ Questo carrello con i resti di vernice è in un certo senso il mio autoritratto come pittore. È la rappresentazione del tempo che passa. Volevo esporlo già due o tre anni fa, ma non ne ho avuto la possibilità. Palazzo Strozzi è il luogo ideale per esporlo” , dice Yan Pei-Ming

Dal 1983, dopo aver visitato a Shangai la mostra Paesaggio francese e contadini: la vita rurale in Francia nel XIX secolo, 1820-1905 , decide di trasferirsi in Francia dove frequenta le scuole d’arte. Ha la possibilità di capire l’arte occidentale, anche se non rinnega le sue origini, dragoni, tigri, Bruce Lee e Buddha compaiono in molte sue opere, affrontando comunque tutti i generi classici della pittura: storia, ritratto, autoritratto, natura morta, paesaggio, animali.

Determinante per la propria crescita artistica, la permanenza in Italia nel periodo 1993-94 come borsista, viaggiando continuamente tra Milano, Pisa, Venezia, Roma, Firenze, dipingendo soprattutto ritratti, ma anche quadri legati alla storia italiana e di Roma, in particolare: papi, rivisitazioni dei quadri di Caravaggio a San Luigi dei Francesi, il ritrovamento del corpo di Aldo Moro, quadri in omaggio a film come «Mamma Roma» di Pasolini o «Roma città aperta» di Rossellini.

Si è sempre ispirato, sin da giovane, ai grandi maestri italiani, Caravaggio, Leonardo, Raffaello, Michelangelo, Tiziano. Li evoca attraverso l’uso della pittura monocroma, non li affronta sul piano del colore, ma su quello più intimo e misterioso del contrasto tra luce e ombra. Si lascia catturare dai soggetti eterni ma il suo gesto pittorico è contemporaneo, attuale, non è mai rivisitazione o citazione, ma assume una sua originalità e una sua collocazione nel panorama artistico mondiale.

Il monocromatismo è una sida ardua per un pittore, difficile dare profondità al quadro usando un solo colore e, a mio avviso, Yan Pei- Ming non ci è riuscito, la sua tigre è talmente piatta, a una sola dimensione, che non riuscirà mai spiccare il salto. Anche il Chien hurlant è muto, non trasmette quella sensazione di timore che le sue fauci spalancate dovrebbero incutere.

In mostra è esposta una sequenza di opere legate alla storia italiana più drammatica dell’ultimo secolo, riunite quasi in una trilogia: il corpo di Mussolini appeso a testa in giù assieme a quello della sua amante (28 aprile 1945); il ritrovamento del corpo di Pasolini (2 novembre 1975); il ritrovamento del corpo di Aldo Moro (9 maggio 1978). In tutti e tre i casi non è il momento della morte, ma quello in cui l’immagine della morte è stata mostrata al mondo.

Questa mostra non è bella, e non è utile. Non è bella perché il pittore è sì grande ritrattista, ma riesce a esprimere il massimo del suo talento soltanto negli autoritratti, come nel caso del trittico Nom d’un chien! Un jour parfait , non a caso collocato a inizio mostra dal curatore Galansino, e in altri due del polittico sul funerale di Monna Lisa. Pittore quindi intimista, che dà il meglio quando esplora se stesso. Gli altri ritratti non emozionano. Andy Wharol con molti decenni di ritardo, ha raffigurato personaggi icone pop, come Mao o Bruce Lee, Putin e Zelensky, oppure si è avventurato in terreni aspri e pieni di trabocchetti come la raffigurazione di quadri molto conosciuti di pittori molto noti. C’era bisogno, per esempio, di un’ennesima Gioconda di Leonardo? Peggio ancora, la raffigurazione monocromatica del quadro di Goya che ricorda la fucilazione del 3 maggio 1808 da parte dei soldati di Napoleone di un gruppo di rivoltosi. Goya riesce a dare una profondità drammatica incredibile al suo quadro, mentre il suo imitatore franco-cinese resta invischiato in una grigia piattezza priva di emozioni.

Un altro terreno spinosissimo è quello del paragone tra pittura e fotografia . Nella rappresentazione pittorica di alcuni avvenimenti molto importanti della storia, ripresi da immagini fotografiche, il quadro non regge il confronto con la fotografia. Il primo eternizza il momento, lo eleva a riflessione ideologica, lo appiattisce nell’insieme della tecnica pittorica che ha una valenza del tutto diversa dall’istantanea fotografica. La foto, invece, rappresenta quel preciso istante nello scorrere del tempo e dello spazio, una frazione di secondo prima o dopo è completamente diversa, mentre la pittura no, eternizza didascalicamente. È quell’istante irripetibile che fa di una fotografia ben fatta un capolavoro, riprodurla con la pittura significa svilire tutto ciò che c’è di più emozionante in questa tecnica. Ecco quindi che, a mio parere, un pittore deve dare la sua interpretazione di un avvenimento storico, certo lasciandosi ispirare da una foto, poi percorre tutta un’altra strada, personale, peculiare, unica, se vuole vincere la sfida. Nel caso dei quadri di Yan Pei-Ming che riproducono momenti immortalati dalle foto la sfida è persa, basta andare a vedere le foto a cui si è riferito, fra tutte quelle di Mussolini e Claretta Petacci a testa in giù in Piazzale Loreto, una foto di una drammaticità incredibile, carica di tutta l’enorme sofferenza che il dittatore ha fatto patire agli italiani e di tutta la speranza per un futuro migliore. Tutto ciò non riesce a venire fuori dalla tempera usata dal pittore. Anche la foto del ritrovamento del cadavere di Aldo Moro in Via Caetani a Roma ha una drammaticità pazzesca, sembra quasi che lo spettatore e tutta l'Italia in quel momento attonita, sia per essere risucchiato in quel buco nero dell'interno della Renault. Guardate il quadro di Yan Pei-Ming e ditemi se avete la stessa sensazione di sprofondamento.

Infine, ho parlato di mostra non utile per l’arricchimento culturale dello spettatore. Sono messi in risalto soltanto ritratti di grandi uomini della storia, dai cardinali ai dittatori. D’accordo che il nostro ha vissuto in Cina al tempo della rivoluzione culturale di Mao, ma se non sbaglio c’era la lotta al culto della personalità, perché raffigurare questi uomini potenti, il loro culto della forza, il loro machismo? L’aggressività, la forza, la potenza repressiva, rappresentata dalla tigre e dal cane da guardia che mostra i denti. Di Bruce Lee ci bastano e avanzano gli orrendi film che ci propinano le televisioni commerciali. Una galleria di sanguinosi dittatori, da Mao a Napoleone, da Hitler a Mussolini, che hanno sulla coscienza milioni di morti, raffigurati in pose ieratiche, solenni, quando la contemporaneità distrugge le loro statue?

Quando, poi, sono entrato nella sala dove c’è il ritratto di Putin, mi sono indignato. Egregio Curatore Sig. Galansino, non era meglio evitare di appendere quel ritratto, in questo particolare momento della storia?

IL SEGNALIBRO DELL'ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Thu, 27 Jul 2023 18:14:33 GMT

LA VITA E' AMORE

poesie di Giovanna Zantedeschi

La mia dedica è all'umanità che con il crescere perde di sensibilità e di correttezza.

Amore a noi tutti.

Giovanna Zantedeschi

Il sole, le parole, la poesia, la vecchiaia, il pianto, la preghiera, il pensiero, l’ipocrisia, il niente, il vento, il mare, la notte stellata, la vanità, c’è tutto questo nella silloge poetica di Giovanna Zantedeschi , la sua visione del mondo, espressa attraverso una poesia semplice, chiara, comprensibile da tutti, qualità sempre più rara per la tendenza della poesia contemporanea all’ermetismo esistenziale al limite dell’incomprensibilità.

E ancora: l’accettazione dell’altro, la burla, la malinconia, la personalità semplice, la noia, la malattia, la pace, il segreto, la paura, il dolore, temi trattati con qualche leggera pennellata di tinta pastello, che accarezza la mente e fa riflettere con leggerezza, senza affanno. Questa forse la caratteristica più originale e interessante della poetica di Giovanna Zantedeschi.

Preferisco non addentrarmi nella critica alla poesia, un pianeta per me affascinante ma anche inesplorato. Lascio il compito al più esperto Jacopo Chiostri , scrittore fiorentino che così commenta l’opera di Giovanna Zantedeschi nella quarta di copertina del libro: “Versi duri, potenti, crudi, perfino crudeli. In questa silloge la poetessa ci accompagna in un cammino fatto di domande che nel suo poetare così inedito e inusuale nella forma, riesce a farsi universale. Parla, insomma, tutti noi ci chiede di ascoltarla e rende visibile la propria onda emozionale che chiedeva di essere esplicitata. Vi riesce mettendo in relazione i ricordi con la loro elaborazione, in una sintesi in cui il pensiero razionale non regge all'urto della passione. Nelle sue pagine non troveremo verdetti, bensì delle registrazioni che la sapienza poetica, libera dall'ovvio e dal proclama, le cristallizza sulla pagina con una frequenza tanto simile a un battito cardiaco. Non c'è ermetismo, nessuna maschera, bensì un'alternanza di luci e ombre in una sorta di preghiera laica che percorre una strada che possa, debba farsi consolatrice. Il poeta è come il funambolo che cammina sul filo, lassù in alto e il suo percorso risente del vento, ma sarà solo soltanto dalla “rupe” che vincerà le sue paure e ci farà compagnia per tutto il tempo che trascorrerà da quando un Dio ci ha lasciati e uno nuovo ci raggiungerà.

La morte e l’amore sono i temi ricorrenti, che ne determinano la cifra stilistica, una sorta di continuo e incessante alternarsi, scaturiti entrambi dal dolore e dalla sofferenza che così tendono a esorcizzarsi. L’amore come antidoto alla morte, la morte come soluzione finale per un amore impossibile, un continuo rotolare verso l’ignoto che trascina il lettore nella lettura delle poesie, una dopo l’altra, divorate dal desiderio che trasuda, senza mai farsi rovente, in una lirica dalle tinte non abbaglianti, delicata e educata. Nel panorama attuale della letteratura, che tende a rappresentare sempre emozioni forti, estreme, che stordiscono, questa lirica di Giovanna Zantedeschi, riesce ad accarezzarti come una leggera brezza estiva.

In questa raccolta di poesie di Giovanna Zantedeschi, si alternano immagini serene e contemplative ad altre immagini più cupe e vibranti; la poetessa riesce a creare uno spazio emotivo in cui invita il lettore a guardare più da vicino la morte, abbracciandola come un momento certamente doloroso, ma anche necessario nel cerchio della vita.

Il modo in cui l'uomo si relaziona alla morte è cambiato nel tempo. La finitezza umana è stata vissuta, nel corso dei secoli, sempre con inevitabile familiarità. Nella nostra attuale società, caratterizzata dal desiderio di prolungare la giovinezza all'infinito, la rappresentazione della fine di un ciclo di vita è vista come un fallimento e quindi da evitare a tutti i costi. Tuttavia, la poetessa si chiede: se non possiamo stabilire i limiti della nostra vita, come possiamo connetterci ad essa e a noi stessi?

Attraverso una narrazione tra forze opposte e complementari, tra presente e assente, realtà e finzione, tra qui e là, c'è una visione più ampia del nostro senso dell'essere. Forse, da qualche parte tra la fluttuazione della presa di coscienza della nostra stessa mortalità e il desiderio di essere immortali, possiamo trovare un'opportunità per vivere profondamente. Forse è soltanto l’amore che può dare risposta a queste inestricabili domande.

La prima edizione del Premio Internazionale degli Scrittori Italiani

Sun, 14 May 2023 19:16:02 GMT

Il portale Scrittoriitaliani.net in collaborazione

con il Circolo Lettori Prato ha organizzato

la prima edizione del

Premio Internazionale degli scrittori italiani

Sabato 6 maggio 2023 ho avuto l’onore e il piacere di presentare

la prima edizione del Premio Letterario degli Scrittori italiani ,

nella prestigiosa sala Picasso dell’Art Hotel Museo a Prato

Il premio è stato reso possibile grazie alla collaborazione de Il Circolo dei Lettori di Prato che – come si legge su Scrittoriitaliani.net - si presenta come un’innovativa occasione di promozione della lettura nella città di Prato. Il progetto è una realtà completamente gestita da volontari; tutte le iniziative dello stesso, infatti, sono a ingresso libero e aperte a tutti coloro che vogliono condividere la passione per la lettura. Con questo spirito Circolo Lettori Prato intende promuovere la lettura, attraverso incontri, dialoghi con scrittori, laboratori di scrittura, conferenze, dibattiti e altro ancora. Il progetto è realizzato e sostenuto grazie all’impegno e alla costanza di tutte le donne e di tutti gli uomini, che ogni giorno si impegnano in prima persona per promuovere la lettura.

L'organizzazione, in verità perfetta e senza sbavature, considerando che si è trattata della prima edizione e sono arrivate centinaia di opere di ogni tipo, anche dall’estero, è stata merito del portale Scrittoriitaliani.net e in particolare dei suoi soci fondatori, Irene Samaltani e Michele Protopapas .

Non poteva mancare, come ospite alla prima edizione del Premio, Gabriele Bini, Project Manager Senior della SemantycaWeb - Web Marketing Agency di Prato che ha presentato la piattaforma scrittoriitaliani.net che ha sviluppato e gestisce insieme a Irene e Michele.

Scrittoriitaliani.net è la piattaforma, disponibile anche come app, che permette a ogni scrittore di inserire, catalogare e mostrare al mondo tutta la propria carriera letteraria, per quello che può essere usato come proprio sito internet personale, un punto di approdo dei suoi futuri lettori o una vetrina digitale, in cui particolare attenzione è data alle pubblicazioni e ai traguardi nei concorsi letterari. La piattaforma è aperta a tutte le scrittrici e tutti gli scrittori che scrivono in italiano, indipendentemente dalla nazionalità o luogo di residenza.

Il Premio Internazionale degli Scrittori Italiani ha lo scopo di valorizzare le opere prodotte e di incentivare la creazione di nuovi testi e di premiarli, se meritevoli, indipendentemente dalla fama dell’autore e dal fatto che i testi siano già stati pubblicati o premiati.

Leggi qui i titoli e gli autori con le relative motivazioni delle opere premiate.

APPUNTAMENTO ALLA PROSSIMA EDIZIONE

IL SEGNALIBRO DELL'ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Sun, 02 Apr 2023 21:06:34 GMT

DOPPIO INGANNO di Camilla Cosi

romanzo di formazione,

pieno di tensione ed energia,

con un finale esplosivo.

A Giulia, per completare il puzzle della propria vita, manca un pezzo molto importante. Dedicherà tutte le energie alla ricerca di questo tassello, fondamentale per comprendere le proprie radici.

Giulia, la protagonista, si avvia verso la maggiore età con un grosso punto interrogativo che la perseguita da molto tempo. Sente l’impellente necessità di avere una risposta fondamentale relativa alla sua identità e alle sue radici. Quando era bambina, infatti, il padre decise improvvisamente di scomparire per sempre. Giulia ha chiesto spiegazioni alla madre, ma questa si è sempre rifiutata e, come un muro di gomma, ha sempre resistito alle sollecitazioni della figlia, nascondendo una verità che avrebbe potuto causare troppa sofferenza nella figlia.

Il desiderio di Giulia di conoscere il destino di suo padre , man mano che la ragazza cresce, si placa, ma non viene del tutto cancellato, fino a quando un elemento scatenante lo riporterà in luce , con forza prepotente: in maniera del tutto fortuita, durante un concerto, a Giulia pare di aver scorto, tra i presenti, la figura di suo padre.

Da quel momento, Giulia dedicherà il resto della sua vita alla caccia al padre . Si farà coadiuvare nella ricerca, da una variegata serie di personaggi, conosciuti per mezzo dei social network, ognuno dei quali contribuirà con un proprio personale supporto e con obiettivi diversi, e funzioneranno perfettamente come elementi propulsori per mandare avanti la trama, con ritmo e suspence, fino al conseguimento del fine comune che sarà quello della risoluzione del mistero della scomparsa del padre di Giulia.

I temi principali del romanzo di Camilla Cosi sono due: uno è la ricerca delle proprie radici; l’altro è il bisogno di creare un contesto amichevole , non conflittuale, soprattutto nei confronti della madre, un recupero del rapporto che superi e risolva le quotidiane incomprensioni. La madre è un’importante co-protagonista del romanzo, una donna che, nonostante l’assenza del marito, si è emancipata, si è fatta da sola, ha raggiunto una sua indipendenza economica e un proprio status. Con ferma volontà, in tutti gli anni trascorsi dalla scomparsa del marito, non ha volutamente lasciato trapelare il minimo indizio sulle reali motivazioni dell’allontanamento del padre di Giulia, perché è convinta che la verità faccia male, che per il bene di Giulia sia meglio lasciar trapelare altre verità, più adatte a uno sviluppo equilibrato della figlia adolescente.

Peggio per lui, ormai sei grande, puoi fare a meno di lui.

Giulia non accetterà questo ruolo protettivo della madre, esigerà delle risposte, così la madre si trasformerà in una nemica e se ne allontanerà, si cercherà nuovi amici, nuovi alleati nella caccia al padre, per ottenere quelle risposte che la madre si rifiuta di dare.

Doppio inganno nasce dopo che Camilla Cosi ha partecipato a un corso di scrittura creativa al Giardino dei Ciliegi di Firenze, a seguito di due stimoli, potenti e fondamentali: uno, più pratico, cioè l’esigenza di scrivere qualcosa durante il corso; l’altro, che è alla base di questo libro e che va indietro di molti anni, è l’urgenza di scrivere qualcosa sul tema della ricerca della verità, percorso di vita abituale per gli adolescenti, a cui Camilla non si è sottratta, cioè quanto sia importante l’universo delle risposte, qualsiasi esse siano e da qualunque parte provengano. Una necessità che Camilla si è sentita addosso, per tutta la fase adolescenziale, nella quale si è posta molte domande esigendo altrettante risposte, in questo senso si può considerare Doppio inganno un romanzo di formazione.

Il rapporto tra la figlia e la madre è conflittuale , al punto che Giulia si allontana da casa, perché non soltanto non si sente supportata, ma si rende conto che il restare con la madre è un limite per la ricerca del padre. Questa fuga appare come un rito di iniziazione, l’affrancamento dalla fase adolescenziale e l’ingresso nell’età adulta, altro tema suggestivo del romanzo. Nella parte finale del libro ci sarà un riavvicinamento tra la figlia e la madre, ma non è importante per la conclusione della storia, proprio perché Giulia è ormai adulta e sta per avere le risposte che ha sempre cercato. A questo punto ci si potrebbe domandare: è meglio avere una risposta a tutti i costi, qualunque sia la verità, come vuole Giulia? Oppure, meglio tacere la verità, come vuole la madre, per proteggere la figlia da una verità scomoda e foriera di sofferenza? Questa contrapposizione è alla base di tutta la storia , fa da motore al romanzo, è il collante che tiene il lettore attaccato alle pagine del libro, fino alla fine.

Doppio inganno , è romanzo pieno di sfaccettature , i comportamenti dei personaggi non sono sempre lineari, un’imprevedibilità che fa, della mancanza di equilibrio, non un difetto, ma un pregio. Le contraddizioni sono elementi che rivestono l’uomo fin dai primi anni di vita e lo accompagneranno sempre, nonostante lotti per superarle. Questa lotta di Giulia, di sua madre, della variegata galleria di altri personaggi, fra tutti l’amica del cuore Sabrina, a cui Giulia fa spesso riferimento nei momenti di maggiore sconforto, questa lotta è la grande energia che è l’ingrediente principale del fascino di questa storia, ben scritta da Camilla Cosi, con ritmo e approfondimento psicologico delle personalità dei personaggi, tutti con la stessa cura, sia i principali che quelli di sostegno.

Ha gli occhi stanchi, si alza ogni mattina a fatica e senza progetti, attorcigliata in una trama di filo che si contorce su se stessa, senza una fine. Prigioniera in un bozzolo, le è mancata l'aria per rimanerci e la forza per liberarsene. Non è riuscita a trovare un significato a tutto quel senso di balìa, continua a sognare suo padre come nei ricordi di bambina. Da sveglia cerca la pungenza della sua barba nella spugna per i piatti, il suo nome nell'elenco dei compagni di classe, il suo sguardo nei cartelloni pubblicitari, il suo odore nel tabacco tostato, e si affanna alla ricerca del sapore delle caramelle che lui le regalava e che non si trovano più. Rivuole suo padre.

Energia del romanzo che si ritrova anche nel fatto che ogni qualvolta che un personaggio crede di essere arrivato alla risoluzione del caso, di aver ottenuto una risposta, di aver imboccato la strada giusta, la storia propone nuovi casi, altre domande, strade diverse, in un continuo rinnovarsi della tensione che trascina il lettore sempre più all’interno della storia . La risposta definitiva arriverà soltanto nelle ultimissime pagine, nelle quali si avrà modo di chiarire agli occhi del lettore quale sia questo Doppio inganno , un finale talmente esplosivo, che il lettore rischia di rimanere abbagliato, un finale che ha anche il grande pregio di lasciarlo dentro la storia a lungo, a riflettere e a godere del piacere di aver letto un bel romanzo.

Le foto sono relative alla presentazione di martedì 21 marzo ore 18.00

al Giardino dei Ciliegi, in via dell’Agnolo 5 a Firenze.

IL SEGNALIBRO DELL'ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Mon, 20 Mar 2023 23:04:35 GMT

LA BANDA DEI PITBULL

appassionante giallo di Carlo Giannone,

lo scrittore sperimentatore di generi letterari

Carlo Giannone, nato a Caltanissetta nel 1958, vive a Firenze dove ha conseguito la laurea in economia e commercio. Lettore appassionato fin dall'infanzia, da qualche anno fa parte della giuria di un concorso letterario per romanzi editi nella sua città. Ha pubblicato con i caratteri de L’autore Libri Firenze, il romanzo breve I Lupi e per l'editore Scatole parlanti, il romanzo La ragazza del balcone accanto . La banda dei pitbull è il suo terzo romanzo, il primo di genere giallo.

Scrivere la sinossi di un giallo è sempre operazione difficile e pericolosa, si può fare spoiler, per questo mi affido alla quarta di copertina del libro: "quando il corpo di un diciottenne viene rinvenuto nei pressi del torrente Mugnone, il Commissario Gaetano Mancuso si ritrova invischiato in un caso di omicidio all'apparenza irrisolvibile. C'è un solo vero indizio: i morsi di cane sul corpo della vittima. In un momento delicato della sua vita personale, diviso tra il tradimento della moglie e l'attrazione crescente per un'altra donna, Gaetano si butta a capofitto nell'indagine, determinato a scoprire l'identità dell'elusivo assassino. Poi, quando gli omicidi diventano seriali, Gaetano capisce che non c'è tempo da perdere, deve trovare l'uomo prima che uccida ancora e ancora e ancora. Ma se le cose non fossero così bianche e nere? Coinvolto in una corsa contro il tempo in una disperata caccia all'uomo tra le strade di Firenze, il Commissario Mancuso ha solo una certezza: che i mostri peggiori sono sempre gli esseri umani.

La banda dei pitbull è un giallo di genere atipico, diverso dagli altri, perché l’autore riserva un ampio spazio di narrazione alle vicende personali sia dei personaggi principali che di quelli di sostegno. La forma gialla è stata una scelta precisa e pensata perché Carlo Giannone ama sperimentare e porsi sempre nuove sfide ; il primo romanzo è una favola a sfondo animalista; il secondo è romanzo intimistico, di formazione, di crescita, anche se privo di scivoloni nell'autobiografismo, dove il tema è la rivalutazione delle proprie convinzioni che erano assodate fino a quel momento, per il sopraggiungere di situazioni nuove e diverse.

È nello stile di Carlo Giannone, lo si è visto nelle precedenti opere, indagare a fondo la personalità del personaggio. La banda dei pitbull non è però un giallo psicologico, non ci sono supereroi, i numerosi personaggi sono del tutto normali, pieni di virtù e di difetti, di certezze e contraddizioni, insomma le sfaccettature che li compongono sono numerose e varie, ed è questa peculiarità interessante della cifra stilistica dell’autore, che rispecchia in pieno la sua visione del mondo , un mondo complesso, che non si può ridurre alle semplici categorie del bianco e del nero, ma che è fatto da moltissime sfumature di grigio. Carlo Giannone ha la capacità di entrare in sintonia con i personaggi del romanzo , e lo fa con delicatezza e tatto, anche verso quelli detestabili. Ne risulta una galleria di personalità vere, genuine, mai stereotipate o superficiali. Quello che viene messo in risalto, in modo coinvolgente, è la grande umanità di tutti i personaggi, che non sono soltanto buoni o soltanto cattivi, ma hanno anime semplici e complesse allo stesso modo.

Già dall’incipit si capisce subito la grande passione e accuratezza che Carlo Giannone mette nello scrivere, doti che forniscono a questo suo primo giallo tutte le qualità del genere thriller: mistero, suspence, tecnica di scrittura che si avvicina a quella cinematografica delle scene brevi ma dense di azione, ritmo molto elevato grazie all’uso prevalente del dialogo, il rimanere sempre dentro alla storia senza cali di tensione o digressioni inutili, tecnica del “finale sospeso” (cliffhanger) che impone al lettore il volta-pagina a ogni fine capitolo, frenetico e entusiasmante al punto che il libro si legge tutto d’un fiato, lo si fa davvero, non è un modo di dire per piaggeria.

D’altra parte, si apprezza la scrittura di Carlo Giannone per la sua preziosità e ricchezza linguistica , per l’equilibrio della struttura sintattica, per la sua capacità di cesellare le parole, al punto che viene definito dalla editor della casa editrice “un orefice della lingua”. Questa ricercatezza viene dalla tradizione linguistica siciliana , di cui Carlo è fortemente impregnato, ma anche da una forma di rispetto nei confronti del lettore, al quale vuole dedicare un prodotto che sia non soltanto di piacevole lettura, ma che possieda anche una forza linguistica capace di lasciare tracce dentro al lettore, una volta terminato il libro.

Quel qualcosa dentro sono le riflessioni che il lettore può, se vuole, Carlo non impone ma propone, fare intorno a numerosi temi: uno è il rapporto uomo-animale, esplorato in modalità hard ma ricco di spunti originali e interessanti; un altro tema è quello del farsi giustizia da soli, come risposta a una grave ingiustizia subita; un altro tema ancora è quello del perdono, sia a livello personale che generale. Carlo si guarda bene dal dispensare soluzioni , si limita a presentarle, sarà il lettore a percorrere la propria strada per affrontarle e risolverle.

Il protagonista è il Commissario Gaetano Mancuso , che deve affrontare numerose complicate situazioni sia sul lavoro che familiari, la storia del mistero da risolvere con l’indagine si arricchisce di particolari della vita personale, ma senza farne un elemento collaterale pregnante, come fanno molti giallisti famosi che rivestono i loro personaggi di fortissime peculiarità, spesso sono comiche, con il pericolo di cadere nella macchietta caricaturale, oppure di stravizi – l’alcol è uno dei più diffusi - che ne fanno dei disperati che riversano nel lavoro, e nel relativo successo delle indagini, l’unico modo per sopportare le frustrazioni di una vita del tutto insoddisfacente. Nel commissario di Carlo Giannone non c’è caricatura né disperazione, c’è l’umanità, prima di essere commissario si è persona. Questa umanità del personaggio è la peculiarità della cifra stilistica di Carlo Giannone che emerge anche nei precedenti impegni letterari.

L’idea di costruire una storia intorno al rapporto tra l’uomo e l’animale è scaturita da quella volta in cui l’autore vide un pittbull uccidere un gatto, fu un tale shock che fornì la sofferenza e l’energia necessaria per realizzare il progetto letterario. Non si vuole colpevolizzare l’animale, che risponde a logiche naturali diverse dalle nostre ma, come l’autore dice, i mostri peggiori sono sempre gli esseri umani, che li addestrano e li dirigono per scatenare tutta la loro naturale forza e ferocia.

Vediamo se Carlo continuerà questo progetto letterario e darà un seguito a questa prima indagine del Commissario Gaetano Mancuso. Le aspettative di chi ha letto La banda dei pitbull sono nella direzione di avere altri romanzi del genere giallo, ma con Carlo, sperimentatore dallo sguardo ampio e dalla volontà sempre in movimento, non è detto che i prossimi libri riguardino indagini di Gaetano Mancuso. C’è in cantiere , infatti, un altro progetto, si cambia genere, sarà una storia ambientata negli anni “60 in un piccolo paese della Sicilia, giocando sugli stereotipi di una Sicilia culturalmente e mentalmente arretrata soprattutto con i tabu sessuali; oppure, un'altra storia di una ragazza che ritrova il diario di cento anni prima della bisnonna, in cui ci sarà un interessante paragone tra le due vite separate da un secolo l’una dall’altra.

Le foto sono relative alla presentazione fatta alla

libreria Marabuk di via Maragliano sabato 18 marzo 2023

IL PREMIO LETTERARIO “CITTÀ” SUL PONTE” per narrativa e poesia

Mon, 06 Mar 2023 06:11:09 GMT

Il premio letterario

“CITTÀ” SUL PONTE”

giunto alla sua ottava edizione,

quest’anno raddoppia,

uno sarà dedicato alla poesia e uno alla prosa.

Il Premio letterario “ Città sul Ponte ” è organizzato dal GSF - Gruppo Scrittori Firenze che si occupa di organizzazione e promozione di attività culturali e ricreative di interesse sociale, legate alla letteratura, all’arte, alla scrittura, al teatro, oltre a iniziative editoriali, didattiche e di cultura generale. Costituito in associazione culturale nel 2016, ereditando passione e obiettivi da alcuni gruppi di scrittori che avevano condiviso esperienze letterarie comuni, è recentemente confluito nel Registro Unico Nazionale del Terzo Settore (RUNTS). Attualmente associa oltre cento scrittori di tutta Italia e fornisce loro assistenza in varie attività letterarie e supporto come presentazioni pubbliche presso librerie o altri luoghi dedicati.

Innumerevoli le attività organizzate nel corso dell’anno, quali: la possibilità di vedere pubblicati i testi dei soci autrici e autori con le Case Editrici collegate all’associazione; la promozione e la recensione dei libri pubblicati nei canali comunicativi e nei social dell’associazione, in particolare sul proprio blog ; l’organizzazione di laboratori di scrittura creativa, rivolti a gruppi di non più di 10-12 allievi, in presenza e in modalità on-line in varie sedi fiorentine; gestione di incontri di lettura con testi ed autori scelti e commentati dagli stessi soci; eventi di lettura pubblica degli autori soci integrati a spettacoli teatrali, musicali ed eventi sociali; un blog sulla rete, strumento indispensabile per la diffusione delle informazioni, insieme al sito web, con uno spazio gratuito dedicato agli scrittori, il Weekend del Narratore , che ha trattato in passato moltissime tematiche legate, ricordiamo quelle che saranno affrontate nei mesi del 2023: passione, estasi, paura, angoscia, amicizia, tristezza, felicità, sorpresa, odio.

In particolare, il GSF cura la pubblicazione delle opere promosse dall'associazione, principalmente antologie a tema che vedono la partecipazione di numerosi autori soci dell'associazione, quali: Vista da noi , racconti ambientati a Firenze, (Porto Seguro,2016); Squi-libri , racconti delle autrici socie sui nuovi generi letterari, (Porto Seguro, 2017); Je t’aime moi non plus , antologia sull’amore riservata agli autori soci (Porto Seguro, 2017); La gioia di vivere , libro d'arte curato dalla sezione arti visive, che raccoglie 25 opere di pittura e fotografia commentate da altrettante composizioni letterarie, racconti brevi o poesie (Casa editrice A.L.A. di Livorno, 2019); nel 2021 sono stati pubblicati due volumi: il primo, Accadeva in Firenze Capitale – Racconti storici dal 1865 al 1871, raccolta di quindi autori soci che hanno raccontato le vicende di quel periodo e il fermento che si viveva in città in quegli anni; il secondo, Gente di Dante , in occasione del settecento anni dalla morte di Dante Alighieri, racconti che vedono in qualche modo protagonista il sommo poeta e tutto ciò che gravitava intorno a lui.

Tra le varie iniziative organizzate e promosse dal GSF sono da ricordare: nel 2019, con l’obiettivo di sensibilizzare i giovani alla scrittura, il concorso a tema S port Storytelling , la bellezza di raccontare lo sport , patrocinato dal Comune di Firenze e dalla Regione Toscana, al quale hanno risposto giovani provenienti da tutta Italia; il Premio ARTWORK , competizione artistica internazionale, rivolta a artefici di qualsiasi età nell’ambito delle opere pittoriche, scultoree e tecniche miste, con la premiazione dei vincitori nella Biblioteca delle Oblate di Firenze; nel 2021, in collaborazione con l’Associazione Arte Bellariva e il Comune di Firenze, la mostra delle opere collettive del Premio ARTWORK si è tenuta dal 3 al 17 ottobre nella Sala dei Marmi del Parterre di Firenze, con la partecipazione di molti autori, con una sezione appositamente dedicata ai giovani artisti dai 15 ai 25 anni.

L’iniziativa che principalmente qualifica il Gruppo Scrittori Firenze, fondamentale per lo sviluppo della cultura e per diffondere nelle persone l’amore per la scrittura e per la lettura è senz’altro il Premio Letterario "Città sul Ponte", giunto alla ottava Edizione , quest’anno con suddivisione in due settori, quello di poesia (scarica qui il bando), presieduto da Carmelo Consoli, presidente della Camerata dei Poeti di Firenze e quello dedicato alla narrativa (scarica qui il bando).

Il Premio dedicato alla narrativa è presieduto dal giornalista e scrittore Paolo Ciampi , il coordinatore generale è Carlo Menzinger di Preussenthal , i componenti della Direzione e Segreteria Organizzativa sono Cristina Gatti , Antonella Cipriani e Raffaele Masiero Salvatori . Le sezioni del premio dedicato alla narrativa sono: sezione A (racconti a tema libero), coordinatrice Ada Ascari ; sezione B (romanzo edito da casa editrice), coordinatrice Maria Gloria Messeri; sezione C (romanzi editi self-publishing), coordinatore Gianni Marucelli ; sezione D (romanzi inediti), coordinatrice Maila Meini ; sezione E (monologo teatrale), coordinatore Daniele Locchi , con la collaborazione per la giuria valutatrice dei testi del Teatro del Legame; sarà offerta, previa autorizzazione dell’autore, la possibilità di una futura rappresentazione scenica del testo.

I premi in denaro relativi alle varie Sezioni (vedi il bando del concorso) sono offerti dal Gruppo Scrittori Firenze, in collaborazione con il Gruppo Editoriale Tabula Fati, la Carmignani Editrice, goWare Edizioni, la Tipografia La Nuova Calducci e Scrittoriitaliani.net. Gli autori delle opere classificate in tutte le Sezioni del Premio riceveranno: un buono per un anno di abbonamento al sito www.scrittoriitaliani.net con uno spazio dedicato per la propria attività letteraria e la possibilità di accedere ai servizi offerti; un buono del valore di € 10 per l’acquisto di libri ed e-book editi da goWare; un libro edito dal Gruppo Editoriale Tabula Fati o un buono di analogo valore per acquisto di libri del medesimo, che verranno consegnati durante la premiazione di tutte le opere vincitrici che avrà luogo a Firenze entro il 31 dicembre 2023.

Oltre ai premi di Giuria e ai premi per Menzione Speciale, numerosi i premi collaterali : il vincitore della Sezione B (romanzo edito) parteciperà di diritto al Premio Letterario Toscana, edizione 2024, che vedrà competere i romanzi vincitori dei maggiori Concorsi Letterari toscani dell’anno precedente, sulla base di una giuria composta da librerie e giornalisti toscani; saranno inoltre assegnati: il “Premio della Critica”, il Premio “Il migliore in libreria” e il primo Premio assoluto “Il libro dell’anno”.

Tutte le foto sono relative alla Premiazione dell'Edizione 2022 alla Biblioteca delle Oblate di Firenze

e sono gentilmente concesse da Raffaele Masiero Salvatori.

IL SEGNALIBRO DELL'ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Fri, 03 Mar 2023 18:38:56 GMT

COME LA SABBIA DEL DESERTO

romanzo di Vincenzo Sacco,

presentato da Chiara Novelli

alla Maglieria di Daisy di Firenze

Giovedì 2 marzo 2023 alla Maglieria di Daisy, negozio di abbigliamento femminile in Via Domenico Cirillo a Firenze, Chiara Novelli ha presentato Come la sabbia del deserto , di Vincenzo Sacco, scrittore sia di racconti che di romanzi, come questo che è il suo primo romanzo, pubblicato da Porto Seguro qualche anno fa e che ha ottenuto il secondo premio al Concorso Letterario “La città di Murex” nel 2016, oggi ripubblicato dalla Casa Editrice A.L.A. di Livorno.

Vincenzo Sacco è nato a Napoli , ha lavorato presso un Ente Pubblico di Ricerca di Firenze come ingegnere , e da una decina d’anni si è dedicato a tempo pieno a quella che probabilmente è la sua passione di sempre, la scrittura. Ha frequentato alcuni corsi di scrittura creativa per affinare la tecnica, ma il talento c’era già , quello non s’insegna, ce l’hai nel sangue come dono oppure non ce l’hai; Vincenzo ce l’ha e lo ha dimostrato subito, ottenendo riconoscimenti e premi partecipando con i suoi racconti a numerosi concorsi letterari.

Gli altri romanzi sono: L’uguaglianza delle ossa (A.L.A. Libri), opera dove compare come protagonista il Commissario Francesco Filangieri, che ha ottenuto nel 2018 il secondo premio al Concorso Letterario “Città di Ladispoli” per la sezione “Gialli”. L’altro giallo, pubblicato nel 2020 sempre con A.L.A. Libri, è Ballata di morte nel Devon . Vincenzo è molto attivo anche nei social e nelle associazioni . Tra le varie attività e i numerosi incarichi ricordiamo: presidente del Gruppo Scrittori Firenze, che si occupa di formazione e assistenza per gli scrittori; socio-presidente della Casa Editrice A.L.A. di Livorno; coordinatore del Premio letterario “La Città sul Ponte”.

Sfogliando le prime pagine o leggendo la sinossi di Come la sabbia del deserto si potrebbe pensare che l’autore sia un archeologo oppure uno storiografo, ma Vincenzo non è né l’uno né l’altro, è semplicemente un ingegnere che si è imbattuto per caso in una scoperta archeologica che secondo lui, avrebbe dovuto essere di grande importanza e notevole risonanza, e invece, misteriosamente, per molto tempo, è passata sotto silenzio. Vincenzo Sacco non dimentica di essere uno scrittore di gialli e quindi ama indagare, si è appassionato a questa storia e ha voluto scrivere il romanzo per rispondere ad alcune domande, a fare luce – come dice lui – su alcune stranezze.

L’antefatto è la scoperta di una tomba che appare inviolata da millenni , scavata nella roccia nella Valle del Cedron, detta anche Valle di Josafat, nel versante est della Città Santa di Gerusalemme per merito di due grandi studiosi dell’archeologia ebrea, Eleazar Lipa Sukenik e il suo assistente Nahman Avigad, che riportano alla luce e catalogano con minuzia di particolari undici antichi ossari e poche suppellettili di scarso valore.

La prima domanda che si fa Vincenzo Sacco è perché la scoperta e il resoconto dei ritrovamenti viene pubblicato in una rivista scientifica del settore da Avigad – Sukenik era morto nel 1953 - soltanto nel 1961, più di vent’anni dopo il ritrovamento? La seconda domanda è perché, nonostante la tomba fosse inviolata e contenesse undici ossari, nell’articolo di Avigad non si parla di ritrovamento di resti umani? Oggi sappiamo che due ossari riportano l’iscrizione in greco “Simone il Cireneo, padre di Alessandro e Rufo” Chi sia Simone ce lo dicono gli evangelisti Matteo e Luca, che lo indicano come colui che aiutò Gesù a portare la croce fino al luogo della Crocifissione .

Vincenzo Sacco si chiede perché i due studiosi abbiano atteso così tanto tempo prima di pubblicare quella che poteva essere una sensazionale scoperta e poi hanno omesso di menzionare il ritrovamento degli ossari. Il libro va avanti proprio come un romanzo giallo, nel tentativo di risolvere il mistero, con lo stile appassionate e carico di suspence che contraddistingue l’autore, già provetto scrittore di romanzi gialli, solo che qui, muovendoci nel mondo della storia e non della fantasia, non è facile trovare la soluzione del mistero, dato che anche gli studiosi ancora non lo hanno trovato. E qui, nasce un ulteriore stranezza: perché soltanto pochi archeologi hanno indagato su questa tomba del Cireneo Simone, l'ultimo dei quali, uno studioso americano, all’inizio degli anni duemila, ha dichiarato che ormai non si possono più fare indagini perché sopra la tomba ci hanno costruito un lussuoso condominio.

Dopo aver ascoltato alcuni brani letti da Chiara Novelli che è riuscita a trasmettere ai presenti una grande emozione, concludiamo con le parole di Vincenzo Sacco : “Per tutte le altre domande, quelle cioè sulla effettiva attribuzione della tomba al Cireneo Simone, mi rimetto alla Storia, quella con la S maiuscola, e alle piccole storie di uomini, come quelle che ho voluto raccontare nel mio romanzo: la storia di una famiglia vissuta nel primo secolo, quella di due studiosi ebrei contemporanei e, infine, quella di una tomba scoperta nel 1941. Una cosa, per certo, ho imparato dallo studio di questa vicenda: gli archeologi di tutto il mondo, come ho scritto nella dedica, hanno un compito arduo, tanto importante quanto difficile da assolvere: raccontare il nostro passato con lo scopo di capire il presente e immaginare il futuro”.

IL SEGNALIBRO DELL'ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

Mon, 13 Feb 2023 11:33:45 GMT

ANJA E DOSTOEVSKIJ A FIRENZE

di Nicoletta Manetti

non è un saggio storico, né un romanzo, è semplicemente un bel libro.

Giovedì 9 febbraio 2023, alle ore 17.00, nella splendida cornice delle sale della Biblioteca Marucelliana a Firenze, Nicoletta Manetti, autrice di Anja e Dostoevskij a Firenze , a colloquio con le storiche Giovanna Checchi e Vincenza Bordenca, mentre il noto attore Stefano Gragnani ha letto alcuni brani tratti dal libro.

Anja e Dostoevskij a Firenze non è un saggio di 400 pagine pieno di note a margine, di cui è ricca la bibliografia storico-critica del noto scrittore russo; è semmai un agile libretto con il quale Nicoletta Manetti prende per mano il lettore lo accompagna per le strade, le pensioni, le case, le parrocchie, le istituzioni culturali fiorentine alla ricerca del passaggio di Dostoevskij e della sua giovanissima moglie Anja. Cosa non facile per la mancanza di documenti, sia perché la famosa coppia ha vissuto in incognito nel territorio fiorentino, sia perché la memoria storica è stata purtroppo ingrata con il grande scrittore russo (per esempio, la catena alberghiera internazionale, attuale proprietaria della pensione dove nel 1866 soggiornò per un breve periodo la coppia russa, è del tutto ignara del passaggio dell’autore de L’idiota , romanzo che è stato finito di scrivere a Firenze).

Nicoletta Manetti si è comportata da storica (riporta numerose lettere e altri documenti), da detective (è andata personalmente alla ricerca del passaggio dello scrittore da Firenze) e da ottima narratrice qual è, perché ha legato tutte le tessere in un quadro generale avvincente, di piacevole lettura, esaustivo da un punto di vista storico e letterario. Arduo impegno perché Dostoevskij e sua moglie Ania avevano scelto il fermo posta per non dare indicazioni dei loro recapiti, cambiavano continuamente le case e le pensioni, non riuscivano a pagare le rette sempre più care, perché Firenze era capitale d'Italia e tutti i prezzi erano schizzati alle stelle, le dimore erano fredde e umide in inverno, caldissime e afose in estate, non interessava loro avere rapporti con i fiorentini, non parlavano una parola d’italiano, una vera e propria comunità russa ancora non c’era a Firenze, la chiesa ortodossa è stata costruita nel 1899, l’unica era una cappella privata nella villa dei Demidoff a San Donato, troppo distante per loro.

Presentare Anja e Dostoevskij alla Biblioteca Marucelliana è stato per me un vero e proprio viaggio nel tempo. Ricordo quando da studente, ormai qualche decennio fa, varcavo quel portone in Via Cavour a Firenze, quando non avevo lezione alla vicina Facoltà di Scienze Politiche di Via Laura, la prima immagine che mi trovavo davanti, che mi è rimasta scolpita nella memoria, è quella della statua lapidea della Minerva situata in una nicchia nello scalone dell’atrio d’ingresso.

Entrare in quelle maestose sale, con le altissime pareti con gli scaffali in legno d’epoca, ricoperte di libri, vedere il grande orologio che tutto sovrasta, i lunghi tavoli, con le lanterne sopra, le sedie, tutto come allora, subito mi è tornata alla memoria l’atmosfera, il silenzio, la concentrazione dello studio, a volte interrotta, data la mia età, per il passaggio di qualche bella ragazza. Lo confesso, una sensazione di grande nostalgia, per la giovinezza, l’età più bella dell’uomo, me nessun rimpianto, quello è il passato, il presente invece è la presentazione che non voglio perdermi del libro di Nicoletta Manetti.

Questo soggiorno di Dostoevskij a Firenze tra il novembre 1868 e il luglio dell’anno seguente , nel momento in cui Firenze era capitale d’Italia, era stato preceduto da una breve visita di una settimana nell’estate del 1862 insieme all’amico filosofo e critico letterario Nikolaj Nikolaevič Strahof, a seguito delle pressioni di molti intellettuali russi, soprattutto del suo amico e rivale Turgenev, tutti testimoni delle bellezze fiorentine a seguito di molti viaggi che si stavano diffondendo in quel periodo, soprattutto grazie alla diffusione delle guide turistiche dell’editore tedesco Baedeker, precursore ottocentesco del turismo di massa.

Dostoevskij non era certo un turista di quel genere, venne a Firenze in incognito, per sfuggire all’editore del momento che lo pressava per la consegna de L’idiota, ai creditori che in patria non lo lasciavano mai in pace, al vizio del gioco, a tutta una serie di problematiche piuttosto pesanti. Così il periodo fiorentino, pur tra mille difficoltà, che Nicoletta Manetti ha ricostruito con la pignoleria del ricercatore mai sazio di informazioni, è stato un momento di assoluta felicità per Fëdor Michajlovič Dostoevskij.

Felicità la cui artefice assoluta è la moglie Anja , per questo Nicoletta Manetti ha voluto mettere il suo nome davanti a quello del marito nel titolo del suo libro. L’importanza del ruolo salvifico di Anja assume una rilevanza notevole alla luce del fatto che la giovanissima allieva, prima della classe di stenografia, consigliata dagli amici di Dostoevskij mentre stava scrivendo Il giocatore , fu profondamente innamorata del marito, lo ha guidato, protetto, consolato, spronato al punto che gli storici letterari, e Nicoletta Manetti con loro, sono convinti che non avremmo avuto le opere successive a L’idiota, se Anja, non fosse sempre stata al suo fianco, avesse combattuto insieme a lui molte battaglie, le avesse fatto da angelo custode, lo avesse assistito durante le crisi epilettiche. Ma la cosa più importante è che Anja sia riuscita a sconfiggere il demone più pericoloso, più devastante, quello del vizio del gioco. Anja ha avuto anche velleità di scrittrice, ma l’unico libro che ha pubblicato è stato Dostoevskij mio marito , una biografia edulcorata e mitigata di una moglie devota che giustifica tutto del marito, ma che è una fonte inesauribile per capire lo scrittore russo.

Nicoletta Manetti, che non è di parte come la moglie Anja o la figlia Liubov, da brava ricercatrice, vuole andare più a fondo e s coprire quale sia le verità e si chiede se Firenze per Dostoevskij fu un paradiso o un inferno? Probabilmente entrambi. Qui la lettura del libro assume i sapori del romanzo giallo . Molte le tessere da comporre per avere il quadro generale della verità. Inferno per una serie di cause: le crisi di epilessia; l’angoscia per il tempo che non era mai sufficiente per scrivere; il clima avverso anche per uno come Dostoevskij che è stato dieci anni in Siberia; le difficoltà per la religione ortodossa, non riconosciuta dai preti cattolici che gli negavano anche le messe in memoria della prima figlia morta, ma soprattutto il denaro che non bastava mai, gli anticipi dell’editore che non arrivavano, addirittura sarà costretto a impegnare la biancheria per pagare le pigioni.

“La povertà non è un vizio, ma la miseria, l’indigenza è vizio.

Nella povertà voi conservate ancora la nobiltà dei vostri sentimenti innati;

nella miseria, invece, nessuno mai la conserva”

(Fëdor Michajlovič Dostoevskij)

Scrive il 27 maggio all’amico A.N.Majkov: “L’afa è spaventosa, la città è soffocante e arroventata, abbiamo tutti i nervi a pezzi, cosa che fa male soprattutto a mia moglie… en attendant ci affolliamo in una camera minuscola che dà sul mercato. Questa Firenze mi ha stancato, ora stretti come siamo e con questo caldo, non riesco neppure più a lavorare. In generale, ho addosso un'angoscia tremenda, soprattutto a causa dell'Europa, qui guardo tutto come una belva in gabbia. Ho deciso di tornare a Pietroburgo a qualunque costo entro la prossima primavera, anche se dovessero incarcerarmi per debiti.

Firenze fu anche paradiso perché la solitudine fiorentina ha isolato ma anche cementato ulteriormente l’unione tra Anja e Fëdor, come scrive la figlia Liubov , concepita proprio durante il periodo fiorentino e nata a Dresda due mesi dopo che i Dostoevskij avevano lasciato Firenze: “I miei genitori erano molto felici a Firenze. Mi sembra che sia stato il periodo più armonioso della loro luna di miele. Mio padre amava molto l’Italia; diceva che il popolo italiano gli ricordava quello russo” . Oppure, le giornate passate al Vieusseux, unico luogo pubblico dove sia documentata la permanenza di Dostoevskij, dato che ha pagato l’abbonamento, per leggere le riviste russe ogni giorno, una necessità, per rimanere in contatto con il proprio paese, al punto da prendere pensione nei dintorni del Vieusseux; le passeggiate , consigliate dal medico per la salute psico-fisica, a braccetto di Anja al Giardino di Boboli, dove resta stupito per la fioritura delle rose a gennaio. Un momento di sollievo quando a Firenze arriva maman , la suocera, per assistere la figlia Anja in gravidanza; scrive Nicoletta Manetti: “Tanta era l'ansia e la paura di ritrovarsi da soli al momento del parto, che Anja scrisse a sua madre di raggiungerli. Era legatissima a maman. E anche Fëdor aveva simpatia sincera per Maria Anna Snitkina, quella suocera garbata e colta di soli nove anni più vecchia di lui. Inoltre, le sue origini svedesi le conferivano una certa riservatezza che rendeva la convivenza più semplice, sebbene così costretta. Solo con molta tolleranza ed educazione era possibile vivere in tre persone in spazi tanto angusti. Lei, per rispetto del genero che non riusciva a scrivere, era quasi sempre fuori casa, tra botteghe, mercato e commissioni”.

Per capire se Firenze è stata per Fëdor Michajlovič Dostoevskij inferno o paradiso , non ci resta che concludere con le parole di Nicoletta Manetti: “ Insomma, cosa è stata Firenze per Dostoevskij? Paradiso o inferno? Felicità o infelicità? Credo che, come per tante altre occasioni della sua vita, potremmo trovare né I demoni, la risposta: «Accanto alla felicità, un uomo ha bisogno anche di altrettanta infelicità». La vera felicità la si prova solo se si è provata l'infelicità. Lui l'aveva sperimentato più volte: gioia pura era stata quella provata quando all'ultimo momento il plotone di esecuzione aveva ricevuto l'ordine di non sparargli. O la nascita di Liubov, dopo avere provato lo strazio della perdita di Sonja. O avercela fatta a consegnare in tempo un manoscritto quando era parso impossibile. O avere vinto la schiavitù del gioco. Così anche per Firenze: più gli alloggi erano umidi o soffocanti, più godeva delle passeggiate e dei cieli azzurri quando erano azzurri o del fiume che non ghiacciava mai. Più soffriva l'isolamento, più stringeva il suo legame con Anya e alimentava dentro di sé quel misticismo che lo avrebbe portato alle opere successive. In questa città, incantato dalla Madonna della Seggiola e dalla Porta del Paradiso, ebbe la gioia di concepire un figlio e la terribile paura di perderlo. Firenze rimane comunque forse l'unica città europea di cui lo scrittore conserva ricordi piacevoli. Per dirla con lui, quindi, a Firenze in quegli otto mesi, il grande Dostoevskij forse ha trovato tutta l'infelicità e la felicità di cui aveva bisogno. In egual misura.

Ultimi giorni per la mostra NEL TUO TEMPO di Olafur Eliasson al Palazzo Strozzi di Firenze

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 17 Jan 2023 21:59:42 GMT

Vivi Nel tuo tempo , immergiti nelle atmosfere rinascimentali del Palazzo Strozzi di Firenze, per interagire con le opere appositamente collocate dall’artista danese Olafur Eliasson.

Se volessimo considerare criteri filologici rigidi, la mostra Nel tuo tempo non può essere considerata una retrospettiva antologica, dato che Olafur Eliasson e il curatore Arturo Galansino hanno scelto soltanto alcune opere, non certo in maniera esaustiva, ma significative per marcare il percorso creativo dell’artista, disposte secondo le possibilità offerte da un edificio antico, complesso, particolare come Palazzo Strozzi. Questa esigenza è l’aspetto più interessante , ma anche la criticità della mostra. Da una parte, vedere le luci e le ombre riflesse attraverso le finestre e nelle stanze dell’antico palazzo rinascimentale, poter interagire con la posizione e il movimento del corpo del visitatore, ha il suo fascino, notevole e unico, soprattutto quando l’arte non è soltanto visione, ma anche azione. Dall’altra, il visitatore, che niente o poco conosce dell’arte di Eliasson, si confronterà con un percorso non organico che scarsamente aiuta a comprendere in ottica diacronica lo sviluppo dei suoi lavori artistici.

L’idea che l’artista aveva in mente è quella che ha espresso nel testo scritto per il catalogo, cioè quella di concepire Palazzo Strozzi “ non tanto come un ospite passivo, come uno sfondo, o persino un contenitore per l’esposizione, ma piuttosto come un co-produttore della mostra stessa ” dopo aver compiuto “ un viaggio nel tempo dalla sua origine nel Rinascimento come palazzo di proprietà della potente famiglia degli Strozzi, al suo odierno ruolo di spazio che accoglie centri di ricerca e mostre ”. La prima opera che il visitatore incontra nel cortile, Under the weather , è una metafora di questo incontro tra palazzo e visitatori: una grande ellissi sospesa che, attraverso l’effetto moiré (quello che si ottiene sovrapponendo due trame uguali con angolatura diversa), ha lo scopo di determinare sullo spettatore “ uno spiazzamento percettivo attraverso un gioco di interferenze visive ” per destabilizzare “ l’impressione della rigida architettura ortogonale di Palazzo Strozzi, mettendo in discussione la sua percezione di struttura storica stabile e immutabile ” come dice Galansino nel suo testo sul catalogo della mostra.

Nelle prime tre sale del piano superiore, si trovano opere molto simili tra loro. La prima che s’incontra è Triple seeing survey ed è forse l’opera più sorprendente: la luce proiettata dai faretti sistemati nel cortile filtra attraverso i finestroni di Palazzo Strozzi e crea come dei doppi riflessi sulla parete, con la riproduzione anche di tutte le irregolarità dei materiali. La sala viene trasformata in una sorta di loggia coperta, l’aspetto dell’ambiente viene pesantemente alterato, dove domina l’oscurità come in una galleria. Nella sala successiva si trova Tomorrow: il principio è simile, ma la luce viene da fuori ed è colorata attraverso appositi filtri per offrire al pubblico la suggestione di un’alba o di un tramonto, con una sensazione di lieve straniamento, perché il visitatore può scorgere le ombre delle persone che si trovano dall’altra parte dello schermo, senza capire come accedere a questo secondo spazio, finché non si spingono più avanti lungo il percorso espositivo.

Le rimanenti sale presentano alcune installazioni storiche e altre recenti di Eliasson, creando un percorso coinvolgente tra nuove realizzazioni e opere storiche che utilizzano elementi come il colore, l’acqua e la luce per creare un’interazione con nostri sensi e lo spazio rinascimentale dove sono ospitate, sempre esaltando il ruolo del pubblico come parte integrante delle opere.

Si comincia con How do we live together , il grande arco montato su specchio appeso al soffitto che da un lato offre l’illusione di un enorme anello che occupa la sala, e dall’altro estende lo spazio fisico col mezzo della riflessione per mezzo di un grande specchio, offrendo un’ulteriore sensazione di spiazzamento al pubblico. Si prosegue con una serie d’installazioni luminose: Solar compression, Red window semicircle e Triple window conducono all’interno di ambienti dove faretti proiettano luci colorate nello spazio creando effetti diversi e sorprendenti. Si incontra uno spettacolare passaggio - Beauty , una delle prime opere di Eliasson, oltre che tra i suoi lavori più originali – nel quale, al centro di una sala cupa, una pompa crea una nebbia artificiale su cui si riflette un arcobaleno che cambia secondo la percezione del pubblico, che si muove all’interno dell’ambiente, con l’obiettivo, spiega lo stesso Eliasson, “ di oscillare avanti e indietro tra due posizioni: vedere l’arcobaleno, non vedere l’arcobaleno, vedere e non vedere”. Le ultime due sale del piano nobile, ospitano le caleidoscopiche installazioni Firefly double-polyhedron sphere experiment e Colour spectrum kaleidoscope , per terminare nella Room for one colour, una stanza che ci accoglie con un’accecante luce gialla.

Eliasson è artista interessato a tematiche quali il cambiamento climatico, l’inclusione, il rapporto con gli altri. Queste opere nuove, realizzate site specific , se le si considerano da un punto di vista esclusivamente artistico, senza caricarle della valenza dovuta al luogo che le contiene (proprio perché legate all’edificio sono opere che non rivedremo mai più, se non in una seconda mostra di Eliasson a Palazzo Strozzi) probabilmente deluderanno chi, dalla mostra fiorentina, s’aspettava nuovi lavori fortemente innovativi, in grado d’imprimere un’ulteriore svolta al lavoro di Eliasson, sotto la spinta delle urgenti contingenze del nostro tempo attuale.

Nel corso degli anni – dice Olafur Eliasson – nel far arte, ho costantemente esplorato questioni riguardanti lo spazio, il tempo, la luce e la società. Sono particolarmente interessato a come la luce di uno spazio determini il modo in cui vediamo quello spazio e, allo stesso modo, a come la luce e il colore siano effettivamente fenomeni dentro di noi, dentro i nostri occhi.

L’arte di Olafur Eliasson si basa su tre fattori: quello ottico, causato da fenomeni puramente ottici; quello percettivo, generato dalla fisiologia dell’occhio umano; quello cognitivo, dovuto all’interpretazione che il cervello dà alle immagini. Il continuo interagire di questi tre fattori determina l’approccio con cui, secondo l’artista, lo spettatore si pone di fronte alle sue opere. Le opere ci invitano a divenire consapevoli - dice – dei nostri corpi, delle nostre menti, delle nostre emozioni, a guardare dentro di noi per riflettere sul modo in cui vediamo, in cui ci moviamo, su come trascorriamo il tempo con l’arte.

Per concludere, se vogliamo chiederci quale sia il nostro tempo rispetto al valore concettuale dell’arte di Eliasson, dopo aver visitato la mostra di Palazzo Strozzi, alla ricerca di un possibile significato complessivo, possiamo azzardare questa risposta: per Eliasson, il nostro tempo è anzitutto un tempo condiviso, fatto di percezioni individuali, ricordi, pensieri ma anche percezioni collettive, implica una riflessione sul concetto di “noi globale” sul quale l’artista ha spesso lavorato in passato, ma che adesso dichiara di voler rielaborare alla luce del fatto che eccedere nelle universalizzazioni potrebbe essere poco ragionevole oltre che poco adatto a rispondere alle sfide del presente. Probabilmente è su queste idee concettuali che si orienterà in futuro il lavoro di Eliasson.

L’artista islandese-danese Olafur Eliasson (1967) lavora con la scultura, la pittura, la fotografia, i video, le installazioni e i media digitali. La sua arte è guidata dal suo interesse per la percezione, il movimento, l’esperienza vissuta, i propri sentimenti e quelli della comunità. La sua pratica non si limita ai confini dei musei e delle gallerie e coinvolge il pubblico attraverso progetti architettonici, interventi negli spazi pubblici, azioni di educazione artistica, sociale e ambientale. Dal 1997 le sue mostre personali di ampio respiro sono state ospitate nei principali musei di tutto il mondo. Situato a Berlino, lo Studio Olafur Eliasson riunisce un ampio gruppo di artigiani, architetti, archivisti, ricercatori, amministratori, cuochi, storici dell’arte e tecnici specializzati.

Tutte le immagini sono della digital artist Helene Weifner

che si ringrazia per la gentile concessione.

IL SEGNALIBRO DELL'ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Sun, 15 Jan 2023 19:39:26 GMT

OGNI TEMPESTA HA LA SUA FINE

giallo psicologico, opera prima di Barbara Vallotti, con un'originale cifra stilistica

L’editoria, anche quella che conta, segue con molta attenzione gli esordienti , coloro che per la prima volta pubblicano un romanzo, indipendentemente dalla loro età, anche se lo scouting si concentra maggiormente, per evidenti motivi di marketing e commerciali, sui giovani.

D’altra parte, la critica letteraria non sembra invece moto interessata agli esordienti, se non è il sistema del marketing editoriale a fornirle gli strumenti (uffici stampa con comunicati, influencer, blogger, articoli preconfezionati dai comunicatori professionisti) necessari per poter fare una critica di un certo spessore.

Occuparsi, quindi, di un’esordiente come Barbara Vallotti, che si cimenta in un genere per niente facile come il giallo, significa tentare l’onesta e sincera strada dell’ approfondimento letterario senza i condizionamenti del sistema o del mercato editoriale.

Se alla critica attribuiamo, come dovrebbe essere, non il compito di far vendere di più, bensì quello di ampliare lo sguardo su un testo , contestualizzandolo con lo spirito del tempo oppure mettendolo in connessione con altri scritti dello stesso genere, alla ricerca dei punti forti o delle debolezze, allora significa fare un lavoro che non soltanto aiuta il lettore a barcamenarsi nella difficilissima scelta fra migliaia di titoli, ma anche l’autore per migliorarsi sempre di più, libro dopo libro, se ha intenzione di continuare in questa strada piena di curve e di salite.

Perché recensire il libro dell’esordiente Barbara Vallotti che di mestiere non fa la scrittrice, ma il medico in geriatria e gerontologia e attualmente si occupa di riabilitazione neuromotoria e ortopedica? Perché, tra le settanta-ottantamila novità che ogni anno vedono la luce tra gli scaffali delle librerie italiane, leggere proprio Ogni tempesta ha la sua fine ? Non è facile scoprire come mai un libro ti finisce tra le mani e poi cominci a sfogliarlo e infine lo leggi e, per quanto mi riguarda, lo porto anche a termine, dato che faccio parte di coloro che hanno adottato i diritti del lettore di Daniel Pennac; quindi, se un libro non mi piace, lo abbandono. Questo di Barbara Vallotti l’ho invece letto fino in fondo, con una certa voracità e quando mi sono alzato dalla tavola sono rimasto soddisfatto, ho mangiato bene.

Gli ingredienti con cui la scrittrice ha cucinato il suo piatto sono semplici, non sono elaborati, per questo sono genuini, per questo la lettura non risulta mai pesante, ma le pagine scorrono con leggerezza e ogni capitolo è strutturato in modo perfetto, sia ai fini della comprensione della trama, che a quelli dello svolgimento dell’intreccio, in un sapiente mix di salti temporali in avanti e indietro, che non soltanto hanno il pregio di tenere il lettore inchiodato alla lettura e suscitano in lui il senso del voltapagina , ma hanno anche lo scopo di dispiegare, con gradualità ma con estrema chiarezza, le personalità dei vari personaggi.

La trama è quella del romanzo giallo, dove in partenza si scopre il corpo senza vita del medico Patrizia Navarro, negli spogliatoi di un ospedale della città di Firenze. L’inchiesta ha due protagonisti, ognuno con il proprio punto di vista spesso divergente che, non a caso, porteranno a uno scontro. Quello di Vanessa Benedetti, collega della vittima, che insieme al personale medico dell’ospedale, dapprima farà di tutto per tentare la rianimazione del corpo senza vita della collega, con il risultato però di inquinare eventuali indizi e presentare il luogo delle indagini contaminato, all’altro protagonista, il commissario Alexander Martini, che parte dal presupposto che la morte di Patrizia Navarro, non sia dovuta a cause accidentali.

La relazione tra il medico Vanessa Benedetti e il commissario Alexander Martini sarà centrale per tutto il romanzo. Grazie alla loro ritrovata sintonia, ognuno porterà una tessera del puzzle, necessaria per la ricostruzione definitiva dei fatti e per la risoluzione del mistero. La bravura dell’esordiente Barbara Vallotti, che dimostra invece di aver assimilato molto bene le regole strutturali del genere giallo, è quella di presentare una tessera alla volta , analizzarla da ogni punto di vista e poi sistemarla al posto giusto, senza incertezze. Il lettore ha così, man mano che va avanti nella lettura, un quadro molto limpido di come sono andate le cose, di quali personaggi hanno alibi di ferro e quindi non possono essere coinvolti, di quali invece hanno elementi di stridore o di oscurità e che li colloca nel novero dei sospettati.

Il pregio maggiore dell’opera sta nel finale , un vero e proprio colpo di scena. Le tessere del mosaico sono andate, nel corso dello svolgimento della storia, tutte al loro posto, ma ne mancano alcune, piccolissime, impercettibili, un‘inezia di indizi, che soltanto alla fine troveranno sistemazione. Come scintille, piccole, ma luminosissime, che incendiano tutto il romanzo, lo risolvono e ne fanno la sua bellezza e la sua carica attrattiva verso il lettore, finale imprevisto e imprevedibile. L'autrice ci delizia con un perfetto esempio di come devono davvero finire i romanzi gialli.

Altro grande pregio di Barbara Vallotti è la cifra stilistica , molto particolare, quasi rivoluzionaria a livello di struttura narrativa. Il romanzo vive di frasi principali, quasi del tutto assenti le subordinate, spesso alla fine della frase c’è il punto e il capoverso. Il risultato stilistico può non piacere, a volte il lettore ama perdersi nel mare delle parole e fare prolungate nuotate fra le frasi più o meno lunghe, predilige vagare tra ipotassi e paratassi. Questo modo di scrivere di Barbara Vallotti non è per niente un punto debole o una superficialità, piuttosto è strumentale per due elementi, importanti e caratteristici del romanzo di genere giallo: la chiarezza e il ritmo . La chiarezza è necessaria perché Ogni tempesta ha la sua fine non è un thriller, con scene d’azione all’americana, bensì un romanzo psicologico, dove le personalità dei personaggi, in tutte le loro sfaccettature, sono determinanti per la risoluzione del mistero; le frasi brevi sono strumentali anche per il ritmo, che è incalzante per tutto il libro, altro grande pregio del romanzo di Barbara Vallotti, che non solo non ti annoia, ma sempre ti sorprende e ti invita alla continuazione della lettura fino all’ultimo rigo.

Lo stile di Barbara Vallotti non ammette una lettura in un'unica direzione , ogni capitolo ha ben chiaro il punto di partenza, ma non quello di arrivo, sarà necessario un altro capitolo perché si faccia nitidezza nella storia. È uno stile che cresce e si sviluppa su se stesso, pagina dopo pagina, e così facendo crea una fitta serie di strati di interpretazione delle personalità dei vari personaggi, procede con parole-chiave, segni particolari, punti fermi dei quali il lettore non può fare a meno. Ogni tempesta ha la sua fine è anche un’opera prodiga di messaggi che trovano la loro spiegazione e il contesto più attivo in altri messaggi, un lavoro di scavo nelle personalità dei personaggi, condotto con maestria dall’autrice, certa di arrivare alla soluzione, ma prima di giungere in superficie, gioca a rituffarsi nelle più attraenti gallerie psicologiche , nelle quali si fa strada a forza di intuizioni e deviazioni. Si possono fare incontri interessanti in queste gallerie piene di personaggi.

Insomma, dapprima mi chiedevo che cosa mi ha spinto a leggere Ogni tempesta ha la sua fine di Barbara Vallotti tra tutti i nuovi romanzi usciti in Italia nel 2022, ancora non ho la risposta, forse il caso, forse qualche elemento imperscrutabile, quello che mi sento di affermare con certezza è che non mi pento di averlo letto, che sento di consigliarlo e infine che adotterò un altro tra i diritti dei lettori espressi da Daniel Pennac, quello di rileggere un libro quando ti è piaciuto, perché la rilettura di un testo che abbiamo amato è stimolante e permette di entrare ancor più in empatia con lo scrittore e la sua opera.

LE PERLE DELL’ARTE DEL 2022 Gli affreschi della Cappella Brancacci visti dal ponteggio del restauro

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 03 Jan 2023 18:19:06 GMT

Per una volta, l’allestimento di un cantiere è stata cosa molto gradita e, paradossalmente, ci si augura che duri il più a lungo possibile.

Si tratta di quello che si trova nella Cappella Brancacci, piccolo gioello all’interno della Chiesa del Carmine, in Oltrarno a Firenze , descritto dal pittore neoclassico Jean-Auguste-Dominique Ingres come “vera culla della pittura”. Episodio tra i più alti dell'arte di tutti i tempi, gli affreschi della Cappella Brancacci sono anche una potente sintesi dell'evoluzione della pittura fiorentina quattrocentesca .

I visitatori hanno potuto accedere ai ponteggi allestiti per il cantiere di diagnostica e restauro attivo per tutto il 2022 e ammirare così, per la prima volta da distanza ravvicinata, dallo stesso punto di vista dei pittori, gli affreschi di Masaccio, Masolino da Panicale e Filippino Lippi, commissionati dal mercante Felice Brancacci negli anni Venti del Quattrocento. Il restauro non è ancora finito, quindi potremo ammirare gli affreschi da vicino anche per quest’anno.

Sulle pareti della Cappella Brancacci, sopravvissuta al devastante incendio del 1771 che distrusse quasi completamente la Chiesa del Carmine, viene raffigurato un ciclo pittorico che rappresenta una delle più complete storie della vita di San Pietro , ispirandosi alle vicende tratte dai Vangeli, dagli Atti degli Apostoli e dalla Legenda Aurea. L’importanza e la fama della cappella si devono soprattutto al contributo di Masaccio che, seppur giovane pittore scomparso a soli ventisette anni, fu l’artefice di una nuova visione nel campo della pittura all’inizio del Quattrocento. Masaccio collaborò alla pari con Masolino, pittore più anziano di lui, poi il ciclo rimase incompiuto e venne portato a termine, una cinquantina di anni dopo, da Filippino Lippi, che ebbe anche il compito di risarcire alcuni volti che erano stati cancellati per oscurare la memoria della committenza di Felice Brancacci, caduto in disgrazia per contrasti con la più potente famiglia Medici.

La scena più celebre dell’intero ciclo, significativa per illustrare la travolgente novità della costruzione prospettica di Masaccio, è quella del Tributo. L’episodio, raccontato nel Vangelo di Matteo, viene qui illustrato attraverso tre momenti all’interno della stessa scena, che non vengono però raffigurati tutti in primo piano. Masaccio, infatti, colloca il momento del miracolo vero e proprio in secondo piano, in prossimità del lago dove si trova il pesce in cui Pietro recupera la moneta d’oro. Per bene interpretare questo episodio bisogna osservare i gesti e gli sguardi dei personaggi, cosa possibile soltanto dal ravvicinato punto di vista, permesso dal ponteggio del cantiere. Una scena in cui la natura e l’architettura si fondono in uno spazio prospettico che ci mostra chiaramente come Masaccio sia riuscito a gestire in maniera inedita ed eccellente la dimensione spaziale. È possibile, cosa più difficile se si resta al piano terra, osservare le aureole, non più piatte e astratte, rispetto al contesto, ma ideate e riprodotte come oggetti concreti che fendono lo spazio circostante. La luce, elemento centrale nella pittura di Masaccio, è rappresentata nell’affresco come fosse proveniente dall’apertura realmente presente nella muratura della cappella e, di conseguenza, le ombre vengono dipinte tenendo conto di questo aspetto.

Molto agevole è il confronto, celebrato in tutti i libri di storia dell’arte, tra le due scene raffiguranti Adamo ed Eva, una dipinta da Masolino e l’altra da Masaccio. La Tentazione è più rovinata rispetto alla Cacciata e quindi il confronto forse non può essere completo e sincero fino in fondo, ma è sufficiente osservare come vengono raffigurati Adamo ed Eva per comprendere l’orizzonte di ciascuno dei due artisti. Quelle raffigurate da Masolino sono figure composte ed eleganti, la morbidezza della loro carne è resa dal pittore con un leggero chiaroscuro, mentre la loro fierezza è espressa attraverso gli sguardi orgogliosi, che si possono ben notare grazie alla vicinanza con l’affresco. Nella Cacciata del Masaccio i corpi trasmettono la vergogna e il dolore provati per mezzo dei gesti e delle espressioni, soprattutto nel volto di Eva, ma pure in quello di Adamo, anche se si copre il volto con le mani. Masaccio conferisce alle rappresentazioni dei suoi uomini e delle sue donne una grande personalità, fatta di forti emozioni e di specchiati sentimenti.

Osservando da vicino i personaggi delle altre scene, notiamo che ognuno ha una sua spiccata personalità, una dignità proveniente dalla consapevolezza di essere protagonista degli avvenimenti in cui si trova coinvolto, una composta coscienza della propria presenza nello spazio circostante. Nella pittura di Masaccio la composizione è ridotta all’essenza, ma è proprio grazie a quell’essenzialità di linea e di volume che riesce a raffigurare l’uomo nella sua grandezza e a portarlo al centro della scena. Masolino, legato al gusto della pittura tardogotica, ancora dominante nell’ambiente fiorentino, come elemento importante della sua concezione pittorica si sofferma, invece, sulla rappresentazione dei dettagli, non soltanto dei personaggi ma anche delle architetture. Soltanto grazie al ponteggio del cantiere che permette un’osservazione da un punto di vista molto ravvicinato, è possibile ammirare in tutta la loro raffinata ricchezza una grande varietà di dettagli.

Secondo il Vasari, la Cappella Brancacci avrebbe avuto un’importanza fondamentale nella storia dell’arte, influenzando molti pittori delle generazioni successive, che si sono formati con l’attenta osservazione delle pareti di questa cappella e nelle sue Vite ne riporta un nutrito elenco, affermando che tutti coloro che si erano esercitati ed avevano studiato in quella cappella erano diventati “eccellenti e chiari”.

LE PERLE DELL'ARTE DEL 2022 Le celebrazioni per i 140 anni del David alla Galleria dell'Accademia di Firenze

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 27 Dec 2022 22:27:42 GMT

Una delle celebrazioni più importanti che si sono tenute nel corso dell’anno che sta per chiudersi è stata quella dei 140 anni dalla realizzazione della Tribuna del David di Michelangelo.

Il 22 luglio del 1882 la più famosa statua di Firenze, per garantire una maggiore tutela, evitare i continui cambi di sede e a causa di una serie di disavventure (prima un fulmine, poi il braccio rotto, infine una martellata sul piede), venne spostata dalla sua sede davanti a Palazzo Vecchio, all’interno di un impianto basilicale neo-brunelleschiano, appositamente progettato da Emilio De Fabris , autore della facciata ottocentesca del Duomo. Al suo posto venne collocata una copia di Luigi Arrighetti , che ancora oggi simboleggia l’antica funzione di protettrice delle libertà fiorentine, così come l’originale.

Le celebrazioni per i 140 anni del David alla Galleria dell’Accademia hanno visto come protagonisti alcuni conferenzieri , che hanno ripercorso la storia e l’importanza artistica della statua, ma anche alcuni musicisti di fama internazionale che hanno tenuto concerti all'interno della Tribuna del David. Tra tutti spicca, invitata dalla direttrice della Galleria dell'Accademia Cecilie Hollberg, il 27 giugno 2022, Patty Smith, la prima rockstar a esibirsi a fianco del David, non con un concerto vero e proprio, bensì con “un intimo reading musicale e letterario” come lo ha definito, lei che è stata in carriera prima poetessa e successivamente cantante.

Oltre a interpretare alcune sue canzoni più famose, Patti Smith ha reso omaggio al genio letterario di Michelangelo leggendo alcune sue Rime . Si è esibita accompagnata dal figlio Jackson Smith alla chitarra, dalla f iglia Jesse Paris Smith al pianoforte e dal loro caro amico Tony Shanahan al basso. "Sono felice ed onorata di essere in questo luogo magnifico, in questo luogo di bellezza, per celebrare il grande Michelangelo, e tutti i grandi maestri della scultura e della pittura che rendono più bello il nostro mondo" ha detto Patricia Lee Smith, in arte Patti Smith, nata il 30 dicembre 1946 a Chicago. Cantautrice e poetessa , nella sua carriera di oltre quaranta anni ha lasciato la sua inconfondibile cifra stilistica nel genere musicale punk, diventandone l'icona; ha attraversato il mondo in tutte le sue forme d'arte, con la musica, la fotografia, la poesia, i romanzi, la pittura e la scultura, lasciando un segno indelebile in ogni sua espressione. Amata, discussa, potente e idealista , è un vero e proprio mito del rock, che continua a rinnovarsi attraverso la scrittura e a catturare anche le generazioni più giovani con l'intensità visionaria della sua forza artistica e interpretativa.

Il David ha rappresentato un punto di svolta per la vita e la carriera di Patti Smith, che non ha mai nascosto la sua passione per le opere di Michelangelo. Patti, fisico minuto, esile, apparentemente fragile, si sente forte come il David che sfida il gigante Golia, molto più potente di lui: con le sue canzoni sfida il gigantismo dello star system americano criticandone i valori che incarna. Per questo il David le è rimasto sempre nel cuore, per questo volle venire a Firenze a esibirsi, per questo quel 10 settembre 1979 sarà una delle date per sempre impresse nella sua memoria .

Quello di Patti Smith del 10 settembre 1979 a Firenze fu il primo dei concerti epocali che segnò il ritorno del rock in Italia . Per anni questo genere di musica era proibito in Italia a causa dei disordini durante i concerti, gli sfondamenti per non pagare il biglietto, oltre al pesante clima per il terrorismo rosso e nero che dilagava. Le band più famose disertavano il nostro paese per motivi di ordine pubblico. Nel 1971 i Led Zeppelin, loro malgrado, furono coinvolti in un disastroso concerto al Vigorelli di Milano, in cui la polizia rispose nella maniera peggiore, caricando e sparando lacrimogeni. Dopo solo ventisei minuti di concerto, gli Zeppelin furono costretti a ritirarsi in camerino, il palco fu devastato e gli strumenti musicali saccheggiati. Il leader del gruppo, Robert Plant, dichiarò che i Led Zeppelin non sarebbero più tornati a suonare in Italia e così fu anche per molti altri artisti rock. Nel 1979 Patti Smith, invece, decise di esibirsi prima a Bologna e poi a Firenze, rompendo l’isolamento in cui l’Italia si era confinata. Patti Smith, abituata fino a quel momento a un pubblico di poche migliaia di spettatori, si trovò improvvisamente di fronte alle 70.000 persone delle tribune e del prato dello Stadio Comunale di Firenze. Gli spettatori, in crisi di astinenza da rock per la mancanza delle grandi stelle del rock dai palchi italiani, si aspettavano una guerriera anarchica, ma si trovarono di fronte un’artista che parlava di cambiamenti a livello spirituale, sventolava sul palco la bandiera americana simbolo del capitalismo e inneggiava a Papa Luciani. In un clima incredibile, fu un concerto straordinario per il coinvolgimento del pubblico, nonostante Patti Smith si esibisse in un palco di piccole dimensioni, con un modesto impianto audio, nessun effetto speciale, assolutamente niente di paragonabile alle faraoniche produzioni di oggi.

In quel 10 settembre 1979, Patti arrivò presto a Firenze e, come d'abitudine, usci per strada per camminare. Voleva andare all'Accademia “alla ricerca degli schiavi di Michelangelo” e, invece, trovò migliaia di ragazzini accampati nelle strette vie del centro che la riconobbero e la inseguirono. Lei fuggì terrorizzata, rientrò all’hotel Minerva, non è come i Beatles, abituata alle attenzioni da rockstar. Patti Smith è una rockstar, ma ha sempre avuto attorno a sé un tipo diverso di frenesia, fatta di ammirazione, stima, amore, rispetto. Quel pomeriggio, all’hotel Minerva di Firenze, prima del concerto, non solo è distrutta, ma sembra che stia per crollarle addosso tutto quello che lei rappresenta, o meglio quello che gli altri credono che lei rappresenti. Si fece portare al concerto, “in uno stadio da calcio, lontano chilometri da Michelangelo”. Per lei, il David ha rappresentato il Rinascimento nell’arte, lo stadio sarà il capolinea della poesia. Quando arrivò, fu accolta da una marea di agenti di polizia in tenuta antisommossa. La tensione era alle stelle, si temeva che scoppiasse qualcosa di molto vicino a una guerra civile. Patti fece domande, voleva capire, gli agenti le risposero che i giovani contestano ogni cosa, anche senza sapere il perché. Patti ebbe paura, poi fece una cosa che nessuna rockstar aveva mai fatto: si avvicinò alla moltitudine di poliziotti che la proteggevano e chiese loro di pregare con lei. Poi, rinfrancata, salì sul palco.

All’inizio, tutto funzionò perfettamente, il clima fu straordinario, c’era tensione ma non successe nulla di particolarmente pericoloso, nonostante la massiccia presenza di giovani dichiaratamente, come una larga frangia della Sinistra, antiamericani. La polizia aveva decisamente sconsigliato Patti di issare la bandiera americana sul palco, ma lei si era consultata con il fratello Todd e decise di farlo egualmente. Non si limitò a quello: disse esplicitamente al microfono di essere orgogliosa di essere una figlia dell’America. La maggior parte del pubblico applaudì, ma in molti la fischiarono, la tensione salì fino al livello di guardia. Partì “My Generation” , il brano con cui Patti chiudeva solitamente i concerti, ma stavolta decise che serviva qualcos’altro, serviva un gesto fortemente simbolico, così scelse “You Light Up My Life”, una canzone di Debbie Boone, la figlia di Pat. È una dichiarazione d’amore , un ringraziamento alle persone che hanno acceso la sua vita. Il concerto finì, ma la tensione rimase ad appesantire l'aria fiorentina. Mentre tornava in albergo, Patti Smith disse: “Ne ho abbastanza, è finita”. Stupita e sopraffatta da quella moltitudine assetata di vibrazioni che l’hanno soffocata, si ritirerà dalle scene per nove lunghi anni. Questa volta il Golia aveva schiacciato il David. Firenze e il suo David hanno segnato un punto di svolta significativo nella vita di Patti Smith.

Qui di seguito i link alle Conferenze che si sono tenute alla

Galleria dell’Accademia

per le celebrazioni dei 140 anni della tribuna del David:

ALDO CAZZULLO

Firenze, patria morale degli italiani

CRISTINA ACIDINI

Travi e rotaie. Il trasporto del David alla Galleria nel 1873

FELIPE PEREDA

Torrigiano, uomo fiero, artista superbo

A NATALE REGALA UN LIBRO E SOSTIENI L’AISM

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 20 Dec 2022 19:22:51 GMT

L’ evento culturale è stato organizzato domenica 18 dicembre da Puzzle Book in collaborazione con AISM Firenze e Jazz Bistrot. Pensato per offrire un’occasione d’incontro tra scrittori e lettori che hanno potuto scegliere, tra un vasto assortimento di libri, i regali di Natale per amici e parenti e fare così una donazione all’AISM (Associazione Italiana Sclerosi Multipla).

Lo spazio letterario è rimasto aperto dalle 11.00 alle 13.00 e ha permesso agli scrittori presenti di usufruire del palco per parlare della loro attività letteraria e presentare le loro ultime opere . Il pubblico ha avuto la possibilità di parlare con gli scrittori, conoscerli e farsi consigliare direttamente da loro uno o più libri. Non sono naturalmente mancati le opportunità, per chi ha acquistato un libro, di ricevere l’autografo e la dedica dell’autore , oltre a un bel pacchetto regalo per poter mettere il libro sotto l’albero di Natale. Inoltre, da non dimenticare che, per ogni libro venduto, 2 euro sono stati devoluti alla sezione provinciale di Firenze dell’ AISM , per le attività di sostegno alle persone malate di sclerosi multipla, una malattia che affligge 2,8 milioni di persone nel mondo e 133.000 solo in Italia.

Gli scrittori che hanno aderito, portando con sé varie tipologie di opere letterarie (romanzi, antologie di racconti, poesie e saggi) sono stati davvero moltissimi, al punto che l’organizzatrice dell’evento, Alessandra Cafiero della Puzzle Book, ha dovuto superare sé stessa per riuscire a dare a tutti il giusto spazio e l’adeguata visibilità, ma a giudicare dal successo dell’iniziativa, apertamente riconosciuto da autori e pubblico, è riuscita perfettamente nel suo intento . Del resto, è già nota la competenza e il prestigio della Puzzle Book , agenzia letteraria che offre strategie di comunicazione per scrittori, traduttori, librerie, case editrici e per chiunque graviti attorno al mondo della lettura e della letteratura, oltre a un luogo digitale di riflessione sulla filiera del libro.

Paolo Ciampi , Mirko Tondi , Vincenzo Sacco , Denata Ndreca , Cosimo Mazzini, Andrea Calugi, Melissa Turchi, Veronica Rosini, Francesca Cerreto, Mario Pini , Candiano Calvelli, Donatella Bellucci , Massimo Ferrini, Marina Berti, Giovanna Giunti, Gianluigi Ciaramellari, Andrea Ciappi, Leonardo Giani, Marisa Salabelle, Nicoletta Manetti , Leonardo Gori , Eva Agostinelli, Paolo Orsini , Melania Ciampolini, Laura Tabegna, Laura Tredici, tutti questi hanno preso parte all’iniziativa hanno presentato le loro opere e hanno dialogato con il pubblico, nella suggestiva e accogliente atmosfera del Jazz Bistrot in Via Aretina a Firenze.

Per quanto mi riguarda, ringrazio Alessandra Cafiero che mi ha dato l’opportunità di presentare la mia antologia di racconti Scintille di oscurità , raccolta di storie scritte tra il 2017 e il 2018. Allora avevo affrontato, in modo ironico e surreale, ansie e paure che alcun i personaggi delle storie vivevano quotidianamente, le stesse ansie e paure che purtroppo tutti noi abbiamo vissuto con la pandemia e la guerra in Ucraina. Dato che mi sono sembrate storie terribilmente attuali, ho deciso di ripubblicare la raccolta, con l’aggiunta di nuovi racconti.

LA FESTA DI FINE ANNO DEL GRUPPO SCRITTORI FIRENZE

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Mon, 19 Dec 2022 23:08:19 GMT

Sabato 17 dicembre, nella sala dei Marmi del Parterre a Firenze si è tenuta la festa di fine anno del Gruppo Scrittori Firenze, che si è svolta con tre momenti distinti e particolari, che hanno caratterizzato la vita sociale e culturale dell’Associazione, come hanno molto bene illustrato i due conduttori dell'evento, Cristina Gatti e Carlo Mensinger

Una prima parte ha visto protagonisti alcuni scrittori del Gruppo che hanno potuto utilizzare il palco della sala per presentare la loro attività letteraria e i loro ultimi titoli; la seconda parte è stata il pezzo forte della giornata, con la rappresentazione, a cura di Nicoletta Manetti, con la regia di Alessandro Imondi, de LE SCONFINATE – da Antigone a Amy Winehouse . Le autrici dei racconti, raccolti nell’omonima antologia, si sono alternate sul palco per la lettura dei brani, in un’atmosfera suggestiva e carica di emozione. Infine, la terza parte è stata all’insegna dell’allegria e della festa: i numerosi soci presenti in sala hanno prima stappato le bottiglie di spumante per farsi gli auguri, poi hanno potuto gustare un ricco buffet e infine si sono scatenati nel rock and roll della band di Nicola Ronchi che ha divertito tutti quanti con le proprie cover fino a tarda ora.

Molti gli scrittori che si sono alternati sul palco per la presentazione dei loro libri. Alba Avarello ha fatto un’approfondita analisi storica per spiegare l’avversione a ogni forma di tirannia del suo Francesco Burlamacchi ; Donatella Bellucci , che scrive sotto lo pseudonimo di Clara J.Vanni ha presentato il thriller ambientato al sole dei Caraibi Il caso MiTech ; poi è stata la volta di Antonella Cipriani che ha raccontato come la sua attività letteraria sia stata segnata dalla disavventura per essere stata una delle persone coinvolte nel naufragio della Costa Crociera, da cui ne ha tratto un libro appassionante e carico di emozione Più lontano dal mare , ma ha ricordato anche la sua ultima raccolta di racconti Qualcosa di molto serio ; Camilla Cosi , prolifica autrice al suo terzo romanzo, ha incuriosito con l'attraente trama di Doppio inganno , storia basata sulla domanda della protagonista Giulia, diciotto anni di inquietudini e ribellioni, che non riesce più a tenersela dentro: perché suo padre se n'è andato quando era solo una bambina? Paolo Dapporto è forse uno dei più prolifici autori d’Italia, ha all'attivo più di 36 romanzi, basati sui suoi ricordi fin dai tempi in cui era un bambino, una vita dedicata alla scrittura. Nicoletta Manetti con il saggio Anja e Dostoevskij a Firenze ha indagato, da vero e proprio detective, la vita, gli spostamenti, gli incontri di Fedor Dostoevskij e la sua giovane moglie Anja quando soggiornarono otto mesi a Firenze, dal novembre 1868 al luglio 1869, nel periodo di Firenze Capitale d’Italia. Carlo Menzinger di Preussenthal autore specializzato in romanzi di genere ucronico, ha illustrato il suo nuovo progetto di antologia di racconti tratti dalla sua opera Psicosfera. L’iraniana Manna Parsì , ci ha parlato dei suoi libri di racconti e di poesia, ma con il cuore trafitto dalla sofferenza per le drammatiche vicende che stanno martoriando il suo paese di origine. Brunetto Magaldi, ingegnere edile in pensione, ha presentato la raccolta di racconti Viaggio intorno al mio appartamento , storie che con semplicità ironica toccano gli aspetti più profondi del nostro animo e della nostra quotidianità. La poetessa Giovanna Zantedeschi ha letto alcune sue poesie tratte dal volume La vita è amore, liriche dove l’amore sgorga con passione o con delicato trasporto.

Per quanto mi riguarda, ringrazio gli organizzatori del Gruppo Scrittori Firenze, che mi hanno dato la possibilità di presentare la mia ultima raccolta di racconti Scintille di oscurità , edito dalla Casa editrice ALA di Livorno e da poco in distribuzione in tutte le librerie online. Ho avuto anche l’opportunità di leggere un brano da Le illustrissime vite del Vasari al tempo del coronavirus , una raccolta di racconti comici che ho scritto parte durante il lockdown e parte quest’anno, quando l’ansia per i terribili momenti della pandemia sono passati e si è potuto scherzarci su. Il pubblico si è divertito nel sentire cosa si scrivono due amiche irriducibili no-vax come Emma Bovary e Anna Karenina che ho riportato in vita al tempo del covid, così come molti altri personaggi che fanno parte della raccolta.

Ho deciso di non pubblicare l’antologia ma di regalare il pdf con il libro completo a chi mi scrive a info@orsinipaoloscrittore.com e ne fa richiesta.

Il palco è stato poi occupato dalle autrici dei racconti raccolte nell’antologia Le sconfinate edito nel 2022 da Carmignani. Chi sono le Sconfinate? Si legge nella nota della curatrice del volume Nicoletta Manetti: Disubbidienti, figlie di Antigone. Per amore, per vendetta, per una passione tale da scompaginare ogni regola. Donne fuori e oltre ogni schema, che hanno rotto i vetri della convenzione, non importa se nel bene o nel male. Sconfinate, letteralmente “senza confini” capaci di contenerle. Donne in cui, la passione, il carattere, il fuoco dell’arte, la follia hanno rotti gli argini, tanto cari ai benpensanti di ogni epoca e paese. Un coro di quindici voci femminili diverse, senza freni né pudori, che si incontrano. È Antigone, maestra della disubbidienza, che invita altre “sconfinate” a raggiungerla nel bosco sacro, perché si raccontino. Donne libere nel profondo, che hanno accolto la verità del proprio sé, degli ideali, delle passioni, del corpo, raggiungendo consapevolezze spesso dolorose, donne il cui l’“andare oltre i confini” ha lasciato aperture di pensiero e di strade, ha fatto scaturire versi, dipinti, ha urlato diritti civili.

Hanno dato vita al reading teatrale, sapientemente mixato dalle musiche di Alessandro Imondi, esibendosi a turno con la lettura dei loro racconti: Anita Fabbri, Nicoletta Manetti, Cristina Gatti, Antonella Cipriani, Caterina Perrone, Gabriella Bucherelli, Manna Parsì, Rosalba Nola, Alessandra Del Lungo e Laura Morotti.

Se vuoi vedere il video della performance de Le Sconfinate

https://youtu.be/i0TsHSS4JQA

Infine, come già anticipato, la serata è proseguita con l’allegria della band di Nicola Ronchi e il ricco buffet, durante il quale c’è stata l’opportunità per i soci e gli ospiti di brindare e di scambiarsi gli auguri natalizi.

ll Gruppo Scrittori Firenze si è costituito quale Associazione Culturale nel 2016 ereditando esperienza, passione e obiettivi da alcuni gruppi di scrittori che avevano condiviso esperienze letterarie comuni. Attualmente associa più di settanta scrittori e fornisce loro assistenza e supporto nelle varie attività letterarie, come per esempio il Premio Letterario “ La Città sul Ponte ”, per narrativa edita, inedita e poesia, giunto alla sua settima edizione nel 2022, e il Premio internazionale per le arti visive "ARTWORK" dedicato alla pittura, alla scultura e le arti figurative. Partecipiamo inoltre, quali membri del Comitato Promotore, insieme alle principali associazioni culturali del territorio, al Premio Letterario Toscana, rivolto ai romanzi editi già premiati nei concorsi, il cui scopo è la designazione del “Libro dell’anno”, eletto da una giuria composta da librerie e giornalisti.

Nel 2021 sono stati completati due importanti progetti editoriali, tra quelli che si sono succeduti a partire dal 2016 a cadenza più o meno annuale. Si tratta di due antologie di racconti storici.

Il primo progetto, “Accadeva in Firenze capitale. Racconti storici dal 1865 al 1871” (Carmignani editore, aprile 2021), è un’antologia illustrata di narrativa storica e saggistica, dedicata al periodo, costituendo un doveroso tributo alla gloriosa storia della città di Firenze. Il volume è un contributo culturale importante che si rivolge non soltanto ai fiorentini, ma anche alle amministrazioni locali e a tutte quelle entità che potranno favorirne la diffusione.

Il secondo progetto è invece dedicato al Sommo Poeta nell’anno della commemorazione dei 700 anni dalla sua morte. Nell’ambito dei numerosi festeggiamenti a livello nazionale anche il Gruppo Scrittori Firenze ha voluto ricordare il Dante nostrum con il volume “Gente di Dante” (Tebula Fati Editore), antologia di narrativa e saggistica pubblicato a settembre 2021, in occasione dei 700 anni dalla morte del Sommo Poeta.

Il 2022 ha invece visto l’uscita dell’antologia “Le sconfinate” (Carmigani Editore) sulle donne che nella storia hanno superato i limiti, i confini.

Il 30 giugno 2022 si è conclusa la raccolta di racconti per un nuovo volume di racconti al femminile, dedicato questa volta alle donne dell’immaginario letterario, cinematografico, del fumetto, dell’opera o di altre forme espressive, Le Immaginate che sarà di prossima pubblicazione.

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BIBLIOTECA COMUNALE DI VILLA BANDINI FIRENZE Presentazione dell'antologia di racconti SCINTILLE DI OSCURITA'

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Sun, 04 Dec 2022 19:54:01 GMT

Venerdì 2 dicembre alle ore 17.00 nella Sala Paradiso della Biblioteca Comunale di Villa Bandini a Firenze ho avuto l’onore di presentare la mia ultima antologia di racconti SCINTILLE DI OSCURITÀ avvalendomi della collaborazione di Eva Tonietti che ha moderato la presentazione e dell’attrice Linda Luzzi che ha letto alcuni brani.

Perché Scintille di oscurità ? Un po’ perché mi piace letterariamente giocare con gli ossimori , un racconto è intitolato Convergenze divergenti ; soprattutto perché tutte le mie storie partono da una da una situazione oscura di crisi, da una negatività che avvolge e cristallizza la vita dei miei personaggi. Poi, all’improvviso, scocca la scintilla , il cui innesco può essere stato il caso, o la volontà di riscatto, o la fortuna che passa proprio in quel momento. Alcuni personaggi restano inchiodati al loro passato, non si avvedono della buona sorte che li ha sfiorati, hanno timore del cambiamento e restano prigionieri del loro presente insoddisfacente, ma rassicurante. Altri personaggi, invece, consapevoli dello stato di oscurità che li avvolge, desiderosi di cambiamento, approfittano della scintilla loro capitata per cambiare la vita, in una sorta di rivincita che li fa rinascere migliori e orientati al futuro .

Questa nuova antologia raccoglie alcuni racconti che ho scritto tra il 2017 e il 2018 e che avevo pubblicato con il titolo La grande rivelazione. Ho deciso di rivederli, correggerli, ampliarli e farne una nuova edizione, con l’aggiunta di nuovi racconti, perché le tematiche che erano attuali in quegli anni, oggi lo sono ancora di più. Secondo le indagini demoscopiche fatte tra il 2017 e il 2018 emergeva che buona parte della società italiana si sentiva inchiodata in una disincantata sfiducia verso il futuro visto carico di ingiustizie, di precarietà, di disuguaglianze sociali. Oppure, percepiva l’ansia derivante da alcune paure, reali o soltanto percepite, paure che sono impersonificate dal panfobico personaggio del racconto Il giardino delle rose. In questo racconto, ideato nel 2017 ho volutamente esagerato, per fare dell’ironia, la quantità e soprattutto la gravita di queste angosce. Purtroppo, oggi, dopo il periodo della pandemia e con la guerra in Ucraina, quel racconto è stato incredibilmente profetico , anche se avrei voluto, con tutto il cuore, essermi sbagliato sulle mie previsioni. Sarebbe stato bello rimanere nel piano dell’invenzione letteraria, nel registro comico e surreale, ma la realtà ha purtroppo superato la fantasia.

Sono molto grato a Eva Tonietti , che cura la serie d’incontri ARTISTIcaMENTE tenuti periodicamente alla Biblioteca Comunale di Villa Bandini. È andata in profondità con le domande per scoprire gli spunti autobiografici, ha reso evidenti i temi e le problematiche alla base delle storie, ha messo in risalto le mie influenze letterarie (quella del mio maestro Stefano Benni è evidente, a cui devo la cifra stilistica e l’amore per l’ironia), ha moderato l’incontro con competenza e eleganza .

Scintille di oscurità raccoglie 15 racconti di vario genere letterario, dal comico al drammatico, dal romantico all’erotico, dal surreale all’impegnato su un tema civile di una certa importanza, dal fantastico al soprannaturale. Insomma, un bel minestrone con molti ingredienti diversi ma sapientemente amalgamati da un unico filo conduttore, quello della rivincita, del riscatto, del desiderio di lasciarsi alle spalle il disincanto o l’ingiustizia.

Il racconto, a differenza del romanzo, permette questo continuo oscillare tra un genere e l’altro , i cambiamenti di registri lessicali, è più adatto a riportare l’immediata emozione dell’autore percepita nel momento dell’ideazione del testo. E queste emozioni non sono sempre le stesse, anzi variano di continuo: ognuno di noi non si sente mai allo stesso modo, l’umore cambia, le prospettive variano, i desideri si accendono e poi si spengono. Non so se sono riuscito a trasmettere sulla carta questi sentimenti, queste sensazioni, però ci ho provato e già il fatto di cimentarmi in questo sforzo mi riempie di gioia e di soddisfazione.

Leggere e interpretare questi racconti, proprio per la loro diversità di genere e di registro narrativo non credo sia cosa facile. Linda Luzzi , attrice professionista di teatro e di televisione, che per amicizia ha risposto al mio invito senza pretendere nulla in cambio, se non un sincero e affettuoso abbraccio, è riuscita perfettamente nell’intento, vista la partecipazione e l’attenzione del pubblico durante le sue letture. Riconosco che un testo, quando è letto e interpretato da un professionista, assume un valore e un’attrazione molto maggiore , per questo sono molto grato a Linda per la sua partecipazione.

Altri racconti sono stati pensati e realizzati per esaltare l’ironia con la leggerezza del registro comico . È il caso de La finestra aperta , che racconta cosa può succedere durante una notte di afa estiva in un popolare rione fiorentino come quello di San Frediano, dove abito da oltre vent’anni. Oppure, cosa può succedere durante un Capodanno persiano , quando la festa può degenerare per uno scontro di culture tra i componenti della famiglia. E chissà cosa succederà al Gentile ospite che ha la sventura di prendere una camera in un albergo dove c’è un particolare cartello di “avvertenze” attaccato sulla porta della camera.

L’ironia è comunque sempre presente , in forme più o meno spiccate, in quasi tutti i racconti, perché credo che il modo migliore di trattare tematiche drammatiche e impegnative sia quello della leggerezza e della semplicità. In alcuni racconti non ho potuto scherzare, perché i temi toccano sensibilità delicate e sarebbe stato irrispettoso per chi, magari, ha avuto la sventura di un approccio drammatico di quel tipo. È il caso de Il gemito dell’orchidea che tocca il tema dell’aborto, o di Un penny per i tuoi pensieri che parla di solitudine e di suicidio, in questi racconti il genere surreale ha stemperato la drammaticità della storia, riportando il respiro del racconto a una frequenza meno alterata.

Che cosa c’è di autobiografico in questi racconti? In quello sull’aborto, per evidenti ragioni, non c’è l’esperienza personale ma soltanto quella riportata da chi lo ha vissuto; in tutte le altre storie gli spunti autobiografici sono moltissimi. Ho voluto però rimanere fedele al registro narrativo, lasciarmi trasportare dalla fantasia, tentare di non scadere mai nell’autobiografismo che non sarebbe interessato a nessuno. Così i personali ricordi, le esperienze vissute, i sentimenti e le emozioni provate si sono dilatati, trasformati, modificati seguendo un percorso puramente narrativo. In molte storie mi sono lasciato trascinare dal piacere di essere guidato dalla fantasia, ho percorso strade e sono giunto a traguardi che, all’inizio della storia, non avevo minimamente immaginato. Credo che questo sia uno dei piaceri più sottili e intriganti che ti concede la scrittura, il gusto di lasciarsi inghiottire dalle storie, comandare dai personaggi con la loro vita propria, autonoma da quella dell’autore.

Ho scritto quindi per il piacere di scrivere, ma ho voluto anche mantenermi fedele a una tematica di base che accomuna tutte le storie: quella che ognuno di noi è padrone del proprio destino, nel bene o nel male, di solito inestricabilmente combinati insieme. Occorre essere in grado di riconoscere e approfittare di quelle rare scintille che qualche volta investono la nostra esistenza e avere così l’opportunità di incendiare la vita di rinnovato entusiasmo e di felicità.

Trovi Scintille di Oscurità in tutte le migliori librerie online

LIBRERIA UNIVERSITARIA

IL SEGNALIBRO DELL'ORSO Recensioni di narrativa e poesia, di autori noti e scrittori emergenti

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 25 Oct 2022 10:43:54 GMT

PAPPAGALLINI BRILLANTI

raccolta di poesie di Donatella Cheri

Lascia che la vita accada,

mostri la sua vera energia,

ci divori come una tigre maculata

stupisca come un’alba!

( poesia Tigre di Donatella Cheri)

Nella splendida cornice del Giardino delle rose , a Firenze, tra un panorama mozzafiato e le suggestive opere di Folon, Donatella Cheri ha presentato la scorsa settimana la sua silloge poetica Pappagallini brillanti . Alcune poesie di Donatella sono state lette dal poeta Massimiliano Bardotti , interpretate con i gesti danzanti di Sylvia Zanotto e accompagnate dal flauto della stessa Donatella, per completare scenograficamente un suggestivo pomeriggio di tardo sole autunnale.

"Il titolo della raccolta di Donatella Cheri si ricollega alla sua poetica: una leggerezza di fondo che permette di affrontare i problemi con una certa serenità. Questo non significa dimenticare la serietà di situazioni e drammi esistenziali, ma reagire consapevolmente di fronte alle difficoltà, quasi, a passo di danza. In molte liriche vengono introdotte metafore ricche di un’armonia che suscita delicate emozioni" (dalla prefazione di Alessandro Quasimodo).

In effetti, le poesie delle tre sezioni in cui è suddivisa la raccolta – Riflessioni riflesse, Mestieri, Giochi di bambina – arrivano alla mente del lettore con la soavità del suono del flauto, di cui Donatella è abile musicista, creando movimento e ritmo, quando utilizza versi brevi e diretti, influenzata dal grande maestro Ungaretti, oppure stimolano la riflessione e l’incanto, quando si addentra in tematiche più complesse che richiedono il più ampio susseguirsi delle strofe.

Questo è il secondo libro di Donatella, dopo Ladro di peperoni del 2019, che nasceva, come dice l’autrice, dal primo endecasillabo da lei ascoltato ancora bambina, scritto dal padre, che aveva reagito con una poesia alla tensione emotiva dopo aver subito un furto.

In tutte le liriche prevale un puro e genuino sentimento, che Donatella sa evocare molto bene, riflesso di un vissuto gioioso e sereno, frutto di una calma interiore che le permette anche, non solo, di dominare le passioni quando occorre disincanto, per avere uno sguardo indagatore, lucido e consapevole. Questa dualità di ragione e sentimento, fa della poesia di Donatella un insieme completo ed esauriente di sguardi sia sul mondo, con le sue tragedie e i suoi slanci amorosi, oppure di riflessioni su se stessa, sul proprio mondo interiore popolato di fantasmi, ma anche di squarci luminosi.

La cifra stilistica che predomina nei due sguardi, quello verso il mondo esterno, indagato anche attraverso l’osservazione di usi e costumi di popoli lontani, e quello verso il proprio mondo interiore, è quello della serenità, della compostezza, dell’attesa misurata, della leggerezza, che emerge sempre, anche nei passi più difficili e drammatici.

La poesia diventa così, armonia musicale, messaggio leggero, soave, da trasmettere agli altri e per gli altri, quasi una missione per Donatella, una rivelazione sbocciata improvvisamente qualche anno fa, “una secchiata d’amore, in un giorno di vacanza di qualche anno fa” come racconta Donatella.

Ed è proprio questa “secchiata d’amore” che ti arriva addosso leggendo le sue poesie, ma non infradicia, anzi stimola e risveglia in noi pensieri e riflessioni, per permetterci di affrontare, con più slancio e consapevolezza, le complesse problematiche del mondo di oggi.

L'IMMOBILE ENERGIA DELLA FORMA la pittura di Oscar Ghiglia

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Thu, 20 Oct 2022 10:44:06 GMT

Oscar Ghiglia, con l’opera Natura morta con vaso Copenaghen e calle , è stato uno dei protagonisti alla XXXII Edizione della Biennale Internazionale dell’Antiquariato di Firenze tenutasi a Palazzo Corsini dal 24 settembre al 2 ottobre 2022

Si è conclusa a Firenze, nelle sale del Palazzo Medici Riccardi, l’importante mostra Oscar Ghiglia – Gli anni del Novecento. Se non hai fatto in tempo a visitarla, trovi qui un’ampia rassegna delle sessanta opere, provenienti da prestigiose collezioni private e da istituzioni pubbliche come la Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti, presenti in mostra.

Oscar Ghiglia (1876-1945) è pittore nato e cresciuto a Livorno, trasferitosi a Firenze per seguire l’amico Giovanni Fattori. La sua prevalente toscanità non gli ha impedito di assorbire le influenze artistiche europee, in particolare quelle di Cezanne. In seguito, ha sviluppato una cifra stilistica del tutto personale, culminata nella serie delle nature morte, alla ricerca di forme e colori nitidi e ordinati, allo stesso tempo enigmatici e simbolici, una sorta di “poesia muta” immobile ma anche fremente di vita.

La pittura è fondata unicamente sulla legge del saper trovare il tono giusto in un colore e costringerlo nel suo giusto spazio. (Oscar Ghiglia)

Bisogna crearsi una vita antica

per voler restare nel nostro tempo

(Oscar Ghiglia)

La mostra prende avvio dagli anni 20 quando Ghiglia, tornato a Firenze dopo la grande guerra, si trova allineato al diffuso clima del cosiddetto “ritorno all'ordine”. Alcune opere iconiche dei due decenni precedenti, come il Gomitolo rosso (1908) o la Tavola imbandita (1908), mostrano come nella pittura di Ghiglia la forma sia concepita come “assoluta” e acquisisca energia e intensità proprio dalla sua immobilità. Tale ricerca prosegue negli anni, arricchendosi di stimoli francesi tardo impressionisti in tele come Alzata con arance (1915-1916), opera ferma e fremente, concreta e astratta a un tempo, in anticipo rispetto a tanta arte nazionale. Il grande Autoritratto del 1920 segna idealmente l'avvio di un percorso costellato di episodi dove reminiscenze di Cezanne, spiritualità evocativa del colore e rigore compositivo, si compenetrano con esiti sorprendentemente originali.

Fino a tutti gli anni Venti, il pittore, a causa della sua natura schiva e riservata, non è interessato a promuovere le proprie opere, né con la critica ufficiale, né con gli altri colleghi pittori. Si separa dai suoi quadri solo per affidarli a pochi collezionisti colti e raffinati. Lontano dalle mode del mercato, soprattutto da un regime che sente intollerabile e sempre più opprimente, Oscar Ghiglia sviluppa un personale rapporto con la classicità, così come si delinea nel gruppo di artisti Novecento , guidato da Margherita Sarfatti. La corretta prospettiva storica in cui collocare questo grande pittore del XX secolo è questa del “ritorno” alla tradizione figurativa, dove la semplicità e la purezza della forma tornano a essere centrali nel dibattito figurativo. Dopo le ricerche pittoriche condotte in solitudine nel volontario esilio a Castiglioncello, durante gli anni cruciali del conflitto, Oscar Ghiglia torna a misurarsi con la classicità, tema che sente imprescindibile fin dagli esordi dell'attività, già affrontato in opere come la Camicia bianca del 1909, alla luce di un rinnovato e più asciutto sintetismo, nel quale predominano gli accordi di bianco e dove la figura umana è puro elemento della composizione.

IL NUDO E MODIGLIANI

Nel 1922 la Biennale di Venezia riserva a Amedeo Modigliani, amico di Ghiglia dagli anni della formazione a Livorno e a Firenze, il prestigioso riconoscimento di una mostra individuale, premio che arriva, in grave ritardo, dato che l'artista è prematuramente scomparso il 24 gennaio del 1920. Da questo momento i nudi si diffondono nel repertorio di molti pittori e scultori, anche di Ghiglia, che aveva anticipato questa tendenza nel 1908 con Nudo disteso . A mettersi in posa non è, come di consueto, la moglie Isa, ma una o più giovani modelle. Il fascino arcaico delle opere dell'amico Modigliani non gli è indifferente, non importa se le forme allungate, gli occhi a mandorla nascono a Parigi dai Fauve, da Constantin Brancusi o dall'arte africana, in Ghiglia si mescolano con il mondo etrusco, e questo per lui è sufficiente.

In Italia non c’era nulla. Sono stato dappertutto.

Non c’è un pittore che valga.

Sono stato a Venezia, negli studi…

In Italia c’è Ghiglia. C’è Oscar Ghiglia e basta

(Amedeo Modigliani)

GLI ANNI DEL REALISMO MAGICO – LA MAGIA DELLA FORMA

Giovanni Papini, scrivendo dell'opera di Oscar Ghiglia, definisce quasi magica la vita che il pittore è capace di infondere nelle proprie opere, sia nelle figure umane, che nelle nature morte. È negli anni Venti che Massimo Bontempelli introduce, nel linguaggio artistico italiano, con varie connotazioni, il fortunato ossimoro realismo magico, coniato dal critico tedesco Franz Roh nel 1925. Oscar Ghiglia si ritrova in questo particolare sentire, non tanto per aderire a formule e posizioni altrui, ma per una naturale evoluzione del proprio personale percorso di ricerca. In opere come Ugo Ojetti nello studio del 1908 e in La toilette della signora Ojetti del 1909 è infatti già presente quel “realismo preciso, avvolto in un'atmosfera di stupore lucido” e “quella precisione realistica e atmosfera magica” di cui parlerà Bontempelli.

I dipinti di Oscar Ghiglia risultano di una fissità perentoria, quasi irreale ed enigmatica, tuttavia vibranti di una decisa pennellata, carica di colore intenso. Ama gli effetti luministici e le superfici specchianti, quasi a suggerire che la realtà non è altro che un riflesso. La modella non si guarda nello specchio, anche se lo tiene in mano, intorno vi sono gli elementi della quotidianità.

Anche quando riprende la nuca della moglie Isa, senza mai scadere nell’intimo quotidiano, ma rimanendo in un piano di essenziale classicità, l’opera di Ghiglia restituisce spesso un'atmosfera di silente mistero, quel “senso magico scoperto nella vita quotidiana degli uomini e delle cose” per dirla con Bontempelli.

Nei ritratti si notano i gesti e le pose neoclassiche, che donano al dipinto un aura idealizzante, che rimandano alla matrice del ritratto ottocentesco. La scansione netta delle zone cromatiche, tipica del Ghiglia, contribuisce a isolare la figura, con un effetto che ai nostri occhi moderni può apparire di straniamento, ma che certo era recepito senza autoironia, come segno, ancora una volta, di ideale nobiltà.

In apparenza molti suoi quadri sono, come si dice,

nature morte, ma vive, candidamente vive, vive di quella vita che è data dalla presenza invisibile dell’uomo e soprattutto dalla vita quasi magica ch’egli spira lor dentro

colla forza del suo cuore commosso.

(Giovanni Papini)

SPIAGGIA E LETTURA i libri che ho letto al mare e che mi sono piaciuti

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Mon, 10 Oct 2022 10:21:46 GMT

Spari dall’aldilà di Francesca Tofanari, giornalista e scrittrice, una nuova indagine per l’ispettrice Maria Allegra Galli, un giallo tutto al femminile, dove il mistero si intreccia con l’amicizia e la passione per lo shopping, è stato presentato domenica 9 ottobre dallo scrittore Stefano Regolo in occasione di Firenze Books Festival all'Ippodromo del Visarno di Firenze.

Ho letto questo libro di Francesca durante l’estate, sotto l’ombrellone, classico giallo da momenti liberi e spensierati e devo dire che mi sono proprio divertito. Spari dall’aldilà ha due grandi pregi (ne ha molti, in verità, ma ne ho apprezzati due in particolare): il primo è la trama , avvincente, piena di colpi di scena, composta per mezzo di una sarabanda di personaggi strani, buffi, alternativi, insomma del tutto fuori dal comune, trama che ti tiene incollato alla pagina per tutto il tempo che leggi il libro, lo dimostra il fatto che sono riuscito a isolarmi e non sentire grida di bimbi, radio accese, urli di maleducati, cani che abbaiano, venditori che strillano, elicotteri che sorvolano le nostre affollate spiagge; l’altro pregio è l’ironia, meglio la comicità, che pervade tutte le pagine creando l’atmosfera giusta per passare dei momenti di raffinato divertimento.

Francesca Tofanari, oltre a scrivere bene, nel senso che il suo stile è chiaro, semplice, scorrevole e spumeggiante (del resto è una brava giornalista e quindi sostenere che scrive bene è dire una banalità), è anche una fine osservatrice della realtà che ci circonda e dei personaggi che la popolano (altra qualità che le viene dal giornalismo). La trama e l’intreccio del romanzo sono ben fatti e questo è il risultato della sua passione per i gialli. Fin da ragazzina ha letto classici gialli di tipo tradizionale, molta Agatha Christie, tanto James Ellroy e queste influenze l’hanno formata. Adesso riesce a scrivere trame gialle con molta dimestichezza, lo dimostra il fatto che in poco tempo ha scritto due romanzi (il precedente, In punta di sangue è prodotto editoriale altrettanto valido) ed è in procinto di dare alle stampe il terzo. L’altra qualità, a cui ho accennato prima, è l’ironia. Questa le viene non soltanto dalle letture, Pelham Grenville Wodehouse su tutti, ma anche dalla personalità spumeggiante, dal carattere gioioso, dall’approccio alla vita con serenità e divertimento. Forse, ma questa è una mia personale impressione, anche dal fatto di vivere in Oltrarno a Firenze e San Frediano è un rione popolare dove ancora si sente nell’aria echeggiare lo sberleffo, la battuta sarcastica, la presa di giro, come modo di vita, sano e genuino. Adesso questo spirito sociale si sta un po’ disperdendo soprattutto perché, dopo che la guida Loney Planet nell’edizione del 2017 ha dichiarato San Frediano il quartiere più cool del mondo , la zona è stata preda di speculatori immobiliari che hanno trasformato le botteghe artigiane, del resto abbandonate, in miniappartamenti da affittare con la formula del B&B. Francesca conosce molto bene San Frediano prima che Loney Planet scrivesse del suo “fascino hipster” , dove i “locali si affollano per provare le posizioni sognate dagli alchimisti di culto”, frasi che i veri abitanti di San Frediano non capiscono e, se le capissero, sarebbe interessante ascoltare gli irriverenti commenti.

Francesca, dicevo, conosce bene San Frediano perché lo vive, al punto da scriverci un libro (non c’è da meravigliarsi, è giornalista scrittrice), insieme a Matteo Poggi e Loriano Stagi, Sassaiole e Capirotti – San Frediano prima del cool , che è stato un piccolo successo editoriale, che, oltre a dare tanta soddisfazione a Francesca, l’ha anche convinta a continuare nel percorso della scrittura, per niente avaro per lei di successi e di gratificazioni.

Scrivere la trama di un giallo come Spari dall’aldilà è praticamente impossibile, non soltanto per il fatto che la trama di un giallo meno si racconta e meglio è, ma soprattutto perché è un flusso continuo e inarrestabile di avvenimenti, entrate e uscite in scena di personaggi, storie e sottostorie, anticipazioni e rivelazioni, insomma un tourbillon , come si dice in San Frediano, di emozioni, di suspense e di divertimento.

La posta del cuore di Olivia

Carissima Olivia, le mie nozze sono fissate tra due settimane, ma comincio a nutrire qualche dubbio, sono sicura del mio amore per lui, ma non di essere ricambiata. Qualche sera fa mi ha detto che avrebbe fatto tardi al lavoro, però una mia amica dice di averlo visto in un locale del centro mentre parlava con una donna bionda, molto appariscente. Poi, ieri notte mentre dormiva, ho guardato il suo cellulare. C'era un messaggio di una persona registrata come commercialista che diceva: “è stato bellissimo, dobbiamo assolutamente rivederci”. Non so se devo parlargliene, se il messaggio è davvero del commercialista, immaginati la brutta figura. Mia madre dice che la mia amica potrebbe avermi detto quella cosa solo per invidia, però non so proprio come comportarmi. Lui è stato il mio primo amore e sembrava d'accordo col fatto di aspettare la prima notte di nozze, ho anche comprato un completino di biancheria intima per l'occasione bianco, di pizzo, però ho paura che lui preferisca tutt'altro genere. Mi chiedo se debba comprare qualcosa di più sexy, ma non sono abituata a queste cose. Mi puoi consigliare dove potrei acquistarlo e quale colore può essere più adatto? Meglio rosso o nero?

Anonima Farfallina.

Carissima Anonima Farfallina,

almeno che la dichiarazione dei redditi di tuo marito non sia uno schianto, ti consiglierei di comprare una guepiere nera da mostrare a qualcun altro.

Se proprio non potete fare a meno di sapere di cosa parla il giallo, vi dico soltanto che inizia con una lite condominiale, dopo di che viene rinvenuto il cadavere di un’anziana signora morta per un colpo di pistola alla tempia. Quello che dapprima sembra un suicidio, si rivela invece una morte misteriosa di cui è sospettato un sedicente mago, che viaggia in Ferrari e che è avvezzo a raggirare ingenue pensionate.

L'ispettrice Galli fece accomodare Alberto della Seggiola nel suo ufficio. Subito si affacciò Bottone. «La sua amica è sistemata ed è in buona compagnia» annunciò. Aveva sul volto un ghignetto satanico. «Ora possiamo pensare alla complice o è già fuggita verso un paese dove non esiste l'estradizione?» «L'ho mandata a casa, ci penserò io a interrogarla nel pomeriggio. Direi che per oggi lei ha già fatto abbastanza e ora mi lasci parlare con questo signore». Si guardò bene da dirgli chi fosse per non averlo tra i piedi durante l'interrogatorio. Quello era un affare delicato, quindi non da Bottone.

L’incarico dell’indagine viene assegnato all’ispettore Maria Allegri Galli, al viceispettore Michele Bottone, che però potrà far ben poco a causa dell’allergia ai gatti che hanno invaso la questura di Fucecchio e al commissario Bassotti, il quale, più che indagare, si prodiga in un costante quanto inutile tentativo di seduzione della collega ispettrice. L’ispettrice Galli allora si fa affiancare nelle indagini da due amiche, Olivia, una giornalista che cura una rubrica di lettere del cuore, per la rivista Donne du du du, ma alla quale mai nessuno scrive e allora Olivia è costretta a scriverle lei le lettere che s’invia alla sua rubrica; l’altra amica è la seducente Cordelia, pasticciona e invadente bellissima donna che crea non pochi involontari intralci alle indagini. Personaggi che abbiamo incontrato nel precedente romanzo In punta di sangue , qui accompagnati da un gran numero di altri personaggi, che si muovono, come un caleidoscopio impazzito, tra funamboliche incursioni nell’aldilà, compulsive sessioni di shopping, assurdi sopralluoghi in posti altrettanto assurdi e pure un inaspettato matrimonio da organizzare.

Cordelia non avrebbe dimenticato tanto facilmente quella giornata in cui era stata rinchiusa in una cella della casa circondariale. L'unica cosa positiva di quel giorno era che non avrebbe dovuto cucinare. Quando l'avevano portata dentro stavano, per l'appunto, servendo il pranzo. Ebbe così il modo di constatare come il pollo arrosto fosse migliore di quello che prendeva al banco rosticceria del supermercato. Insieme a lei c'erano altre due donne, una piuttosto giovane, indossava calze a rete, una minigonna nera e un pellicciotto rosa da urlo. Aveva delle scarpe con il plateau e dei tacchi che erano alti quasi come lei. Cordelia, che pure non scendeva mai dai suoi trampoli, si chiese come facesse a camminarci…… L'altra donna era anziana e molto grossa, profonde rughe le solcavano il volto formando sopra il labbro superiore una specie di codice a barre. Lunghi capelli crespi color grigio topo, piuttosto diradati alla radice, le arrivavano fino a metà schiena. Indossava abiti sporchi e mandava un odore poco gradevole.

Insomma, il libro va letto,

meglio va gustato come un ottimo frizzante prosecco.

Mangiare anche qualche snack, altrimenti può girare la testa!

Francesca Tofanari è nata e vive a Firenze. Giornalista freelance, collabora con il Corriere della Sera e con il Corriere Fiorentino. Ha pubblicato i libri “Missa Est” (Nicomp Lab.Ed. 2014), per cui ha ricevuto una targa durante la manifestazione San Frediano a Cena; “Artigiani in Firenze” (Nicomp Lab.Ed. 2015) e “Sassaiole e Capirotti. San Frediano prima del cool” (Navicellai 2018), che è stato premiato come finalista al Premio Firenze e il romanzo “In Punta di sangue” (Navicellai 2019).

SPIAGGIA E LETTURA i libri che ho letto al mare e che mi sono piaciuti

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Fri, 30 Sep 2022 16:11:40 GMT

EQUILIBRIO DI FELICITA’

di Cinzia Capuano

un originale e coinvolgente romanzo che non è soltanto un fantasy, ma molto di più, una serie di scatole cinesi, ognuna delle quali affronta un tema appassionante e che induce a riflettere.

Martina si lascia prendere di nuovo dalla frenesia della vita di tutti i giorni alla ricerca di un equilibrio di felicità.

La protagonista del romanzo cerca la propria felicità attraverso la lettura, entrando così in una nuova dimensione. Non solo la lettura, ma anche l’arte sono gli elementi che permettono questo viaggio in altri mondi, dove il fine è la ricerca della felicità. La protagonista, ma in realtà è l’autore stesso, si adopra per indurre il lettore ad abbassare le difese personali e lasciarsi andare alla fantasia , potente antidoto contro ogni malessere che proviene dal trovarsi schiavi di un mondo che ci vuole criceti obbligati a far girare perennemente la ruota della produttività, per poi di nuovo cadere nella schiavitù del consumismo.

Di solito, nei romanzi si cercano gli spunti autobiografici dell’autore, ma in questo caso Cinzia Capuano invita a non cercare lei, bensì noi stessi, staccando la spina della razionalità e inserendo quella della fantasia e del sogno. Con questa postura onirica, l’autore ci assicura lo sviluppo nella direzione giusta del proprio spirito critico , meglio che con l’approccio razionale, al fine di portare avanti la ribellione al sistema che ci vuole schiavi senza catene.

La perenne lotta tra il bene e il male, oltre al tema del viaggio e a quello della ricerca della felicità, sono le tematiche affrontate in particolare nella prima parte del romanzo, impegni concettuali di un certo spessore, ma il romanzo non è di difficile lettura, tutt'altro la trama scorre bene e l’intreccio è interessante. Dal capitolo 17 si può far iniziare una seconda parte. Questa, a mio parere, è la parte più poetica, perché Cinzia Capuano può far liberamente sbocciare tutta la sua fantasia, fino a toccare vertici di alta narrativa, quasi appunto di poesia. In questa parte la trama diventa tipicamente fantasy, con portali magici che introducono Martina e gli altri personaggi in mondi dove tutto è possibile, popolati da esseri eterei e meravigliosi, ma anche malvagi e pericolosi.

Questo romanzo può considerarsi il sequel di Viaggio di ritorno che Cinzia Capuano ha scritto nel 2020, nel quale un treno viaggia nel nulla trascinando Martina fuori dalla sua esistenza quotidiana, trasformando la vita di una ragazza qualsiasi, con un ménage banale e ripetitivo, lavoro, amiche, fidanzato, in un viaggio interplanetario con molte incredibili avventure. Martina sta sognando o sta vivendo una realtà in un’altra dimensione? Martina e con lei il lettore sono di fronte a tanti interrogativi, le cui risposte arriveranno nel corso della narrazione. A detta della stessa autrice, si può leggere prima Equilibrio di felicità e poi l’antefatto, tanto i temi e ambientazioni cambiano e le storie s’intrecciano, anche se alcuni personaggi sono gli stessi nei due romanzi. Quello che permane e che caratterizza i due libri è il genere fantasy che riesce a coinvolgere il lettore, trasportandolo nella dimensione magica, grazie soprattutto a una cifra stilistica fresca e asciutta; le frasi brevi, essenziali, prive di inutili fronzoli, danno alla storia un ritmo frenetico, incalzante, che lascia il lettore incatenato alla lettura pagina dopo pagina, anche per l’ingresso in scena di molti nuovi personaggi e frequenti colpi di scena, ingredienti fondamentali per il fantasy di razza buona.

Equilibrio di felicità di Cinzia Capuano non è soltanto un fantasy, come ho detto, è un romanzo che ha un grande merito: svegliare il lettore dal suo torpore e portarlo per mano in un mondo dove potrà aprire gli occhi e riflettere sulla sua esistenza e sul mondo che lo circonda.

Il tutto senza impegno e fatica, ma con la leggerezza del sogno.

SPIAGGIA E LETTURA i libri che ho letto al mare e che mi sono piaciuti

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Fri, 23 Sep 2022 14:20:21 GMT

Le edizioni Clichy di Firenze hanno pubblicato nel 2015 CARAVANSERRAGLIO, l’unico romanzo di Francis Picabia, l’eclettico e dissacrante pittore francese, scritto nel 1924

Sapete vecchio mio, mi è sempre sembrato più simpatico

guardare un cesto di pigne che un Rembrandt!

Incipit di Caravanserraglio di Francis Picabia

Il romanzo fu pubblicato nello stesso anno in cui apparve il primo manifesto del Surrealismo. Al rigore dogmatico di André Breton, Picabia contrappone il suo inafferrabile, disinvolto sarcasmo , la sua irriverente opposizione a tutto ciò che è regola, imposizione schematica, di dogmi e posizioni stereotipate, sia nella pittura che nella letteratura.

Il suo romanzo è così una serie di quadri narrativi, apparentemente slegati l’uno dall’altro, di episodi della sua vita, reali o inventati, con personaggi davvero incontrati o simbolicamente creati, in un flusso narrativo che scorre a ritmi vertiginosi, secondo il credo dell’epoca, che vuole l’uomo vivere la vita alla massima velocità, seguendo la moda dell'esaltazione delle macchine, immerso nel culto dei motori . Picabia racconta le scorribande da una festa all’altra, da un ristorante all’altro, da una camera di un’amante all’altra, passaggi a bordo della sua auto, percorrendo le strade a tutta velocità, incurante dei pericoli, vivendo in maniera piena, inarrestabile, infaticabile un'esistenza sopra le righe, sempre in feroce lotta contro la banalità del quieto vivere.

Un romanzo difficile ma che ha una carica magnetica insuperabile , proprio perché pervaso dalla prima all’ultima pagina dal senso di ricerca della libertà assoluta, senza vincoli di sorta, in ogni comportamento umano, un'anarchia creativa che permette all’artista di esprimersi al massimo, non solo in pittura, anche nella narrativa. Una vita, di inizio secolo, travolta dal tourbillon delle avanguardie artistiche, che si incontrano e si scontrano l’una con l’altra.

IL GIROTONDO DEL TODADA

Il primo degli uomini

Era l’unico bel ragazzo

La prima delle donne

Aveva la gola profumata

Il vento porta con sé il petalo

Come l’amore le illusioni

Nella notte umida

E i nostri sguardi sono velati di lacrime

Guardate laggiù, c’è un fiore

Che il vento fa risuonare come una campana

L’uomo e la donna si graffiano il viso

Da quel gesto nacque un figlio

I suoi occhi erano dorati d’amore

Brillavano

Tra qualche giorno

Il figlio andrà a cogliere il fiore che suona

E tutto dovrà essere ricominciato.

In Caravanserraglio, Picabia incontra Marcel Duchamp, Pablo Picasso, André Breton, Robert Desnos, Louis Aragon, Max Ernst, Blaise Cendrars, Jean Cocteau e molti altri artisti. Di fronte al Surrealismo trionfante, Francis Picabia, l’ultimo dadaista, si scaglia, a volte con furore ideologico, contro i dogmi delle avanguardie, per rivendicare la propria pittura e il proprio stile creativo. Il dadaismo tendeva alla distruzione del linguaggio, all’irrazionalità e all’illogicità. Le numerose poesie che accompagnano la prosa, sono costruite sulla base di un generale non-sense , composte da un linguaggio che non riconosce le razionali convenzioni lessicali, infarcito di onomatopee, di giochi verbali, il romanzo va letto con calma, con attenzione, va gustato parola per parola, lascia in bocca un sapore forte, speziato, ma alla fine si apprezza l’intrinseco valore e l’importanza letteraria per compenetrare quel determinato, singolare periodo storico-artistico europeo, in particolare uno spaccato della società francese del periodo postbellico, quando all’ansia per la guerra si sostituisce un generale sentimento di riscatto, che negli anni Venti del Novecento sembra far rivivere i fasti e l’opulenza della precedente Belle Epoque .

PIPI’

Non c’è niente di meglio di un segreto

Un segreto somiglia a un lampone

Un lampone somiglia alla notte

Una notte somiglia al giorno

Il giorno somiglia a una sposa

Una sposa somiglia alla perla di una collana

La perla di una collana somiglia a un gioiello

Un gioiello somiglia a un elefantino

Un elefantino somiglia al sonno

Il sonno somiglia a Dio

La nostra testa è rotonda per permettere ai pensieri di cambiare direzione (Francis Picabia)

Il romanzo di Picabia rivela, d’altra parte, un aspetto meno eclatante e più riflessivo, letterario, critico, affidato ad una parte molto abbondante di note a piè di pagina , che l’Editore ha deciso di pubblicare integralmente. Per la comprensione del testo e dell’atmosfera del romanzo si possono anche saltare le note, ma per capire il mondo e il tempo storico in cui ha vissuto Picabia, le note si rivelano patrimonio preziosissimo, oltre che sottotesto di grande levatura letteraria.

LA NOTTE

La notte è addormentata dietro la terra

Quel ciuffo di capelli

S’apparenta alla notte

Stai in guardia mia amata

Ecco l’ora in cui il sole

Si getterà su di te

Il sole scolora la luna

Sale nel cielo

La luce è per i curiosi

Ma io amo soltanto i tuoi baci

La notte è addormentata dietro la terra

Visto il genere di romanzo e vista la personalità dell’autore, inutile e impossibile raccontare una trama di Caravanserraglio . Diciamo che Picabia racconta la presenza, continua e sgradita allo scrittore, di un «giovane letterato, candidato al genio», Claude Lairencay, che (in)segue il protagonista Picabia ovunque egli si trovi, da Parigi alla Costa Azzurra, per leggergli il suo romanzo, L’Omnibus. Con questo escamotage, Picabia introduce un secondo narratore, creando un romanzo nel romanzo. Questo personaggio non è altro che un alter ego dello scrittore, che così può spacciare per sue poesie che in realtà sono di Picabia, creando giochi letterari di puro irriverente divertimento .

Questi uomini non credono in Dio, nell’arte, nella malattia, e nemmeno nella Legion d’Onore, nemmeno in se stessi! Somigliano a una bolla di sapone al centro dell’infinito. Scoppierà, un giorno, quella piccola bolla di sapone, ma per lasciare agli altri uomini che credono alla vita le immagini verdi, rosa e blu dei ricordi. Sapete, conosco un uomo che passa il suo tempo in piedi sul suo piccolo piazzale, facendo bolle di sapone per cercare di diventare lui stesso una bolla di sapone! Ha una bella collezione di pipe Gambier. Non può esserci compatibilità tra la vita e lui, non farà che sbriciolare il suo sapone Cadum, e gli artisti ne raccoglieranno a loro volta le briciole per farne una brioche di Marsiglia, adatta a nutrire la loro intelligenza limitata. La bolla di sapone di cui vi parlavo prima è stata gonfiata dall’Amore. Dopo ciò assisteremo al saldo delle passioni umane, graduate e vendute a pezzi, svestite, seminude, ma con il sigillo “ (Francis Picabia, Caravanserraglio , Ed. Clichy 2015, pag. 33)

La follia degli uomini è quella di modellarsi su uno scrigno e di credere che questo scrigno abbia la forma di un cuore! Un giorno ho visto, dipinte sulla parete di un caffè, vicino a una porta, le iniziali W.C. trafitte da una freccia, e questo mi ha fatto pensare al cuore degli uomini! E' vero che ci sono dei bei tatuaggi sul braccio o sul petto dei sostenitori, le frecce attraversano i cuori come l'indicazione che ho letto sulla parete del caffè! (Op. cit. pag. 93)

L’immondezza della guerra è, secondo me, indiscutibile, e le sue conseguenze non possono essere altro che immondizia. Io che sono tato costretto a pendervi parte, durante tutta la sua durata, ho pensato solo a una cosa: il suicidio, pur di non essere più spettatore di un dramma volontario così nauseante; mi è mancato il coraggio fisico, per questo sono ancora qui. Come ho potuto accettare di essere in qualche modo complice di coloro che riescono a far credere ai popoli che la guerra contenga una sorta di misticismo, che la guerra racchiuda della bellezza. Bellezza della follia, forse! (Op. cit. pag. 183)

Ultimi giorni della mostra Fotografe! a Firenze

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Wed, 14 Sep 2022 09:59:56 GMT

La mostra FOTOGRAFE! dal 18 giugno al 2 ottobre 2022, un percorso da Villa Bardini a Forte di Belvedere, con molte opere di importanti e famose fotografe di ieri, provenienti dall’Archivio Alinari, a confronto con alcune rappresentanti della più giovane generazione, nata dopo il 1980, che va affermandosi in questi anni sia sul piano nazionale che su quello internazionale.

Opere originali provenienti dagli Archivi Alinari , di Julia Margaret Cameron, Dorothea Lange, Margaret Bourke-White, Lucia Moholy, Maria Mulas, Ketty La Rocca, Lisetta Carmi, Diane Arbus, Bettina Rheims, per citarne solo alcune, che si confrontano con le produzioni di dieci giovani autrici italiane, Eleonora Agostini, Arianna Arcara, Federica Belli, Marina Caneve, Francesca Catastini, Myriam Meloni, Giulia Parlato, Roselena Ramistella, Sofia Uslenghi, Alba Zari.

Grazie a Calliope Arts , ente no profit con sede a Firenze e Londra, nato per valorizzare e salvaguardare il patrimonio culturale delle donne attraverso il suo progetto 'Restoration Conversations', la mostra si arricchisce di due sezioni dedicate a fondi degli Archivi Alinari: quello delle sorelle Wanda Wulz (Trieste 1903-1984) e Marion Wulz (Trieste 1905-1990) e quello di Edith Arnaldi (Vienna 1884-Roma 1978), nota soprattutto come scrittrice ed artista di area futurista con lo pseudonimo di Rosa Rosà.

Il progetto della mostra ha creato un percorso espositivo che, partendo dagli Archivi Alinari, propone una storia della fotografia delle origini fino ai nostri giorni , accostando i primi procedimenti fotografici alle sperimentazioni contemporanee. Il percorso espositivo non segue pertanto un andamento cronologico, ma va avanti per mezzo di analogie e differenze, concentrandosi su alcuni generi, primo tra tutti il ritratto fotografico . Si possono ammirare, nelle varie sale, immagini di fotografe nate in epoche, luoghi e contesti sociali diversi, con l’intento, piuttosto che di mettere in risalto uno specifico “sguardo femminile”, di individuare alcune personalità – spesso sottostimate, in quanto donne – che sono state determinanti per lo sviluppo della ricerca fotografica, sin dai suoi albori. La presenza delle autrici contemporanee costituisce un paragone e una riflessione sulle pratiche artistico-fotografiche odierne, per ritrovare quel filo conduttore che unisce antico e moderno.

Le autrici contemporanee è come se innescassero un colloquio ideale con le colleghe storiche e con i materiali degli archivi storici, sia per esaltarne l’aura dell’antico e della tradizione , che per proporre nuove chiavi di lettura di immagini provenienti da un passato a volte molto lontano. Da questi archivi sono tratte opere inedite, alcune stampate direttamente dai negativi originali, che ci permette di avere una prima ricognizione su materiali di questi nuclei archivistici finora poco esplorati, di straordinario interesse per la storia della fotografia. Da una parte il Fondo Wulz (noto per la fama internazionale delle opere futuriste di Wanda, soprattutto per la realizzazione della famosa, a livello mondiale, sovraimpressione “Io+gatto” ), di cui verranno esposti a Villa Bardini anche dei negativi, che riserveranno al pubblico e agli studiosi importanti sorprese, in particolare sul sodalizio lavorativo e artistico con la sorella Marion. Dall’altra, al Forte Belvedere, un archivio completamente da esplorare, sostanzialmente un inedito, che permetterà, anche grazie alla ricerca della storica dell’arte Lisa Hanstein, di riportare alla luce la produzione fotografica di un’artista poliedrica come Edith Arnaldi, caratterizzata da ritratti e fotografie di viaggio realizzate in Italia, Europa e Africa, e dai ritratti eseguiti nel suo studio romano, funzionali all’indagine sulla produzione pittorica futurista dell’autrice.

Revolutionary Road di Richard Yates, meglio il libro o l’audiolibro?

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 06 Sep 2022 16:03:53 GMT

Ho letto il capolavoro dello scrittore americano Richard Yates e poi ho avuto la possibilità di ascoltarlo in audiolibro; mi sono chiesto cosa fosse preferibile, se non vuoi impegnarti per due volte con la stessa opera.

Ad essere pignoli, se vogliamo fare entrambi le cose, consiglierei prima l’ascolto dell’audiolibro e poi l’approfondimento dei contenuti per mezzo del libro, che ti permette una permanenza sul testo impossibile con l’audiolibro. Nel caso di Revolutionary Road , sono in possesso di edizioni di primissima qualità. L’audiolibro è a cura della Emons Audiolibri, che vanta in scuderia una serie di attori di prim’ordine, in questo caso la lettura è affidata a un bravissimo Adriano Giannini, che riesce a caratterizzare la moltitudine di personaggi, maschili e femminili, con una maestria tale che nei dialoghi, a volte serrati, capisci perfettamente a quale personaggio l’attore si riferisce.

L’edizione cartacea è della Minimum Fax, Collana “I Quindici” nel caratteristico formato 14,5 x 20,00 copertina rigida, già di per sé piacevole a tenerlo tra le mani e con una grafica davvero originale. L’edizione è arricchita da una prefazione dello scrittore americano Richard Ford, che dichiara di essere stato influenzato nella sua scrittura dal maestro Yates, e come Yates può annoverare il romanzo Sportswriter , così come lo è Revolutionary road tra i migliori 100 romanzi in lingua inglese pubblicati tra il 1923 e il 2005, secondo la rivista americana Time . Segue un profilo bio-bibliografico scritto dallo stesso Yates, direi una perla, per perlustrare, con poche parole, le debolezze, le gioie, le paure, in un approfondimento esaustivo della personalità dell’autore. Nell’appendice ci sono interessanti contributi extra, uno ancora scritto da Yates sulle sue influenze letterarie, dove si citano, tra gli altri, il Grande Gatsby e Madame Bovary . E ancora: un intervento di Blake Bailey " Un cantore di vite insoddisfatte" , biografo di Yates; infine, uno scritto di Monica Shapiro Yates, figlia di Richard, in merito alla trasposizione cinematografica di Revolutionary road , con Leonardo di Caprio e Kate Winslet, che successivamente a questo film, assolutamente da vedere, saranno celebrati a livello mondiale con il dramma del Titanic. Insomma, nell’edizione cartacea della Minimum Fax ci sono davvero tanti ingredienti per avere un’idea esauriente dell’arte letteraria di Richard Yates, però, allo stesso tempo, non voglio fare a meno di gustare la bravura recitativa di Adriano Giannini, per questo il mio verdetto, almeno per quest’opera è: ascoltate l’audiolibro e leggete il libro!

Siamo nella primavera-estate del 1955 nella zona residenziale di Revolutionary Hill, nel Connecticut occidentale e la vita della giovane famiglia Wheeler – April, Frank e i loro due bambini – viene profondamente sconvolta, senza un chiaro motivo, ma nulla tornerà più come prima. Importante, per capire le tematiche alla base del romanzo, la collocazione ambientale della vicenda: la periferia suburbana, quelle zone cuscinetto – monotone, stereotipate e narcotizzanti – che si trovano tra le esperienze vivaci e stimolanti della città o della campagna. Simbolo di questa posizione è una “finestra panoramica” che i due coniugi hanno in salotto e che permette loro di dominare la zona, vedere tutte la varie villette dei vicini, tutte uguali, abitate dall’americano medio degli anni cinquanta, ancora alle prese con i postumi della guerra, con una vita monotona, piena di desideri irrealizzati, sogni abbandonati, alla ricerca spasmodica soltanto della sicurezza, del benessere, della stabilità, in attesa dello sviluppo della tecnologica, che di lì a qualche anno farà il suo dirompente ingresso nella vita di tutti giorni degli americani. Invece, in Revolutionary Road, April e Frank non fanno altro che bere e fumare, parlare di niente con gli amici, recriminare sui progetti non realizzati, tentare ad ogni costo di mantenere lontana la frustrazione dell’inesorabile perdita della giovinezza. In particolare, April ha avuto un clamoroso fiasco in un’opera teatrale, mettendo fine alla sua carriera di attrice, del resto mai decollata. Cenette alcoliche con i vicini amici, nel tentativo di affrontare con una pseudo-cultura il decadimento di una vita sempre più monotona e insulsa, alla ricerca di un futuro, di qualcosa di meglio da fare, Yates è un maestro nel descrivere queste situazioni, la frustrazione per il crollo del sogno americano, anche i personaggi degli altri suoi racconti, in particolare Undici solitudini, descrive questo senso di frustrazione pesante e invalidante. La solitudine è un ennesimo leitmotiv del romanzo. Tutti i personaggi di Yates seppur circondati da persone e affetti, sono disperatamente soli e alla ricerca della felicità.

Così Frank cercherà di superare questa frustrazione con le infedeltà coniugali, mentre Whiler vuole trasferirsi in Europa, a Parigi, una vera e propria fuga dalla realtà quotidiana e dalle responsabilità. Frank ha l’opportunità di fare carriera quindi il trasferimento in Europa viene rimandato, fino a quando Whiler resterà incinta e nel tentativo di abortire, morirà. Tutto va in malora, fino alla catastrofe finale, in una sola estate, profumata, calma, con le visite dei vicini che portano dolci e convenevoli.

Revolutionary Road, pubblicato agli inizi degli anni sessanta, ottenne un immediato successo da parte di critica, ma non di pubblico, che lo riteneva troppo crudo e poco rassicurante, soprattutto perché criticava quegli stereotipi della perfetta e borghese life americana, che stava tanto a cuore a governi e intellighenzia. Con il passare degli anni la situazione non migliorò, Yates continuò a pubblicare sporadicamente, il romanzo diventò conosciuto soltanto tra gli scrittori e non il grande pubblico. Per questo Yates venne etichettato come “lo scrittore per gli scrittori”, ma dagli anni 2000, in occasione del quarantennale della sua prima pubblicazione fu di nuovo lanciato e finalmente ha trovato la giusta collocazione tra i maestri del Novecento letterario americano e mondiale.

Cosa è rimasto del pensiero visionario di Mikhail Gorbaciov?

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Sat, 03 Sep 2022 11:28:08 GMT

Il rispetto per la pace e la vita umana, la scelta del dialogo rispetto alla forza, il rifiuto del militarismo e dell'espansionismo imperiale, perfino il rispetto per le donne e il sorriso che appariva così spesso sul suo volto, dimostra che Mikhail Gorbaciov è l'esatto contrario di Vladimir Putin.

Era il 1987 quando ho letto il libro di Mikhail Gorbaciov Perestrojka sottotitolato Il nuovo pensiero per il nostro Paese e per il mondo e dopo trentacinque anni mi chiedo in quale discarica delle idee sia finito quel pensiero. Gorbaciov appariva come l’unico dittatore dalla storia che ha voluto fare i conti con la sua dittatura per eliminarla. All’epoca mi sembrava davvero l’alba di un nuovo corso della storia, un nuovo mondo, dove le tirannie, di ogni colore e forma, sarebbero arretrate per lasciare spazio alla democrazia e alla giustizia. Mi illudevo.

Lo storico John Gaddis ha lo ha dipinto come un gigante solo all’apparenza, paragonandolo a un dinosauro, destinato alla fine all’estinzione. Purtroppo, la storia gli ha dato ragione. Cosa resta della visione ottimistica della storia di Mikhail Gorbaciov oggi?

Il rapporto Nations in Transit 2022 di Freedom House, un’organizzazione non governativa internazionale, con sede a Washington, che pubblica report annuali su democrazia, libertà politiche e diritti umani, rileva che gli autocrati stanno passando all'offensiva e stanno guadagnando terreno in tutto il mondo e, in particolare, in una regione che, ai tempi di Gorbaciov, era considerata un faro di speranza per il progresso democratico. Proprio il nipotino di Gorbaciov, quel Putin che ha sempre posizionato il Cremlino come un punto di riferimento per le autocrazie che la pensano allo stesso modo in Europa e in Eurasia, ha sostenuto il dittatore bielorusso Alyaksandr Lukashenko, o quello kazako Kassym-Jomart Tokayev, ha sponsorizzato il terrorismo internazionale in Siria e in Africa, al fine di destabilizzare l’Europa. Le condizioni della libertà e dei diritti hanno continuato a deteriorarsi in altre autocrazie radicate. Insieme a Russia, Bielorussia e Kazakistan, i risultati peggiori nel rapporto sono Azerbaigian, Kirghizistan, Tagikistan, Turkmenistan e Uzbekistan, dove despoti imperturbabili hanno represso il dissenso e abbattuto i pilastri di una società aperta, compresi i media indipendenti e le organizzazioni civiche. La democrazia in questa area è diminuita per 18 anni consecutivi, dal 2004. La guerra di aggressione di Vladimir Putin contro l’Ucraina potrebbe accelerare la tendenza antidemocratica in Europa e in Eurasia. Se lo sforzo dovesse avere successo, segnerebbe la prima volta che un potere autoritario ha rovesciato con la forza il governo liberamente eletto di un altro stato nella regione almeno dalla fine della Guerra Fredda.

Alla luce di questa inquietante possibilità, rileggere l’introduzione al libro dello stesso Gorbaciov, porta a fare altre riflessioni sulla grande opportunità che non siamo riusciti a cogliere: “Ho scritto questo libro con il desiderio di rivolgermi direttamente ai popoli dell'URSS, degli Stati Uniti e di ogni paese del mondo. Ho incontrato capi di Stato e di governo e altri leaders di molti Stati e i rappresentanti dell'opinione pubblica. Tuttavia, lo scopo di questo libro è quello di parlare senza intermediari ai cittadini di tutto il mondo. A proposito delle cose che riguardano tutti noi. Senza eccezioni. Ho scritto questo libro perché ho fiducia nel loro buon senso. Sono convinto che loro, come me si preoccupano del futuro del nostro pianeta. E questa è la cosa più importante” Allora non sono soltanto io l’illuso , forse Gorbaciov lo possiamo definire un visionario, se pensava che i cittadini del mondo si preoccupassero del futuro del nostro pianeta. Non facciamo di tutta l’erba un fascio, non generalizziamo, ma sulla convinzione che i cittadini si diano attivamente da fare per salvare il pianeta, avanzerei qualche pessimistico dubbio. Quello che noto è una tendenziale accentuazione del sentimento di assuefazione o peggio di rassegnazione, terreno ideale per lo sviluppo delle ideologie che giustificano le dittature agli occhi delle popolazioni sottomesse. E se, alla fine, si materializzasse il vero incubo, quello di una geografia del pianeta che escluda via via le saccenti, effeminate, inoffensive democrazie? Quando scatterà il momento di una presa di coscienza delle democrazie, e della contestuale adozione di un'effettiva difesa di sé? Una cosa è già visibile ad occhio nudo: la solidarietà tra i regimi totalitari è molto più naturale, spontanea, facile di quanto non lo sia quella dei regimi democratici.

Continuo la lettura dell’introduzione gorbacioviana: “Dobbiamo incontrarci e discutere. Dobbiamo affrontare i problemi con uno spirito di cooperazione, non di animosità. Mi rendo conto che non tutti saranno d'accordo con me. E per la verità neppure io sono d'accordo con tutto ciò che altri hanno da dire sui vari problemi. E ciò rende ancora più importante il dialogo. Questo libro rappresenta il mio contributo. E proprio la sua amata Russia, oggi porta avanti questo dialogo non con le parole, ma con le bombe. Mi chiedo come sia possibile che una società come quella russa, che comunque ha espresso un Gorbaciov, con le sue idee di pace e cooperazione, possa essersi ripiegata su se stessa e aver prodotto un Putin. Gli studiosi sostengono che la Russia non potrà mai avere una democrazia, per ragioni storiche, culturali, antropologiche. Se si parte da questo assioma, si condanna un popolo a essere sfruttato perennemente da un’oligarchia criminale e avida. Forse è il momento di “cambiare strada” e di cominciare a cercare con tutte le proprie forze una nuova consapevolezza: che le cose possono anche mutare, basta appunto esserne consapevoli e volerlo con forza e determinazione.

Come, del resto, riteneva Mikhail Gorbaciov nel suo libro del 1984, che cito ancora dall’introduzione: “ Perestrojka non è un trattato scientifico e neppure un'opera propagandistica, anche se i punti di vista, le conclusioni e le analisi, che il lettore vi troverà, sono basati naturalmente su valori e premesse teoriche ben definiti. È piuttosto una raccolta di pensieri e di riflessioni sui problemi che ci troviamo ad affrontare, sulla portata dei cambiamenti e la complessità, le responsabilità e la straordinaria unicità del nostro tempo. È un libro che parla dei nostri piani e del modo in cui tendiamo a realizzarli. Ed è, lo ripeto, un invito al dialogo, in buona parte dedicato al nuovo pensiero politico, alla filosofia della nostra politica estera e se contribuirà a rafforzare la fiducia tra le nazioni, riterrò che sia servito allo scopo.”

SPIAGGIA & LETTURA i libri che ho letto al mare e che mi sono piaciuti

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Fri, 19 Aug 2022 14:45:52 GMT

IL RIFRULLO DEL DIAVOLO

di Andrea Improta

Un’antica leggenda popolare fiorentina racconta che il diavolo inseguisse un prete per carpirgli l’anima fino sul sagrato del Duomo. Il prete disse a Lucifero che, prima di consegnargli l’anima, avrebbe un’ultima volta pregato e il diavolo acconsentì, lasciandolo entrare in Duomo, da dove il prete fuggì, passando da una porta secondaria. Lucifero non se ne accorse e restò fuori ad aspettarlo. Alla fine, cominciò a sbuffare d’impazienza, sollevando una leggera brezza, mentre, quando si accorse dell’inganno, sfogò la rabbia con un forte vento di tramontana.

Ancora oggi, per le strade intorno alla cattedrale fiorentina, si può percepire questo vento, il rifrullo del diavolo, la stessa brezza che sembra aver penetrato un appartamento, dove viene ritrovata senza vita Giulia, giovane universitaria che, per rendere la sua vita più facile, frequenta un sito d'incontri dove vende il suo corpo, vittima di una sadica violenza che è soltanto l’inizio di una complessa e dinamica serie di accadimenti.

Il commissario Manfredi avrà il compito di sbrogliare l’intricata matassa, composta anche e soprattutto da intrecci personali e sentimentali tra i vari personaggi, ognuno dei quali ha la sua buona dose di scheletri nell’armadio. Il romanzo è un thriller, con numerosi colpi di scena e un imprevedibile finale degno di questo genere, ma anche una serie di storie, fra i vari personaggi, d’amore, nelle sue molteplici forme, romantico, passionale, morboso, quello che porta a fare gesti privi di senso per reagire ai tradimenti, alle delusioni, agli inganni. Violenza e amore , due opposti ma inseparabili aspetti dell’animo umano, s’intrecciano in maniera indissolubile per tutto il romanzo. Anche il Commissario Manfredi, dopo molti anni di solitudine, sarà coinvolto in una grande storia d’amore con Alice . Infatti, uno dei temi alla base del romanzo, è proprio quello della “guerra” che l’autore conduce contro l’apatia, la rinuncia ai propri desideri e ai propri sogni, il prendere la vita soltanto con goliardico disincanto, mentre c’è sempre la possibilità di riscossa, soprattutto la convinzione che c’è sempre l’opportunità di vivere un amore vero, una relazione vera che porta alla felicità , anche a una certa età. Una guerra contro la perdita della fiducia in sé stessi, cosa che non può in nessun modo giustificare il fatto che non ci si possa dare da fare per essere migliori, verso sé stessi e soprattutto verso gli altri.

Con questo non bisogna pensare che il romanzo sia sentimentale e sdolcinato, anzi il registro lessicale è crudo e a volte volgare, ma non disturba affatto, anzi serve a evocare la giusta atmosfera in certi ambienti e in alcune situazioni, del resto l’autore non fa mistero della sua passione letteraria verso Charles Bukowski. Mi sento portato a consigliare questa lettura, non certo relegandola a semplice divertimento da spiaggia, ma qualcosa di maggiore spessore, dove l’introspezione dei personaggi, il loro approfondimento psicologico e la descrizione delle dinamiche interne che li fanno soffrire o gioire, può provocare nel lettore, oltre alla piacevolezza di una lettura scorrevole e attraente, anche una personale riflessione sui propri sentimenti e sul proprio vissuto.

Le foto sono relative alla presentazione del libro, avvenuta il 14 maggio alle ore 18.00 a Firenze, nello splendido chiostro del Caffè Letterario del Conventino , in via Giano della Bella, con la presenza di Cristina Gatti , presidente del Gruppo Scrittori Firenze , che ha intervistato l’autore e letto alcuni brani del romanzo, inframezzati da alcuni interventi al sax del Duo Meissa . L’atmosfera particolare del Chiostro del Conventino, con il suo prato e i suoi grandi alberi, la bravura di Giulia Fidenti e Alda Dalle Lucche ai sassofoni, la simpatia della conduttrice, hanno fatto da perfetta cornice all’approfondimento letterario del romanzo Il rifrullo del Diavolo di Andrea Improta .

IL FIGLIO DELL'ESTATE l'ultimo appassionante romanzo di Claudia Muscolino

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Sun, 03 Jul 2022 15:53:14 GMT

Piacevole incontro con Claudia Muscolino martedì 28 giugno alle 18.00 alla Libreria Libraccio IBS di Via Cerretani a Firenze. Lo scrittore Massimiliano Scudeletti ha presentato II figlio dell’estate , il nuovo romanzo di Claudia Muscolino pubblicato da Felici Editore.

Negli anni dell'infanzia e dell'adolescenza, il protagonista - trasferitosi a Firenze con la famiglia - trascorre le vacanze estive nel paese natio a casa della nonna. Qui nascono i primi amori, le amicizie, i giochi. Il suo più caro amico gli insegna a tuffarsi e questa passione si trasforma in una sfida infinita tra i due. Quando il padre si ammala di tumore, la famiglia impone al nostro, allora quindicenne, di trasferirsi per un anno in Sicilia, allo scopo di partecipare come figurante alla processione del Santo Patrono e chiedere la grazia per il papà. Lui è contrariato, giudica questa scelta un retaggio di antiche superstizioni, ignorando che la famiglia vuole proteggerlo da un orribile fatto di cronaca nera che ha rimosso. Diventato uomo, quel fatto, tornato a galla, continuerà a sconvolgergli la vita.

Perché storia appassionante? Perché ci sono colpi di scena , proprio come in un romanzo giallo, ma non è un thriller, è una storia di amicizia , come quelle che gli adolescenti una volta facevano soltanto in estate. Siamo negli anni “80 quindi non era facile tenersi in contatto, magari non ci si rivedeva fino all’anno successivo; è una storia di una appassionante sfida tra due ragazzi che vogliono tuffarsi da punti sempre più alti e pericolosi.

"Fabio mi spronava sempre a tentare di più, a provare un tuffo sempre più alto: nuovi rischi, nuove sfide che attraversavano le nostre estati. Ormai sembrava una cosa da bambini buttarci dallo Scogliaccio con i suoi tre metri scarsi. Senza contare i rischi che si correvano con le meduse: a quei tempi ce n'erano talmente tante che venivano pescate dai motoscafi a secchi"

Una sfida senza premi o riconoscimenti, ma un degno rito di passaggio dall’età adolescenziale a quella adulta. La sfida non è soltanto tra i due personaggi, ma anche dell’autore. Claudia Muscolino, infatti, si è cimentata per la prima volta nella scrittura in prima persona di un personaggio maschile, ha dovuto scrivere tenendo sempre bene a mente che si riferiva a un ragazzo prima, e a un uomo dopo. ma ha sicuramente vinto la sfida perché il risultato è un romanzo che tiene il lettore inchiodato alla lettura dalla prima all’ultima pagina.

Quell’estate, i due amici non arriveranno nel posto di vacanza nello stesso momento, uno arriverà molto più tardi. Questo scostamento sarà una sorta di punto di rottura che porterà le vite dei due ragazzi in direzioni molto diverse. Il protagonista – a cui l’autrice non dà un nome – si rivelerà un outsider, la solitudine esistenziale lo accompagnerà per tutta la vita. La trama si complica, sopraggiungeranno altre situazioni particolarmente drammatiche, ma l’approccio del protagonista sarà sempre coerente nella sua non scelta , un approccio che lo terrà sempre ai margini, in una posizione di superiorità o di estraneità rispetto al resto del mondo. Dovrà tornare in Sicilia, nel paese di origine della nonna paterna, in una Sicilia arcaica , pervasa di superstizioni e comportamenti tradizionali. Si rafforzerà l’estraneità del protagonista che davvero si sente un po’ come lo straniero di Camus e sarà investito di una responsabilità troppo grande per la sua età, partecipare a una processione, una sorta di rito magico per tentare di salvare il padre malato di tumore che ha perso la voce. Un padre autoritario, che ha usato la parola per comandare e schiacciare il figlio nella sua sfera di potere, adesso che l’ha persa tocca proprio al figlio cercare di far recuperare al padre questo importante strumento di potere.

"Mamma, voglio tornare a casa!"

"Lo sai che ti abbiamo mandato lì perché papà guarisca con l'aiuto di Sant'Alfio. Lo sai." .... "Era evidente che per i miei dovevo rimanere lì, a fare tutto quello che mi veniva detto senza obiezioni. Erano tutti convinti che la guarigione di mio padre passasse attraverso me o, per meglio dire, da come mi si sarei comportato. se non avessi fatto il bravo ragazzo obbediente, lui avrebbe incontrato la morte. Con tutta probabilità, il finale sarebbe stato quello in ogni caso, ma decisi che nessuno avrebbe dovuto darmi la colpa. Giurai a me stesso che avrei fatto tutto senza fiatare e, al mio rientro, non avrei più considerato i miei genitori come tali. Il debito di riconoscenza per avermi messo al mondo, vero o presunto che fosse, si sarebbe estinto e io non avrei avuto più niente da spartire con loro. Era finito il tempo in cui credevo all'angelo custode.

In quasi tutte le pagine del libro, c’è una sapiente miscela tra il senso di straniamento del protagonista che lo accompagnerà per tutta la vita, e la nostalgia degli anni ‘’80 vissuti a Firenze, i pomeriggi fumosi al cinema Universale, gli incontri in piazza d’Azeglio o in Borgo Pinti, la facoltà di scienze politiche, la musica dei Pink Floyd, elementi nostalgici che permangono durante tutta la narrazione, servono a evocare perfettamente quell’atmosfera contrapposta allo sradicamento del protagonista. La genesi di questo romanzo è particolare: l’autrice è voluta andare in vacanza ai Giardini di Naxos in Sicilia, il paese dove è nata la nonna paterna. Ma Claudia Muscolino non ha mai conosciuto sua nonna, quando lei è nata la nonna era già morta; nonostante ciò, questi piccoli brandelli di vita raccontati dal padre, l’hanno ispirata e sapientemente guidata per tutta la narrazione, a riprova del fatto che davvero siamo quello da cui proveniamo. Fine ascoltatrice di storie e attenta osservatrice dei comportamenti altrui, come dovrebbe esserlo ogni vero scrittore, ha assemblato questa storia partendo sia dalle storie del luogo, quelle relative ai ragazzi che si tuffano per sfida, ascoltate in Sicilia, sia da quelle del padre che ha raccontato alcuni episodi della vita della madre, la nonna dell’autrice. Questa capacità di ascoltare e assimilare è elemento caratteristico dello scrittore di razza buona , che non scade nell'autobiografismo narcisistico, ma fa germogliare piccoli semi della sua vita, alimentandoli con la fantasia e la cifra stilistica, trasformandoli in rigogliose piante letterarie di pregevole fattura e piacevole lettura.

Il passaggio temporale, il punto di svolta della vita del protagonista è rappresentato dalla processione al Santo Patrono, nel disperato tentativo di aggrapparsi al trascendente per salvare la vita del padre. Ma il padre morirà, la vita prenderà altre strade, altri protagonisti, altri vissuti, in una trama che non teme l’intreccio con continui flashback e l’inserimento di nuovi personaggi. Per questo il lettore sente il forte bisogno di continuare la lettura. Le vicende umane vissute dal protagonista, spesso drammatiche, lo hanno spinto a indossare una corazza, una psicologica difesa fatta di scelte sbagliate o ritenute tali, come quella di sposare una donna che non ama, quella di mettere su famiglia, anche se poi il legame d’amore con il figlio sarà la cosa più bella della sua vita. Il protagonista sente di fare lo stesso percorso di vita che ha fatto suo nonno e suo padre, anche se ha sempre disprezzato quel tipo di scelte stereotipate. È in questa contraddizione tra desideri e bisogni che nasce una grande tensione narrativa che rende ancora più appassionante la lettura. Ma il protagonista, che ormai è un uomo, sarà continuamente sconvolto dai ricordi di quella estate in Sicilia, soprattutto per un orribile fatto di cronaca nera che ha rimosso, ma che riemergerà, sconvolgendogli l’esistenza.

"Dopo che i miei genitori mi ebbero lasciato solo con lei, mi offri un tè che preparò con un bollitore elettrico. Mi parlò del suo lavoro, di cosa sapeva della mia storia e mi spiegò che avrebbe cercato di aiutarmi con l'ipnosi. Questo accese in me una scintilla di curiosità: per me gli ipnotizzatori non erano medici, ma illusionisti, roba da spettacolo. Fui assolutamente sorpreso dal fatto che i miei avessero preso la decisione di farmi sperimentare un percorso così insolito. Non ho mai saputo chi li avesse consigliati. Comunque, la dottoressa fece di tutto per farmi sentire a mio agio e cominciammo le sedute. A ripensarci, fu davvero brava: per il resto della mia vita, almeno fino al giorno in cui non ritrovai gli articoli di giornale conservati in quella piccola cassaforte, riuscì a salvarmi da me stesso e dai ricordi di quella estate. Anche se non del tutto."

Raffinata scrittrice di poesie, romanzi e raccolte di racconti, Claudia Muscolino è nata a Firenze nel 1964, città dove vive e scrive. Ha esordito con la silloge poetica Il Drago e le nuvole (2012). Il suo primo racconto, Sciopero! è stato pubblicato nell'antologia Tagli 33 scritture, curata da Marco Vichi per Felici editore nel 2014. Nel 2016 fa il suo esordio in narrativa con un'opera autonoma A casa per Natale e racconti per tutto l'anno a cui seguirà, nel 2017, la seconda raccolta poetica Carichi dispersi . L'anno successivo pubblica il suo primo romanzo Viaggi irregolari.

Il figlio dell'estate è il suo secondo romanzo ed è vincitore del concorso letterario “QULTURE TI PUBBLICA @ UNA GHIRLANDA DI LIBRI”

GENESI - L'ARMONIA DEL KAOS la personale di Francesco Forconi, in arte SKIM

Fri, 17 Jun 2022 18:01:05 GMT

Si è inaugurata lo scorso 16 giugno, nella Galleria delle Carrozze di Palazzo Medici Riccardi, nella centralissima Via Cavour a Firenze, GENESI – L’ARMONIA DEL KAOS , la personale di Francesco Fioroni, in arte Skim, giovane artista fiorentino, le cui opere vengono esposte e sono presenti nelle collezioni di tutta Europa e nel mondo.

Divisa in alcune sezioni tematiche, l’esposizione ricostruisce il percorso che l’artista ha intrapreso sulla tela e su alcuni oggetti, una vasta silloge delle sue opere, visibili fino al 26 settembre 2022.

Attenzione alla “skimizzazione”

Si tratta di un’irresistibile forza attrattiva che pervade il visitatore appena varca la soglia della Galleria delle Carrozze, risucchiato nel vortice delle forme e dei colori delle opere di Francesco Forconi, in arte SKIM , la cui cifra stilistica è particolare, inconfondibile e subito riconoscibile.

Se vedete l’artista con una bomboletta di colore in mano,

state all’erta, potreste diventare una sua opera.

IN COLOR WE TRUST , questo è il mantra dell'artista, realizzato nella sua essenza, durante tutta la sua vita artistica, fin dai primi momenti in cui la sua espressione pittorica si manifestava attraverso i graffiti nel contesto urbano. Le opere che rappresentano Skim nel mondo sono una completa e totalizzante immersione nella fantasia, uno sterminato mare di piccole e coloratissime forme che rappresentano strumenti musicali, barchette, pennelli, matite, pesci, aeroplanini di carta. Il tutto presentato in maniera caotica, ma il colore e la forma si armonizzano magicamente in un’opera perfettamente equilibrata.

L’armonia del Kaos” è stato un percorso vissuto insieme all’artista, fin dalle sue prime battute, all’insegna dell’entusiasmo e della volontà di fare cultura con la “C” maiuscola – spiega Simone Teschioni Gallo, curatore della mostra e Direttore Artistico dell’Associazione culturale Dedalus, dedicata al pittore scomparso Giuliano Ghelli. Un percorso che ci ha portato a creare un’esposizione importante, che dai primi disegni e dalle prime opere degli anni del diploma, mette in luce tutto il talento e l’estro di Skim, sia nel campo della fantasia, che in quello della padronanza della tecnica pittorica e del linguaggio artistico che da sempre lo contraddistinguono. Un alfabeto di simboli e colori, un’armonia pittorica tale da generare nello spettatore un’esplosione di emozioni mai scontata e mai banale, grazie al sapiente mix generato dall’artista in cui il dipinto sembra come prendere vita e uscire dalla tela.

MODERNI ARCIMBOLDI

I personaggi che danno vita al caos di Skim sono moderni Arcimboldi, specchio di ciò che anima il mondo interiore dell'artista, le sue passioni, i suoi interessi, i suoi desideri, i suoi sogni, ne tracciano il suo profilo, in un collage di colori e di forme, con significati chiari ed espressamente espliciti, oppure oscuri e nascosti, in modo che chi guarda possa dare libero sfogo alla ricerca dei propri contenuti interiori.

Ogni artista si è da sempre confrontato con i grandi maestri dell'arte che lo hanno ispirato. Nelle opere di Skim è presente uno stimolante equilibrio tra assimilazione e reinterpretazione artistica, tra ispirazione iniziale e studio delle opere degli altri autori. Il risultato è una personalizzazione originale, già evidente nella cifra stilistica, spesso ironica, a volte fumettistica, ma sempre determinata dalla presenza esorbitante del colore che viene armonizzato ed equilibrato dalla forma del disegno.

Il mondo dei graffiti ritorna anche in alcune opere site-specific , realizzate appositamente per la Galleria delle Carrozze di Palazzo Medici Riccardi. La prima è un vecchio pianoforte che torna a nuova vita grazie alla trasformazione dell’artista in opera d’arte, che potrà essere liberamente suonato dai visitatori; la seconda è un muro realizzato con la tecnica dei graffiti, collocato in posizione speculare rispetto alla parete che ospita la targa in memoria delle vittime della deportazione della seconda guerra mondiale: un omaggio e allo stesso tempo uno strumento di riflessione, per non dimenticare, l’importanza di questo luogo denso di storia.

BIO DI Francesco Forconi Skim, dal blog www.artielettere.it

SKIM nasce a Firenze nel 1985 e cresce nella periferia cittadina, scoprendo fin da piccolissimo la sua passione per l’arte, ammaliato come molti da quel fenomeno artistico chiamato Graffitismo. Nel 2006 si diploma in Grafica Pubblicitaria e Fotografia all’Istituto d’Arte di Firenze e sceglie poi di seguire la sua passione per il disegno e i cartoni animati iscrivendosi alla Scuola Internazionale di Comics, dove si diploma in tecniche di Animazione tradizionale e Moderne nel 2009.

Apre il suo primo studio d’arte a Scandicci nel 2008 occupandosi di pittura, illustrazione, fumetti, graffiti, design, grafica e performance dal vivo. SKIM rivela una sensibilità nell’uso di colori vivaci ed accattivanti propria di pochi, così come la sua tecnica, connubio perfetto tra old school e innovazione, che definisce nettamente il suo stile ironico, caustico e poetico. Con i suoi “Puppets” e i suoi “Kaos” interpreta le storie e le ambientazioni più disparate, analizza la quotidianità e la traduce in arte, di strada o di studio, sorprendendo lo spettatore per il contrasto tra l’esplosione di colore delle sue opere e il messaggio mai banale che vuole trasmettere.

SKIM collabora con associazioni di ragazzi disabili e con scuole in tutta Italia, portando avanti il suo progetto di colorarne i grigi muri e insegnare ai ragazzi l‘arte dei graffiti, lasciando ovunque il suo segno. Oggi vive a lavora a Firenze, collezionando numerose mostre personali e collettive in Italia e all’estero.

Un po’ di caos stimola

la produzione di idee creative.

L’"incasinamento" libera dalle convenzioni

e ispira pensieri profondi e nuovi.

Bisogna accettare il proprio "incasinamento” considerandolo un dono.

In questo modo, si può sviluppare

la propria creatività

e fare nuove esperienze,

aumentando la propria felicità .

Si può immaginare lo stesso meccanismo all’interno della propria testa: quando tutto è pulito e ordinato sarà facile seguire un percorso prestabilito, mentre quando sembra che nei propri sentimenti ci sia un tornado, il risultato potrà non essere piacevole, ma sarà di grande aiuto per scoprire nuovi modi di vivere.

L’incasinamento che cercate di nascondere potrebbe essere il biglietto per un viaggio

verso una piacevole esperienza visionaria.

Si ringrazia Helene Weifner per il catalogo delle immagini delle opere di Skim riprese durante la mostra alla Galleria delle Carrozze di Palazzo Medici Riccardi di Firenze

LE SCONFINATE al Giardino delle Rose di Firenze

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Wed, 18 May 2022 08:04:45 GMT

Storie di donne ribelli, ma non soltanto

Nella suggestiva cornice del Giardino delle Rose, sotto al Piazzale Michelangelo di Firenze , si è svolta una particolare presentazione dell’antologia di racconti Le sconfinate, da Antigone ad Amy Winehouse, pubblicazione della collana Scrivere Donna della Casa Editrice Carmignani, antologia nata da un’idea di Nicoletta Manetti, che ne è anche la curatrice, e con la partecipazione di Cristina Gatti, presidente del Gruppo Scrittori Firenze che ha organizzato la pubblicazione del volume.

Come recita la scheda di valutazione editoriale del Premio Città di Como, che ha menzionato l’antologia come opera meritevole , donne maledette, cattive, fuori dagli schemi, ignoranti o coltissime, giovani o no, donne che attraversano tutta la storia del mondo, istrioniche, timidissime, violente, vittime, carnefici. Non-eroine per eccellenza

Donne che sono uscite dai confini nei quali l’uomo le ha cacciate per convenzioni culturali o per esercizio di potere, donne che si sono ribellate alla condizione per loro stabilita dalla società maschilista e patriarcale, donne che hanno rotto gli schemi, ma che non si sono limitate a strillare la loro ribellione, hanno anche costruito qualcosa di significativo che è rimasto nella storia del mondo.

Quattordici storie di quattordici donne scritte da quattordici autori che hanno “sposato” il personaggio, lo hanno raccontato con la propria cifra stilistica, il proprio punto di vista, il proprio approccio narrativo. Il risultato è una raccolta dalle voci tutte diverse, unite però dal filo conduttore che vuole le eroine delle tenaci, irriducibili combattenti per la loro libertà e il loro riscatto.

È Roberto Mosi che per bocca di Antigone, la grande disubbidiente della storia, invita tutte le altre sconfinate, presso la fontana di Edipo, a Tebe, perché ognuna racconti la sua storia. Caterina Perrone fa parlare Cleopatra, in un delirio di estasi dei sensi; Fabrizio del Sanctis rende immortale Erzsébet Bàthory, sanguinaria castellana ungherese; Cristina Gatti ci ricorda Mary Shelley e della sua ribellione al mondo letterario di allora che voleva le donne capaci solo di scrivere romanzi d’amore; Antonella Cipriani , che di professione fa l’infermiera, ci fa conoscere la britannica Florence Nightingale, fondatrice dell’infermeria moderna; Andrea Zavagli scava nel profondo dei pensieri, anche quelli più intimi, di Marie Duplessis, pseudonimo di Alphonsine Rose Plessis, divenuta poi la contessa di Perrégaux, celebre musa ispiratrice di grandi scrittori e compositori; Marco Tempestini evoca la grande sofferenza di Camille Claudel, scultrice francese, rinchiusa in manicomio, che trova pace soltanto attraverso la propria vena creativa; Nicoletta Manetti dà voce a Suzanne, figlia illegittima di una lavandaia di Montmartre, divenuta modella di grandi pittori parigini; Gabriella Tozzetti ci racconta l’amore di Marina Cvetaeva, grande poetessa russa, per Sonja Parnok sua musa ispiratrice; Nicola Ronchi ci porta, con la consueta ironia della sua narrazione, nel mondo misterioso e truce di Leonarda Cianciulli, detta “la saponificatrice di Correggio”; Andrea Zurlo , scrittrice argentina, ci racconta la vita, intensa e vibrante, di Tina Modotti, che chiamarla fotografa è riduttivo, dato che è stata attrice, attivista per i diritti umani, scrittrice; Gabriella Becherelli immagina un dialogo tra due grandi pittrici, Frida Kahlo e Artemisia Gentileschi; Silvia Zanotto ci parla della scrittrice francese Violette Leduc, mai riconosciuta dal padre e trattata senza affetto dalla madre, e del suo modo di riscattarsi attraverso la scrittura; Manna Parsi , scrittrice iraniana, ci fa conoscere la poetessa persiana Forough Farrokhzad, morta a soli 34 anni per un incidente stradale, voce di libertà in un paese dove è estremamente pericoloso esprimere liberamente i propri pensieri; l’ultima storia è di Saimo Tedino che racconta la tragica fine della cantante pop britannica Amy Winehouse.

La Giornata mondiale del vivere insieme in Pace, l’inestimabile valore della pace tra i popoli.

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Mon, 16 May 2022 16:41:49 GMT

16 maggio

La Giornata mondiale

del vivere insieme in Pace

Il 16 maggio si celebra la Giornata mondiale del vivere insieme in Pace, per mettere in evidenza e sostenere il valore universale della pace , intesa non soltanto come assenza di conflitto, ma anche e soprattutto come un processo umano di partecipazione positiva e dinamica, con lo scopo di incoraggiare il dialogo e il superamento dei conflitti nella comprensione reciproca.

La Giornata mondiale del vivere insieme in Pace fu proposta dall’Associazione Internazionale Sufi Alawiyya, presentata dal rappresentante algerino all’ONU Sabri Boukadoum e stabilita l’8 dicembre 2017 da un documento dell’Assemblea Generale dell’ONU che ne fissò la celebrazione ad ogni 16 maggio. Il fine è quello di promuovere la vita in pace attraverso la coesistenza armonica senza distinzioni tra nazionalità, genere, lingua o religione.

L’idea alla base di tale iniziativa delle Nazioni Unite non è soltanto quella di invitare gli Stati membri a sostenere con ogni mezzo diplomatico possibile la riconciliazione dei conflitti, per contribuire a garantire la pace e lo sviluppo sostenibile, ma anche di estendere tale riconciliazione a tutta la società civile e umana in genere.

Gli ambasciatori universali della pace sono John Lennon e sua moglie Yoko Ono che, hanno creato e cantato due celeberrime canzoni, rimaste come manifesto per tutti i pacifisti del mondo. La prima, scritta nel 1969, è Give peace a chance ; la seconda, scritta due anni dopo, è Imagine che, tra l'altro, è stata considerata la canzone più bella del XX secolo.

Oggi più che mai c’è bisogno

di un tale sforzo di riconciliazione,

in un momento in cui nel mondo,

secondo i dati della ACLED (Armed Conflict Location & Event Data project), sono in corso 59 guerre,

una delle quali, di grande intensità distruttiva,

è alle porte dell’Europa.

Il libro, ovvero la cultura, lo sviluppo del senso critico, potrebbero essere l’arma letale per sconfiggere tutte le guerre perché, come dice Ezra Pound “I libri servono a capire e a capirsi

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Fri, 22 Apr 2022 17:55:49 GMT

Il 23 aprile 2022, Giornata Mondiale del Libro

Il 23 aprile 2022, Giornata Mondiale del Libro, è appuntamento fondamentale, in cui i tre pilastri dell’editoria – editori, librai e biblioteche – si uniscono a bibliofili, topi di biblioteca e amanti dei libri di tutto il mondo per celebrare questo evento, con l’obiettivo di sensibilizzare le persone sull'importanza dei libri e promuovere l'abitudine alla lettura.

Purtroppo, la Giornata Mondiale del Libro, si svolge quest’anno in un contesto tragico a causa dell'invasione russa dell'Ucraina, un paese indipendente, con una lunga e prestigiosa storia letteraria, una vasta ricchezza culturale, che la Biblioteca del Consiglio Europeo mette in evidenza presentando una selezione di opere ucraine .

Questo il mio primo contributo alla Giornata Mondiale del Libro. Il secondo prende spunto da una citazione di Umberto Eco : «Il libro è come il cucchiaio, il martello, la ruota, le forbici: una volta che li avete inventati, non potete fare di meglio» . Citazione che ha inspirato la professoressa Federiga Formiga autrice del saggio L’invenzione perfetta nel quale si ripercorre la storia del libro dal Derveni, il primo libro datato 320-340 a.C. scritto in greco su papiro, anche se si pensa che libri su papiro esistessero in Grecia nei secoli antecedenti, fino ai giorni nostri, con gli strumenti digitali che stanno mettendo in crisi il cartaceo, con un capitolo finale dedicato al futuro del libro, purtroppo carico di incognite e incertezze.

Il libro, ovvero la cultura, lo sviluppo del senso critico, potrebbero essere l’arma letale per sconfiggere tutte le guerre perché, come dice Ezra Pound “I libri servono a capire e a capirsi, e a creare un universo comune anche in persone lontanissime."

E tra persone che si capiscono,

nasce l’empatia e non il conflitto.

Camminata per la pace lungo il sentiero di Tiziano Terzani tra i boschi dell'Orsigna

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 12 Apr 2022 13:54:18 GMT

E allora ben vengano gli artisti per la pace!

Perché se la musica tocca qualche corda,

non è la corda del corpo,

ma è qualcosa che c'è dietro.

Allora ben vengano gli artisti per la pace!

Ce n'è bisogno di letterati per la pace,

di maestri per la pace.

Ah, Dio mio, ne abbiamo bisogno da tutte le parti.

Il mondo è oggi dinanzi a una drammaticissima scelta,

bisogna capirlo.

Secondo me, l’arte ha un enorme ruolo da svolgere. Proprio stamani leggevo nel giornale di una bella manifestazione tutta nel centro di Londra da artisti contro la guerra. Insomma, secondo me – lei mi ha già sentito dirlo e voglio ripeterlo – l’umanità è di fronte a una grandissima drammatica scelta epocale, che è quella fra un rimbarbarimento dell’uomo e un passo verso una sua maggiore spiritualità. Tutti gli strumenti che possono condurre l’uomo a prendere coscienza del dramma e a fare un passo nella direzione positiva, più giusta, mi pare sono assolutamente da usare.

(Tiziano Terzani, dalla rivista web Ardis Monthly, dicembre 2002).

Partecipa alla Settima Edizione del premio Letterario Città sul Ponte

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Fri, 01 Apr 2022 16:58:33 GMT

Premio Letterario di Narrativa e Poesia

“La Città sul Ponte” – Settima edizione 2022

Presidente Paolo Ciampi

Tante le novità nell'edizione di quest'anno

Il “ Premio Letterario La Città sul Ponte ” organizzato dal GSF - Gruppo Scrittori di Firenze , sempre più rilevante nel panorama letterario nazionale, con adesioni sempre crescenti, si presenta in questo 2022 ricco di novità.

Da sempre accoglieva nella sezione Romanzi Editi anche il self-publishing, ma da quest’anno gli autori che scelgono l’autopubblicazione avranno una loro sezione dedicata, con apposita giuria: un’occasione in più per dare voce alle pubblicazioni indipendenti.

Si affiancano poi al GSF da quest’anno vari sponsor: le due case editrici con cui il GSF ha recentemente pubblicato le antologie collettive “ Accadeva in Firenze Capitale ”, “ Gente di Dante ” e “ Le sconfinate ” ovvero il Gruppo Editoriale Tabula Fati e Carmignani Editrice . Mentre continua la collaborazione con Il Teatro del Legame , si aggiungono gli sponsor Tipografia la Nuova Calducci e Scrittoriitaliani.net .

Tutte queste collaborazioni consentono di offrire una gamma sempre più ricca e interessante di premi alle opere selezionate e un contatto diretto con degli editori per le opere inedite.

Per far fronte al crescente numero di opere che giungono in valutazione, la giuria è stata ampliata con l’aggiunta di numerosi e autorevoli nuovi giurati, nello spirito di attenta analisi di tutto il materiale pervenuto che da sempre distingue questo Premio.

Infine, per consentire a sempre più numerosi soci del Gruppo Scrittori Firenze di partecipare al Premio, considerando che per le opere inedite i testi giungono ai giurati in forma del tutto anonima, da quest’anno sarà consentito anche ai soci di concorrere in queste sezioni, purché ovviamente non siano loro stessi dei giurati. Restano escluse le sezioni dei romanzi editi da case editrici o in self-publishing.

Si ricorda che l’opera vincitrice della sezione Romanzo Edito, concorre al prestigioso Premio Letterario Toscana .

La scadenza per presentare romanzi, racconti, poesie e monologhi teatrali è il 10 giugno. Ove previsto l’invio elettronico l’indirizzo è ponte.gsf@gmail.com . Per i cartacei occorre scrivere all’indirizzo: Concorso “La Città sul Ponte” /o AICS via Luigi La Vista 1/B, 50133 Firenze.

CLICCA QUI PER SCARICARE IL BANDO DEL CONCORSO LETTERARIO "CITTÀ SUL PONTE"

(le immagini sono relative all'edizione dello scorso anno alla Biblioteca delle Oblate di Firenze)

I MEDICI A MODO MIO racconti storico-fantastici di Renato Campinoti

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Thu, 31 Mar 2022 10:37:47 GMT

Un nuovo interessante punto di vista per indagare alcuni misteri della

Famiglia de' Medici di Firenze

Martedì 29 marzo alle ore 17.30, nel prestigioso salone del Circolo degli artisti “Casa di Dante”, presso la Società delle Belle Arti a Firenze, è stato presentato il libro I Medici a modo mio di Renato Campinoti, edito dalla Casa Editrice ALA di Livorno, con la presenza di Cristina Gatti, presidente del Gruppo Scrittori Firenze , l'introduzione di Cecilia Nubiè, le letture di Maila Meini e l'intervento di Franco Margari, presidente della “Casa di Dante”.

Nella prefazione a I Medici a modo mio , Renato Campinoti si chiede per quale motivo scrivere un altro libro su questa famosissima famiglia fiorentina, quando la produzione saggistica e letteraria, cinematografica e televisiva, è sterminata? Innanzitutto, perché ogni storico (Renato si è laureato in Storia Contemporanea a Firenze nel 1972) subisce il fascino particolare di questa casata che ha dominato per secoli la vita fiorentina; in secondo luogo, perché Renato ama scrivere fiction di genere poliziesco ( Non mollare, Caterina , il suo romanzo precedente, nel quale la poliziotta Caterina indaga tra gli sguardi ammirati, per la sua bellezza, di colleghi e criminali) e i Medici hanno fornito, nel corso dei secoli, materiale inesauribile e molto intrigante per assassinii irrisolti e intricati misteri.

La peculiarità di questa raccolta di racconti è di essere un'appassionante miscela di fiction e storia basata su documenti, che si legge tutto d'un fiato, come un vero e proprio thriller. L'autore si pone alcune domande:

1) Chi è stato il vero capostipite della Famiglia de' Medici?

2) Perché il Masaccio è morto a meno di trent'anni?

3) Perché il medico di Lorenzo è stato trovato annegato in fondo a un pozzo?

4) Perché Lorenzino de' Medici uccise il cugino Duca Alessandro?

5) Cosa c'è di misterioso nella morte di Francesco I e di Bianca Cappello?

6)Cosa aveva scoperto Artemisia per interrompere il suo soggiorno a Firenze e tornare precipitosamente a Roma?

7) Chi era davvero Gian Gastone e cosa ha fatto di particolare l'Elettrice Palatina?

Per risolvere questi misteri , Renato Campinoti si serve di alcuni investigatori particolari, personaggi realmente vissuti come Benedetto Varchi e altri improvvisati detective, che tentano di risolvere - qui prevale nell'autore la vena della fiction poliziesca - indagini ipotetiche e fantastiche. Alcune, secondo Renato, sono state risolte brillantemente, altre invece restano tuttora immerse nel mistero: la storiografia, per mezzo di altre documentazioni, ancora non rinvenute o studiate, potrà porvi rimedio e trovare la soluzione. Una cosa è però sicura: questi racconti tengono il lettore inchiodato alle pagine del libro per il desiderio di arrivare in fondo, nel piacere di una lettura particolare e originale, soprattutto per il continuo mescolarsi di storia e finzione, di suspence e di riflessione , un metodo che il narratore e lo storico insieme, Renato Campinoti, ha utilizzato per ribadire il suo amore verso la propria città Firenze e il fascino attrattivo che la grande casata de' Medici esercita da sempre sui fiorentini.

LEGGI QUI Guida galattica (e)norme per adolescenti

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Sat, 19 Mar 2022 16:39:59 GMT

LEGGI QUI Guida galattica (e)norme per adolescenti edita da Mondadori

“Il diritto non è un'insidia, la legge non costruisce tranelli. Diritto e legge sono piuttosto gli strumenti di cui la nostra società, qualunque società, dispone, per far sì che si possa convivere pacificamente nel rispetto delle libertà di ciascuno”, con queste parole inizia la presentazione nella costola della copertina di Leggi Qui – Guida galattica e(norme) per adolescenti, un libro utilissimo, a supporto dell’insegnamento dell’educazione civica nelle scuole del primo e secondo ciclo d’istruzione, introdotto con la legge 92 del 20 agosto 2019.

Gli adolescenti hanno, verso l’educazione civica, una naturale, atavica repulsa, ma questo libro è scritto in modo tale da vincere questa pregiudiziale resistenza. Un preziosissimo volume, che dovrebbe essere presente nella biblioteca delle scuole di ogni ordine e grado, e nelle case private abitate da adolescenti (ma i suggerimenti che vi si trovano sono utili per tutti). Raccoglie centinaia di consigli pratici su come affrontare le problematiche giuridiche che si possono presentare nella vita di tutti i giorni, quando si ha che fare con i social, con l’ambiente, con la scuola, con la costituzione, con la guida, con gli acquisti on-line, oppure problematiche più complesse come l’alcol e la droga, il bullismo, il razzismo e la sessualità. Una guida pratica, pertanto, che più che “insegnare” le norme ai ragazzi, spiega loro quali sono i comportamenti migliori da seguire perché quelle norme possano far rispettare il loro diritto alla libertà senza ledere i diritti degli altri e senza danneggiare se stessi.

La guida è nata da un'idea di Giacomo Ebner, che ne è anche il coordinatore, mentre i curatori sono Ester Di Napoli , Roberto Maltoni e Silvia Melandri, che hanno diretto, con competente (e paziente, credo) regia un vero esercito di studiosi del diritto , che hanno analizzato un’enorme quantità d i situazioni pratiche che possono presentarsi nella quotidianità dei ragazzi e delle ragazze. A fianco degli studiosi, un altro esercito di autori famosi, personaggi dello sport, della tv, della musica, del cinema, che spesso sono punti di riferimento degli adolescenti, che hanno supportato l’approfondimento della norma presa in esame con proprie esperienze personali. Insomma, un lavoro, quello del coordinatore e del curatore veramente difficile e complesso, ma il risultato è questo prezioso oggetto librario, che nel mondo contemporaneo del digitale, si pone come oggetto di una consistenza e di un valore davvero (e)norme.

Nella giornata internazionale delle donne, un particolare pensiero alle donne ucraine e russe

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Tue, 08 Mar 2022 12:15:35 GMT

Julia Kissina è una scrittrice e un'artista nata a Kiev, ecco la sua testimonianza

"Questo è ciò che sta accadendo ora: giovani reclute, ragazzi di 18 anni provenienti dalle città grandi e piccole di questo vasto Paese che si chiama Russia, vengono messi in scatole di ferro su ruote

e portati in un altro Paese a uccidere civili, mentre sono convinti di liberare l’Ucraina dal nazismo. Questi «liberatori» stanno spazzando via dalla faccia della terra intere città. Molti non hanno neppure idea di dove si trovino. A loro piace solo tenere in mano un’arma (sono stati allevati in una cultura machista) poco importa che si tratti di Siria o Pakistan. Pensano che il senso della loro vita sia quel patriottismo a cui attribuiscono un significato molto strano: uccidere civili. Li hanno privati dei telefoni cellulari perché non possano chiamare le loro famiglie. A cosa ti possa servire parlare con la famiglia non si sa, se sei destinato a morire comunque (ma solo gli ufficiali lo sanno)".

brano tratto da La Stampa , 08-03-2022

"Siamo di nuovo nell’epoca di Stalin. Arrestano la gente che manifesta per la pace, mettono in carcere degli adolescenti. Le loro famiglie non sanno cosa stia succedendo loro.

I social media sono stati chiusi. La Russia è stata chiusa. È la cortina di ferro, la Corea del Nord! Dall’inizio della guerra, in pochi giorni, la Russia si è definitivamente trasformata in Mordor, è così che la chiamano fin dal 2014, e Putin in Putler, mentre l’Ucraina è diventata terra bruciata.

Ma questo non è un film.

E non è un sogno.

È la nostra realtà.

Una minaccia per tutta l’Europa".

Julia Kissina è un'artista e scrittrice . Nata a Kiev, ha studiato scrittura drammatica a Mosca, poi si è trasferita in Germania, si è laureata all'Accademia di Belle Arti di Monaco di Baviera e ha insegnato come professore di New Media e Fotografia d'Arte. Membro del movimento concettualista di Mosca e dell'avanguardia letteraria clandestina russa (Samizdat), Julia Kissina è autrice di diversi romanzi e raccolte di racconti tradotti in tutta Europa. La casa editrice tedesca Suhrkamp Verlag, ha pubblicato i suoi romanzi Springtime on the Moon , Elefantina ; ha curato una recente antologia di prosa russa contemporanea Revolution Noir. Nel 2018 ha creato Urban Dictionary, un festival letterario a Berlino, che ha riunito scrittori di New York e di Berlino. Julia Kissina vive a Berlino e New York City.

Si ringrazia Gayatri Malhotra per le fotografie

La guerra non si abolisce coi trattati, ma si abolisce stimolando la riflessione e la cultura di tutti (Gino Strada)

paolorsini55@gmail.com (Paolo Orsini) — Sat, 05 Mar 2022 19:58:52 GMT

Grande successo di pubblico, soprattutto tantissimi giovani

Lo scorso weekend si è concluso alla Leopolda di Firenze TESTO, una fiera del libro a ingresso gratuito. Questa formula ha assicurato il successo di pubblico , oltre 8.000 visitatori nei tre giorni di apertura dal 25 al 27 febbraio 2022, dalle ore 11.00 alle ore 20.00, ma ha anche messo in risalto i limiti di capienza della Leopolda per eventi di massa come questo.

Ben venga la formula dell'ingresso libero, non è scontato, a quante fiere siete entrati senza pagare?

Così ti resta in tasca qualche euro in più da spendere in libri. Però poi dobbiamo fare i conti con alcune inevitabili disfunzioni . Infatti, tutti gli eventi sono andati sold-out poco dopo l’inizio delle prenotazioni obbligatorie nei giorni precedenti. Lunghe code si sono formate all’ingresso delle sale, pochi i fortunati che sono potuti entrare al posto di chi ha rinunciato. E per fortuna non c’erano scrittori molto famosi, altrimenti chissà la ressa.

Oltre 150 sono stati gli eventi, tra presentazioni, laboratori, incontri e percorsi guidati. Una delle cose più interessanti sono stati alcuni laboratori, condotti da docenti di prim’ordine, di scuole di scrittura creativa al top in Italia. I pochi fortunatissimi che hanno potuto partecipare hanno sicuramente vinto un terno al lotto: poter usufruire di lezioni gratuite di scuole e docenti così famosi, è cosa rara e sappiamo quanto costano i corsi. Molto vivi e interessanti tutti gli altri eventi, di ogni tipo e per ogni esigenza, qui l’organizzazione ha lavorato ottimamente.

Bella l’immagine coordinata, l’arancione e il nero del carattere, lo rende immediatamente riconoscibile.

Una cosa che mi ha colpito positivamente è stata che la stragrande maggioranza dei presenti erano giovani molto interessati , sia agli eventi che alle offerte delle case editrici. A conferma che il giovane italiano non resta inchiodato davanti alla televisione, o peggio legge soltanto rotocalchi o riviste scandalistiche, come fanno le generazioni precedenti.

Più di 70 case editrici che hanno esposto i loro cataloghi al completo , per lo più le grandi, Mondadori, Adelphi, Giunti, Einaudi, Bompiani, Sellerio, Laterza, Minimum Fax; poi una serie di medio piccole, molte delle quali, se si va ad indagare, fanno parte dei grossi gruppi editoriali. Spicca per assenza la Feltrinelli, altro gruppo big, forse per non urtare la suscettibilità di altri saloni del libro di più vasta risonanza. Personalmente, piuttosto che delle grandi case editrici, avrei appezzato di più la presenza dei librai, per il rapporto che hanno verso il loro pubblico. Una hostess che deve fare la spola da uno stand all'altro del gruppo non può certo avere quella preparazione e dedizione che un libraio, pur nella confusione della fiera, avrebbe avuto con il cliente, nel consigliarlo e guidarlo nella scelta del libro.

L’augurio per la prossima edizione è che la perfetta organizzazione degli abilissimi manager di Pitti Immagine, sia messa a disposizione anche di una certa piccola editoria, uno sterminato mondo che tutto insieme ha gli stessi numeri del grande giro editoriale. Una parte di eventi andrebbero indirizzati verso la possibilità di concedere visibilità anche ad autori che non possono permettersi uffici stampa potentissimi o agenti letterari di fama internazionale.

Insomma, un po’ di spazio anche ai piccoli e sconosciuti, per farli diventare grandi e famosi, ma per fare questo occorrono spazi molto più grandi, quindi perché non passare alla Fortezza da Basso il prossimo anno?

TESTO Come si diventa un libro

Tue, 22 Feb 2022 16:01:06 GMT

Dal 25 al 27 febbraio dalle ore 11.00 alle ore 20.00 alla Stazione Leopolda di Firenze arriva la prima edizione di "Testo", il nuovo progetto dedicato al mondo dell’editoria contemporanea e ai suoi protagonisti. L'evento è organizzato da Stazione Leopolda e Pitti Immagine , ideato dalla l ibreria Todo Modo , con il patrocinio e la collaborazione del Comune di Firenze e il patrocinio di Regione Toscana.

Tre giorni di full immersion nel mondo dell’editoria, con molti ospiti, svariate presentazioni di libri, tantissimi laboratori a ingresso gratuito, un’occasione da non perdere.

La manifestazione affronta l’oggetto libro da tutti i punti di vista: come nasce l’idea di un libro, come si scrive, come si pubblica, come si traduce, come si disegna, come si vende fino a come si legge. Durante il suo viaggio il visitatore incontrerà 7 Stazioni che rappresentano una fase della vita di un libro: dal lavoro dello scrittore, a quello degli editor, traduttori, grafici, promotori e librai, fino al lettore.

Finalmente Firenze ha la sua vera fiera del libro con la partecipazione come espositori delle più importanti case editrici grandi e piccole, il successo di pubblico sarà assicurato per una città amante della lettura.

Il calendario prevede la presenza di importanti scrittori internazionali, come l’israeliano Eshkol Nevo, la newyorchese originaria di Addis Abeba Maaza Mengiste, vincitrice dell’ultimo Premio Gregor von Rezzori, l’olandese Jan Brokken, il francese Régis Jauffret, la messicana Guadalupe Nettel, la britannica Katherine Angel, e l’americano Andrew Sean Greer, vincitore del Premio Pulitzer per la narrativa nel 2018.

La presenza italiana è naturalmente massiccia: Fabio Bacà, Stefano Bartezzaghi, Massimo Carlotto, Ilide Carmignani, Csaba dalla Zorza, Jacopo De Michelis, Piero Dorfles, Mauro Ferrari, Chiara Guidi, Stefano Mancuso, Antonio Manzini, Ena Marchi, Daniele Mencarelli, Paolo Nori, Marco Peano, Veronica Raimo, Vanni Santoni, Marino Sinibaldi, Nadia Terranova, Chiara Valerio, Sofia Fabiani, l’illustratore e fumettista Manuele Fior.

La prenotazione agli eventi, ai laboratori e ai percorsi guidati è obbligatoria.

Premiazione Concorso CITTA' SUL PONTE 2021 organizzato dal GRUPPO SCRITTORI FIRENZE

Sat, 09 Oct 2021 15:01:07 GMT

Da molti anni ho il piacere e l'onore di far parte della giuria del Premio Letterario CITTA' SUL PONTE organizzato dal Gruppo Scrittori Firenze

Sabato 9 ottobre 2021, nella storica sala Dino Campana della Biblioteca delle Oblate , la più bella di tutto il complesso bibliotecario – non fosse altro che per le bellissime fotografie in bianconero alle pareti, meravigliosi ritratti di grandi, grandissimi scrittori, studiosi, letterati e giornalisti – ho avuto la piacevole opportunità di passare un’intera giornata tra spettacoli, intrattenimenti poetici e premiazioni del Concorso Città sul Ponte, organizzato dal Gruppo Scrittori Firenze, di cui mi onoro di appartenere e di essere uno dei soci fondatori.

Sotto l’efficiente regia del Presidente del Gruppo Scrittori Firenze Cristina Gatt i , la mattinata è iniziata con un brillante spettacolo tenuto da Pier Paolo Pederzini , "il rimattore”, un moderno menestrello che ha recitato poesie improvvisate con l’accompagnamento della sua chitarra e del suo estro creativo. Ha coinvolto il pubblico nel suo spettacolo Dante Improvvisamente in una serie di gag improvvisate, basate sulle terzine dell’Inferno dantesco, che hanno portato, nell’austera sala della biblioteca, una ventata di ilarità e di puro divertimento , dove anche il pubblico è stato protagonista, insieme al mattatore Pederzini. A seguire, la presentazione del volume Gente di Dante, edito a cura del Gruppo Scrittori Firenze, promosso da Carlo Menzinger di Preussenthal e Caterina Perrone che ne sono stati i curatori.

Nel pomeriggio si è svolta la seconda parte della kermesse letteraria, ancora condotta con simpatia da Cristina Gatti, iniziata con i saluti di Paolo Ciampi , presidente di giuria del Concorso letterario, in collegamento virtuale con la sala delle Oblate. La ribalta è stata conquistata poi da Daniele Locchi , eclettico autore nonché attore, che ha condotto prima uno scoppiettante poetry slam , divertente competizione poetica tra vari autori, poi ha recitato un suo componimento poetico, infine ha condotto alcuni monologhi teatrali.

Infine, si è celebrata la cerimonia di premiazione della sesta edizione del Premio Letterario di Narrativa e Poesia " La città sul ponte" organizzato da Gruppo Scrittori Firenze . Cristina Gatti, insieme a Antonella Cipriani che ha curato la segreteria del Premio, ha premiato i vincitori della sezione Racconto inedito e della sezione Racconto genere giallo. Fabrizio de Sanctis ha condotto, insieme a Nicoletta Manetti, la premiazione della sezione Romanzo inedito, mentre Maria Gloria Messeri ha premiato i vincitori della sezione Romanzo Edito, alla quale anch’io ho partecipato in qualità di giurato. A questo proposito, un particolare ringraziamento va, oltre al presidente di sezione Maria Gloria Messeri, anche agli altri giurati – Carlotta Lelli, Barbara Carraresi, Maila Meini, Carlo Giannone e Paolo Dapporto – con i quali ho condiviso il piacere, ma anche la fatica, di leggere e valutare più di cento romanzi, giunti in sede per la partecipazione al concorso.

Tutti gli spettacoli e gli eventi della giornata sono stati ripresi da Teleregione Toscana che li ha mandati in onda il 14 di ottobre. Guarda qui il video della giornata

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Film LO STRANIERO: François Ozon meglio di Luchino Visconti

Una mostra con un marcato accento sull’aspetto spirituale della pittura.

Opere in cui il colore e la luce invitano alla meditazione e all’introspezione, in una tensione costante tra

astrazione e spiritualità.

Non sono mai stato un pittore che attende in silenzio e con stupore ciò che accade

La Firenze più vera nell’ultimo romanzo di Nicoletta Manetti

Una brillante protagonista femminile

che vive la sua storia nella Firenze più genuina

Il Diario Fiorentino del poeta tedesco Rainer Maria Rilke

Gli amici intellettuali e la Firenze di Ottone Rosai in mostra al Museo Novecento

La pittura di Ottone Rosai evoca una comunità inquieta,

che condivide un’umanità segnata dalla fatica di esistere

﻿ e dalla necessità di credere ancora nella poesia.

Una storia che dal passato ci racconta il presente per affrontare il futuro.

Gli ultimi romanzi di NICOLETTA MANETTI e di CATERINA PERRONE

Un comune viaggio a Firenze

alla scoperta dell’identità e della diversità

L’ULTIMO RAIS DI FAVIGNANA romanzo di Massimiliano Scudeletti

Amore e inganni nel romanzo NESSUNO È SOLO SE STESSO di Caterina Perrone

Una grande mostra a Pisa nel sessantesimo anniversario della morte di ANTONIO LIGABUE

Palazzo Blu di Pisa ospita una bella mostra sulla BELLE EPOQUE

La mostra è uno sguardo sulla Belle Époque parigina, fatta di dialoghi, confronti, rapporti tra i pittori e tendenze artistiche

CIME TEMPESTOSE, il capolavoro di Emily Brontë: meglio il libro o il film?

Confrontiamo la nuova versione cinematografica

﻿ con il capolavoro ottocentesco di Emily Brontë

Gli scrittori si raccontano al Caffè GIUBBE ROSSE di Firenze

La galleria delle celebrità del Novecento di NICKOLAS MURAY

Uno dei fotografi più importanti del Novecento, quello che meglio ha saputo narrare il glamour del sogno americano

GRIFONI D'EURORA un appassionante intreccio tra letteratura e storia

Scrittura, memoria e identità si intrecciano

nel romanzo storico Grifoni d’Europa

la POZIONE della poetessa ELEONORA FALCHI e del pittore ENRICO GUERRINI

La mostra di TOULOUSE-LAUTREC è un viaggio nella Parigi della Belle Époque

Scopriamo “Over the Horizon” il fotolibro di LUCA BRACALI

Ironia Ribelle di CLEMEN PARROCCHETTI a Palazzo Medici Riccardi

L’artista dello spirito CARLO SCHLATTER in mostra a Palazzo Medici Riccardi

Pur avendo partecipato alcune esposizioni, l’artista stentava a privarsi delle proprie opere, gelosamente conservate come unitario lascito testamentario spirituale.

Scopriamo i CAMPI LUNGHI del fotografo DUCCIO RICCIARDELLI

Una grande monografica su GIOVANNI FATTORI a Villa Mimbelli di Livorno

GIOVANNI BOLDINI il maestro del ritratto della Belle Époque

Il percorso espositivo ripercorre l’evoluzione della pittura di Boldini attraverso il tema della bellezza, in particolare quella femminile

Uno spettacolare BEATO ANGELICO e altri grandi pittori del Quattrocento in mostra a Palazzo Strozzi

L’insegnamento di Lucrezio tra emarginazione e morte misteriosa: il coraggio di credere sempre nei nostri sogni.

NICOLETTA MANETTI ci racconta la bella storia di MAMMA ADA

POESIE DA GAZA

Trentadue poesie di autori palestinesi

in gran parte scritte dopo il 7 ottobre 2023

L’ESTATE CHE UCCISO MIO NONNO l’ultimo romanzo di Giulia Lombezzi

La narrazione scorre con naturalezza, alternando

momenti divertenti a pagine di malinconica bellezza.

A voce nuda di MICHEL FABER edito da Einaudi

Un romanzo che si insinua nei meandri dell’animo umano

con la delicatezza di una melodia appena sussurrata

e la forza di un urlo trattenuto.

La storia di BEATRICE CENCI raccontata da NICOLETTA MANETTI

Un appassionante viaggio nella storia e nella tragedia come soltanto Nicoletta Manetti riesce a fare con la sua abituale maestria

L’anniversario di ANDREA BAJANI vincitore del premio Strega

Un libro capace di illuminare con delicatezza le zone d’ombra dell’animo umano e di offrire al lettore un momento di autentica introspezione.

La collana STRANIERI A FIRENZE dell’Editore Pontecorboli

Firenze non è stata soltanto tappa di grand tour, ma un luogo magico dove artisti, letterati e scienziati stranieri hanno, tra fine Ottocento

e primi Novecento, attinto molte delle loro ispirazioni

IL MONDO POETICO DI PIETRO BROGI

I nterrogarsi sul senso cosmico dell’individuo e della collettività

Una visita nel CAVEAU della MANIFATTURA TABACCHI di Firenze

La mostra MESSAGGERE nelle sale del primo piano del MUSEO NOVECENTO di Firenze

In un’epoca così complessa, drammatica e distruttiva può l’arte essere concepita come una pratica spirituale?

Un Passo Avanti Tanti Dietro la mostra di MARION BARUCH a Firenze

Sono nata molto vecchia per ringiovanire vivendo (Marion Baruch)

I CAVALIERI DELL’ORDINE DEI VALOROSI l’ultimo romanzo di Cinzia Birindelli

Riempio i miei cassetti di sogni e viaggio dove il vento mi vuole.

I miei versi e favole donano un sorriso che può cambiare tutto (Indiana).

Due decenni di innovazione artistica e creatività al femminile alla STROZZINA di Firenze

SEX AND SOLITUDE di Tracey Emin a Palazzo Strozzi di Firenze

THOMAS J. PRICE in mostra al Museo Novecento di Firenze

CRONOS OLTRE IL MURO romanzo di Francesca Pacchierini

LA PERSISTENZA DEL DRAGO l’ultimo romanzo di Mario Pini

L’ultimo appassionante capitolo

di una trilogia pensata da tempo

IL SIMPATIZZANTE romanzo premiato di Viet-Thanh Nguyen edito da Neri Pozza

e dalla necessità di credere ancora nella poesia.

con il capolavoro ottocentesco di Emily Brontë

Attorno a un quadro attribuito a Filippino Lippi gravita un mondo di personaggi strani e misteriosi

di yuppies newyorkesi, annoiati nella loro vita coniugale e lavorativa.